25 kjente malerier: Kuraterte mesterverk i museer

kjente malerier

Montagne Saint-Victoire av Paul Cézanne (1887), The Hunters in the Snow av Pieter Bruegel (1565), View of Toledo av El Greco (1596), Blue Horses av Franz Marc (1911).





Vi lærer om kjente malerier, mesterverk, fra vi er ganske små. Selv i denne alderen kan vi sette pris på noe av skjønnheten som produseres av form og farge. Når vi utforsker museer og gallerier, plukker vi opp vår egen smak for skjønnhet, kulturell verdsettelse og vår egen vurdering av hva et mesterverk er. Ofte nok bringer våre utforskninger oss tilbake til et kanonisk mesterverk som vi nå kan sette pris på i et nytt lys, en ny sinnstilstand; først etter at vi har utvidet vår kunnskap om hva som gjør et maleri mesterlig.

Her er 25 av de mest kjente maleriene på museer

25. Klagesang om Kristus Av Giotto

kristus klage giotto

Kristi klagesang av Giotto, 1305, Fresco, i Scrovegni Chapel, Padua



Giottos Klagesang viser oss en vakkert koreografert scene av sørgende rundt Kristi legeme, speilet av englene som kaster seg i smerte opp i den blå himmelen. Denne scenen er hentet fra Giottos freskomaleriarbeid utført ved arenakapellet i Padua, Italia. Giotto, her, brøt med en etablert tradisjon for maleri, den bysantinske , og innlede begynnelsen av Renessansen . Hans bruk av landskapet, steinmuren, leder blikket ned til Kristus og det sorgtunge ansiktet til Moder Maria.

Giotto rammer Kristus inn av to klumpete skikkelser som har vendt ryggen til oss, en original komposisjonsbragd for tiden, og tilbudt denne guddommelige scenen som noe veldig menneskelig. Vi kan få kontakt med de sørgende på grunn av denne intuitive realismen som Giotto har brakt inn i fresken sin. Giotto lanserer et nytt visuelt språk for å uttrykke scener av religiøs betydning.



24. The Garden Of Earthly Delights , Detalj fra Helvete Av Hieronymus Bosch

hage med jordiske gleder hieronymus bosch

The Garden of Earthly Delights (Detalj: Helvete) av Hieronymus Bosch , 1503-15, via Prado-museet, Madrid

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Hieronymus Bosch The Garden of Earthly Delights er en triptyk som viser utviklingen fra paradis til helvete. Maleriene for hver seksjon er store og fylt med fantastiske, oppsiktsvekkende, fantasifulle virkemidler som kunsthistorikere har undret seg over. Som det fremgår av denne detaljen, er lerretet fullpakket med gåter og en mengde scener som overvelder betrakteren. Boschs dyktighet i å gjengi hans fantastiske syn begeistrer og sjokkerer seeren. Hans surrealistiske lerret er dekket med merkelige figurer som trekker betrakteren inn.

Helvetes munterhet og terror er nesten ugjennomtrengelig for betrakterens evne til å sanse, men ikke desto mindre fremkalles følelsene våre som om vi forsto det. Vi vet at vi ser helvete i all dets elendighet, og det er forferdelig i alle betydninger av ordet. Bosch har klart å formidle terror, avsky og undring gjennom usammenheng.

23. Det siste måltid Av Jacopo Tintoretto

jacopo tintoretto siste kveldsmat

Det siste måltid av Jacopo Tintoretto, 1592, i kirken San Giorgio Maggiore, Venezia



Tintoretto's Det siste måltid viser en fantastisk opptatthet av lysets virkninger i et svakt opplyst interiør. Tintoretto endrer det vanlige perspektivet på Det siste måltid å lage en interessant komposisjon. Vi tenker kanskje på Leonardo da Vinci sin berømte gjengivelse med bruk av lineært perspektiv. Her blir vi veiledet av lysets belysninger: skyggen som kastes fra en tjenende kvinnes nakke leder vårt øye direkte til Jesus Kristus.

Fantastiske, luftige engler dukker opp som røyken som stiger opp for å tømme rommet. Det er et lerret fylt med bevegelse. Tintoretto tilførte lerretet med forlokkende skjønnhet, en som er arrangert av lysets spill. Tintoretto ønsker betrakteren velkommen inn i en scene der Kristi lys fortærer og informerer vår visjon.



22. Jegerne i snøen Av Pieter Bruegel

jegerne i utstilling pieter bruegel

Jegerne i snøen av Pieter Bruegel , 1565, via Kunsthistorisches Museum Wien

Bruegel 's Jegerne i snøen trekker seg langt utover til landsbyen under de høye fjellknausene drapert i snø. Bruegel har skapt tvetydighet rundt den varme følelsen av å komme hjem og mangelen på mat jegerne ser ut til å ha kommet tilbake med. De fjerne skøyteløperne nyter det vinteren har bydd dem på, mens jegerne i forgrunnen, sammen med sine magre jakthunder, har vært oppe mot vinterens herjinger.



Maleriet fremkaller denne narrativskapende evnen hos betrakteren; den ber dem om å forstå dynamikken i landsbylivet. Bruegel har imidlertid ikke latt dette elementet dominere estetikken til en landsby i den kalde villmarken. Det hvite av snø draperer scenen med ensomme kråker som sitter på de bladløse trærne. Vinterens store vidde er trosset av landsbyens folk som pleier en flamme.

tjueen. Utsikt over Toledo Av El Greco

el greco toledo

Utsikt over Toledo av El Greco , 1596, via The Met Museum, New York



El Grecos imponerende maleri over Toledo er slående forut for sin tid. De enorme skyene klatrer over byen og sprer mørke over miljøet. Det skaper også et bakteppe for bygningene som står stivt i forhold til de børstede buskene i forgrunnen. Elva begynner rett under øyet vårt i høyre hjørne og vi følger den oppover broen. Det er ikke en person i sikte, bare de strenge marmorlignende bygningene kroket på bakken.

Dette er et mer emblematisk enn et realistisk syn på byen. El Greco ser ut til å tilby oss en symbolsk representasjon av vårt forhold til det guddommelige, sett gjennom naturen; de overveldende skyene og det flytende landskapet. Vi føler at skyene er nærme på å slippe løs en storm, en følelse som allerede har fått byen til å krype avgårde, nedover åssiden. Dette maleriet uttrykker vakkert den symbolske betydningen mellom byen, slik den er laget av mennesker, og kraften til det guddommelige.

tjue. Bacchus' triumf Av Diego Velazquez

triumfen til bacchus diego valezquez

The Triumph of Bacchus av Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madrid

I dette maleriet, Velazquez har slått sammen den klassiske figuren Bacchus med den moderne spanske festeren. Det som gjør dette maleriet interessant er hvordan kunstneren leker med betrakterens oppmerksomhet. Som guden Bacchus ser bort, smiler de to mennene bevisst mot betrakteren, glade for å være med på denne bastrike ritualen. Faktisk minner disse to mennene oss om folk vi kunne se på en hvilken som helst lokal pub.

Velazquezs kontrast mellom den klassiske figuren og de vanlige er sterk og morsom. Bacchus ser bort mens han kroner en almue med laurbærbladet; vinens gave, og å slappe av, er for alle. Utseendet til de to mennene ser ut til å invitere, ser ut til å smile og si, du er den samme som meg.

19. Marerittet Av Henry Fuseli

henry fuseli marerittet

Marerittet av Henry Fuseli , 1781, via Detroit Institute of Arts

Skrekken fra et mareritt er ofte ledsaget av en vekt på kroppen; stresset som en drøm har påført sinnet og kroppen. Fuselis image klarer det gi et visuelt språk til plagene og marerittets uforståelige natur . En gremlin sitter på kvinnens mage og lammer henne. Det er heksetiden. En svart hoppe stikker hodet gjennom gardinene med ugjennomsiktige øyne. Fuseli gir seeren en mirakuløs visuell opplevelse av den irrasjonelle rammen til et mareritt.

Damens myke kjole blir stramt av gremlinen som sitter tålmodig og ukjent i sin søken. Det snur seg til å se på betrakteren med et uhyggelig blikk som om han bebreider betrakteren for å forstyrre oppdraget hans. Fuselis Mareritt viser en usedvanlig bragd av fantasi når det gjelder å nærme seg dette emnet og bringe liv til noe vi helst vil holde bak gardinen.

18. Newton Av William Blake

newton william blake

Newton av William Blake , 1805, via Tate, London

Blake hadde en individualisert stil som svingte bort fra Nyklassisk / Romantikk av dagen hans. Blakes bilder er utformet med symbolikk og forlokkende enkelhet. Det er dette som gjør maleriene hans så fengslende. I Newton , klarer Blake å vise hvorfor han følte en forakt for den store vitenskapsmannen. Newton måler et rullelignende objekt i stedet for å være klar over fargen bak ham; han er bøyd, måler, i stedet for å leve og legge merke til naturens skjønnhet som han ikke kan måle.

Blakes bruk av den klassiske naken i et uutgrunnelig miljø (noen kommentatorer mener han er på bunnen av havet) er en måte å representere denne symbolske ideen på. Blake har delikat parallelliserte former for å advare oss mot å snu ryggen til livets sjanse og mysterium. Newtons fingre spredt ut som kompasset; hoftene og ryggen ruller over som rullen; rullen han måler ser ut til å flyte fra hans egen kropp, uten farge eller intriger.

17. Sardanapalus død Av Eugene Delacroix

død av sardanapalus delacroix

Sardanapalus død av Eugene Delacroix , 1827, via Louvre, Paris

Delacroix 's Sardanapalus død skaper en spektakulær rytme i dette maleriet ved bruk av farger. Den rike røde starter i øverste venstre hjørne og renner diagonalt nedover. Delacroix har brukt denne rike fargen for å parallellisere volden som befolker scenen. Kroppene er spredt utover, en mann drar i en rikt kledd hest, overdådige smykker myldrer seg i forgrunnen, alt flyter på denne røde elven.

Delacroix har ikke etterlatt mye ubetjent plass; han har overfylt det med bevegelse og draperi for å etterligne stemningen i maleriet. Betrakteren er oppslukt av motivet til de kommer til den navngitte Sardanapalus, lenende tilbake og tilskuer rolig på sengen. Han står i sterk kontrast til hendelsene i forgrunnen. Det er mannen som vil begå selvmord etter at alle hans gleder er ødelagt. Dette øyeblikket fanget av Delacroix er både opprivende og forlokkende.

16. Snow Storm - Steam-Boat Off A Harbour's Mouth Av J.M.W. Turner

jmw turner dampbåt havner munning

Snow Storm - Dampbåt utenfor en havns munn av J.M.W. Turner , 1842, via Tate, London

Turner viste seg å være forut for sin tid med denne impresjonistiske gjengivelsen av en snøstorm. I motsetning til sine samtidige, prøvde han å male inntrykket, følelsesmessig og visuelt, av hvordan det føltes å være i en snøstorm. Dette førte til at han ble pioner i en tidlig form for abstraksjon . Virvelen av monokromatiske farger omslutter betrakteren, mens et kort syn av klarhet dveler bare prekært midt på lerretet.

Det er en historie, som nå anses for å være apokryf, at Turner ble festet til masten på et skip under en storm for å oppleve naturens vold. Det kan sees hvorfor dette kunne ha blitt trodd. Turners gjengivelse er intuitiv og dramatisk, pulserende med energi og subsuming. Det er en strålende komposisjon som viser menneskets manglende evne til å motstå naturens ytterpunkter.

femten. Magpie Av Claude Monet

claude monet the magpie

Magpie av Claude Monet , 1868, via Musee D'Orsay, Paris

Mange har klart å fange en snøbundet scene av stillhet i dette berømte maleriet. Bare noen få hus kan sees blant de snøfylte grenene; et par skritt dukker opp foran porten. Horisonten er skjult av snøen som dekker landet, noe som gjør det knapt synlig hvor himmelen begynner. Monets scene er et vakkert inntrykk som klarer å konnotere følelsen av en ensom spasertur på en lys vinterdag.

Magpien sitter på gjerdet, den eneste eksplisitte livsformen i maleriet. Det er ingen grunn til at Monet malte dette, bortsett fra at det rørte ham. Denne naturens scene kan bevege oss på grunn av en iboende estetisk sans som beveger seg inni oss. Monet trenger ikke strekke seg etter en høyere symbolsk betydning fordi alt er rett foran ham.

14. The Lane Of Poplars Av Alfred Sisley

lane of poplars alfred sisley

The Lane of Poplars av Alfred Sisley , 1890, via, Musee D’Orsay, Paris

Denne delikate gjengivelsen av en bane med poppeltrær i dette berømte maleriet lokker betrakteren med sin bruk av ortogonale linjer. Sisley ser ut til å invitere oss ned avenyen blant de lyssprettede trærne. To skikkelser går ut på veien, uvitende om denne fantastiske avenyen som Sisley har gjort tilgjengelig for oss. Den rike fargen som lyset avgir, blir gradvis mørkere mot forsvinningspunktet.

En elv renner til venstre og noen få hus kan sees lenger i det fjerne. Sisley har malt denne fantastiske, omgivende, lysgjennomvåte scenen for meditativ letthet. Det er ingen hastverk, ingen hektiske mengder av energi, men en avslappende spasertur nedover en allé av trær. Skyggene blir lange, og antyder at dagen nærmer seg slutten, kanskje for en tid med rolig ettertanke. Sisley har bestilt lerretet sitt med små, delikate penselverk, og fargene ser ut til å smelte inn i hverandre, og skaper en rik verden av stille skjønnhet.

1. 3. Montagne Saint-Victoire med en stor furu Av Paul Cézanne

fjellhelgen seier paul cezanne

Montagne Saint-Victoire med en stor furu av Paul Cézanne , 1887, via The Courtauld Institute of Art, London

Cezanne har fantastisk skildret denne scenen ved å bygge opp fargefelt for å skape et maleri med utrolig dybde. Cézanne ville bruke mye tid på å prøve å forstå miljøet der han malte og prøve å forstå hvordan han malte det han oppfattet. Vi kan skimte formene under fjellet som åker og hus, men ved nærmere ettersyn ser det ut til at elementer av hver blander seg og kolliderer.

Det er en del av Cézannes vakre estetikk som gir inntrykk av former som kommer til syne, som når vi behandler miljøet vårt mens vi ser. Fokuset vårt strekker seg for å ta helheten, men er i stand til å detaljere detaljene, i stedet ser vi vage inntrykk og blandingen av farger rundt oss.

12. Hvetemark med kråker Av Vincent Van Gogh

hveteåker med kråker vincent van gogh

Hvetemark med kråker av Vincent van Gogh , 1890, via Van Gogh-museet, Amsterdam

van Gogh har malt en opprivende scene. Kråkene i dette berømte maleriet, bare to eller tre penselstrøk, drar enten ut eller vender tilbake til hveteåkeren. Nattens svarte ser ut til å sakte oppsluke det blå om dagen; en sti slynger seg bort fra innsyn. Van Goghs malestil klarer å påvirke formen så godt at vi vet hva vi ser på, samtidig som fargene ser ut til å uttrykke mer enn de innebærer.

Van Goghs kraftige bruk av farger og malemetoden hans jobber sammen for å produsere et følelsesladet maleri. Mørket som siver inn gjennom den blå himmelen forteller oss om en forestående katastrofe; kråkene er som voksende angst. Van Goghs sterke følelsesmessige resonans med motivet hans skaper dette forlokkende ekspresjonisme som forvandler et naturlig landskap til et emosjonelt landskap.

elleve. Tahitisk landskap Av Paul Gauguin

tahitisk landskap paul gauguin

Tahitisk landskap av Paul Gauguin , 1891, via Minneapolis Institute of Art

Gauguin sitt berømte maleri bringer en frisk liv til kunst fra slutten av det nittende århundre. Det er en fantastisk melodi skapt av den rike fargen. Gauguin har forvaltet varme fra et anti-realistisk fargeskjema, og i denne forstand er maleriet mer realistisk for denne eksperimentelle touchen. Den ensomme skikkelsen bærer noen forsyninger mens en hund venter i veikanten. Det gule feltet er ispedd en rik gradering av grønt og oransje. Fargene får frem solen for betrakteren.

Gauguin hadde følt seg lei av Frankrike og hadde reist til Tahiti for å gjenopplive sin glede ved å male og for å gjenopplive uttrykksevnen. Vi kan se her i denne pulserende landskapsscenen at Gauguin tilbød et alternativ til å male naturlig ved å male på denne ekspressive måten. Landskapet er ikke bare estetisk tiltalende ved denne nye metoden, men bildet begynner å fungere som et symbol på en fri uttrykksevne, uhemmet av en kontrollert naturalisme .

10. Den rosa skyen, Antibes Av Paul Signac

den rosa skyen antibes paul signac

Den rosa skyen, Antibes av Paul Signac , 1916, via Museum of Fine Arts, Boston

Signac Stilen ligner en mosaikk i sine subtilt blandede farger. Det er en nesten perfekt abstraksjon fra naturen mens den samtidig tilhører den impresjonistiske stemningen som vet at dette behagelige bildet aldri vil eksistere igjen. Signacs sky er en budbringer av solen; den holder på lyset og sprer det over lerretet i en nydelig visning. Enkeltseilet er dvergert av størrelsen, og driver lett i refleksjonen.

Signacs pointillist teknikken plasserer små fargeområder ved siden av hverandre for å parallelle fargegraderingene som vi ser i naturen; hvordan hjernen vår behandler effekten av lys og farger. Signac fryser dette øyeblikket i tid for å reetablere det som et naturlig minne vi kan ha fra et ensomt seil.

9. Atskillelse Av Edvard Munch

munch separasjon maleri

Atskillelse av Edvard Munch , 1896, via Munchmuseet, Oslo

Munch hadde en gjennomtrengende evne til å uttrykke det indre dramaet til ikke bare individuell angst, men lidenskapene som eksisterer mellom to individer. I Atskillelse , faller mannen sammen med hjertet sitt som ser ut til å ha veltet over på hånden hans – han må holde den på plass for å holde seg i live. Symbolet på kvinnen forvandles nå til at miljøet blir en del av stranden og himmelen. Dette berømte maleriet er en fantastisk metafor for hvordan minnet om kjærlighet vedvarer i den fysiske verden.

Munchs malestil legger vekt på indre følelser, og hvordan den indre følelsen reagerer med verden rundt oss. Det er ikke nødvendig for Munch å studere presisjon i farger eller form for at han skal vise det han ønsker. Han har malt i blokkfarger, og gir betrakteren disse åpenbare figurene. Vi forstår mye av mannen med bare noen få detaljer i ansiktet; det er mer fargen. Den noe 'uforsiktige' påføringen av maling bidrar til denne direkte og kraftige følelsen av separasjon.

8. Improvisation 28 (andre versjon) Av Wassily Kandinsky

improvisasjon 28 wassily kandinsky

Improvisation 28 (andre versjon) av Wassily Kandinsky , 1912, via Guggenheim-museet, New York

Kandinsky Abstraksjonene var svært innflytelsesrike i det tjuende århundre. Det viste frem en estetisk kvalitet som maleriet ikke trenger å ha et objekt for å fremkalle følelser og meditasjon. Kandinskys tittel for dette berømte maleriet, Improvisasjon, minner seerne om en viss musikalitet som han prøver å etterligne gjennom farge og linje. Kandinsky må ha vært klar over den iboende sanseskapingen som persepsjon består av. I Improvisasjon 28, vi kan skimte ansikter, øyne, landskap, hus uten sammenhengende rom. Faktisk er formene vi ser bare linjer og farger som vi antar er disse kjente tingene.

Kandinsky ber seeren om å sette pris på komposisjonen slik man setter pris på et musikkstykke. Det er hvordan man føler en harmonisk bevegelse gjennom et stykke, kontrastene i seksjoner og dynamikken i lyden. Vi kan finne skjønnhet også i linje og farge uten noen sammenhengende 'mening' eller objekt.

7. De store blå hestene Av Franz Marc

blå hester franz marc

De store blå hestene av Franz Marc , 1911, via Walker Art Center, Minneapolis

Franz Marc sin komposisjon er en kaskade av form. Mykheten han har komponert hestene med og speiles i miljøet skaper en musikk verdig harmoni. Marc får mye annet enn sin anti-realistiske fargelegging. De blå hestene er rolige, majestetiske, nesten himmelske. De beitende hodene deres fremkaller en følelse av letthet og trøst, av mat og samhold. Sammenstillingen av primærfarger møter betrakteren i en trøstende uttrykksfullhet.

Franz Marc har klart å uttrykke naturens ro uten naturalisme. Elfenbenstrærne strømmer gjennom lerretet. Ingenting i dette bildet virker skurrende eller skjærende. Det hele flyter i denne sanselige fargen og skaper en enhet av form. Denne enkle scenen med hester på beite har blitt forvandlet til en harmonisk forståelse av naturen ved Marcs bruk av farger i dette berømte maleriet.

6. Den engstelige reisen Av Giorgio De Chirico

den engstelige reisen giorgio de chirico

Den engstelige reisen av Giorgio de Chirico , 1913, via MoMA, New York

Chirico sin klaustrofobiske komposisjon forvirrer perspektivet vårt som et engstelig sinn som gir for mye oppmerksomhet til seg selv. Imidlertid er tomheten i dette berømte maleriet, til tross for at lerretet er fylt med former, bemerkelsesverdig i sin effekt. De Chirico er kjent for sin gåtefulle stil og her kan vi se hvorfor. Toget blåser ut røyken bak en kort murvegg som utålmodig. Kraften og synet av toget er illevarslende, og minner seeren om et beist i bur.

De Chirico var en kilde til innflytelse for Surrealister som følte at han var deres forgjenger i sin evne til å skildre indre sinnstilstander. De skyggefulle søylegangene hans er gjennomsyret av mystikk, varsel og ensomhet. Rekkefølgen på lerretet er streng og begrensende. Med arkitektoniske former har de Chirico klart å fremkalle noe av det indre jeg.

5. Dynamikken til en syklist Av Umberto Boccioni

boccioni dynamikken til en syklist

Dynamism of a Cyclist av Umberto Boccioni, 1913, i Peggy Guggenheim-samlingen, Venezia

Boccionis Futurist maleri er i lovprisning av bevegelse og hastighet. Det er noe strålende i syklisten som har blitt abstrahert til en rekke former. Mye som kubistisk metoden, leker Boccioni med hvordan vi oppfatter en form når den er i bevegelse. Det handler om å bryte gjennom de strenge formene for rasjonelt rom for å gå inn i et nytt rom hvor formene har vært destabiliserte og fantastiske.

Boccioni fargen legger til denne følelsen av fart; det skaper en estetikk ute av bevegelse. Det blå øverst til høyre flyter raskt inn i midten der det er forskjøvet av gylne gule farger. Det blå blir ytterligere plukket opp av ansiktet til mannen, bare gjenkjent av de generelle linjene. Hvitt kommer fra de pulserende gule, lilla og blå, som et tog som kaster røyken, selv om de bare er hjul. Boccionis syklist er målbevisst og vakker, og gir oss en ny visuell forståelse for fart.

Fire. Elskere Av René Magritte

elskerne rene magritte

Elskerene av René Magritte , 1928, via MoMA, New York

Magritte var en mester i lekenhet og følger i fotsporene til de Chirico for sin tvetydighet og gåtefulle resonanser. I dette berømte maleriet lokker Magritte oss inn med et uhyggelig maleri av to skikkelser, de elskende, som kysser. De berører aldri fordi hodene deres er pakket inn i hvite laken. Hva kan vi gjøre ut av dette? Vi trenger ikke gjøre noe ut av det, selv om sinnet er vant til å gjøre det – handler det om manglende evne for to individer til å aldri virkelig se hverandre, forstå hverandre?

Magrittes svært realistiske malestil skaper en perfekt mulighet til å forstyrre denne realismen ved å bruke gåte. Magrittes bilde er humoristisk. Kysset, som ser ut til å være så lidenskapelig, faller pladask for å påvirke. Det er en tillit til begge elskerne som gjør de hvite arkene desto mer absurde. Magritte likte psykologiens og filosofiens gåter, og han hadde en forbløffende evne til å gjengi slike gåter på et lerret.

3. Guernica Av Pablo Picasso

guernica pablo picasso

Guernica av Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofia National Art Center Museum, Madrid

Picasso sin gjengivelse av bombingen i 1936 av Guernica er et kraftig symbol på ødeleggelse. Picasso innså at naturalismen ikke ville ha skildret opplevelsen av terror like effektivt som hans kubistiske metode. Lerretet slår oss som kaotisk og vanskelig å tolke; bruken av monokromatisme, de løse, delformene og forvrengningen av figuren. Formene er flatete og fragmenterte inne i denne ene bygningen.

Ødeleggelsens virkelighet har ødelagt en måte å representere på. Picasso føler at enhver form for naturalisme ville legge fornuft og kunstighet inn i lerretet som ville ødelegge meningen og kraften for Picasso. Bombing og ødeleggelse er fragmentering av former, som induserer kaos.

to. Metamorfose av narcissus Av Salvador Dali

dali metamorfose narcissus

Metamorfose av Narcissus av Salvador Dali , 1937, via Tate, London

Dalís meditasjon på Narcissus myte er et fantastisk presist, men likevel unnvikende bilde. Dalí er interessert i hvordan vi oppfatter, og hva vi gjør om oppfatningene våre. Vi kan se Dalís bruk av dobbeltopptaket, der vi oppfatter et objekt som noe annet før vi skjønner hva det er. Skjønt, for Dalí og Surrealister , ville de lure på hvilken oppfatning som er 'ekte', og hva vårt ubevisste forteller oss; hvordan vi lurer oss selv.

Dalís malestil, som han vil kalle «håndmalt fargefotografi», omfatter både virkelighet og vrangforestillinger. Den steinete figuren av Narcissus blir til hånden som holder egget, som blomstrer narcissus. Dalí kontrasterer tidens gang med persepsjon, ekte eller villedet, for å gi en ny visuell utforskning av Narcissus-myten – myten som har så mye med persepsjon å gjøre. Det handler om hvordan vi oppfatter oss selv og hvordan andre oppfatter oss.

1. Nighthawks Av Edward Hopper

hopper nighthawks kunstinstitutt

Nighthawks av Edward Hopper , 1942, via The Art Institute of Chicago

Hopper Det berømte maleriet her minner om de Chirico i sin følelse av ensomhet fremkalt av arkitektur. Hopper har imidlertid valgt realisme for å oppnå denne effekten. Det store vinduet viser noen få mennesker om natten under det kunstige lyset, og gaten utenfor føles kald, tom og uten lyd. De to mennene i baren ser ut til å speile hverandre, en kvinne i rødt ser blank ut, og en gammel mann passer baren.

Det er en ubestridelig følelse av stagnasjon. Så mye at det forstyrrer seeren. Hopper har hevet liten-tidsbaren til å representere noe overbevisende ved menneskelivet; om ensomhet og ensomhet; om å vente; om hvordan tiden vår tilbringes i den ensomme natten. Hoppers realisme bringer dette hjem med kraft. Den begrensede utsikten, som om den ble fanget mens en gikk forbi, ser ut til å understreke denne individualitetens fjernhet.

Nysgjerrigheten til kjente malerier

Når vi utforsker kjente malerier, søker vi etter vår egen estetiske sans og hvordan dette reflekterer vår egen forståelse av oss selv og verden. Vi blir ofte vist kjente malerier som har blitt sett, i en bredere kulturell kontekst, for å fremkalle følelser av skjønnhet og opplevelse som vi alle kan relatere til. Imidlertid nærmer disse maleriene seg noen ganger ikke våre egne følelser av verden. Vi må påta oss vår egen uoffisielle utdanning innen maleri for å finne og sette pris på vårt eget visuelle språk.