7 utrolige kvinnelige surrealistiske artister som ikke er Frida Kahlo

And Then We Saw the Daughter of the Minotaur av Leonora Carrington, 1953 (til venstre); med X Ray of My Skull av Meret Oppenheim, 1964 (midt); og Scilla av Ithell Colquhoun, 1938 (til høyre)

Mer enn en kunstbevegelse, Surrealisme var en holdning, en søken etter frihet som omfattet alle aspekter av livet; akkurat som sine mannlige kolleger, var kvinnelige surrealistiske kunstnere også politiske aktivister, kvinners rettighetsforkjempere og revolusjonære krigere. De levde ekstraordinære liv som frie individer som fant opp sin egen skjønnhet og verdighet, og ga uttrykk for sin uformidlet energi, seksualitet og humor. Som Meret Oppenheim sa, levde og skapte kvinnelige surrealistiske kunstnere styrt av et bevisst ønske om å være fri.

Kvinnelige surrealistiske kunstnere og kvinnefrigjøring

Portrett av Leonor Fini og Leonora Carrington i forkledning av Denise Colomb , 1952, via AWARE, Paris

Da den 21. august 1933, atten år ettViolette Nozière tilsto farens forgiftning, den franske pressen eksploderte i raseri envinner henne.

I følge opinionen var ikke Violette en seriøs jente, og viste tendenser som er typiske for nylig frigjorte kvinner: å jobbe, tjene penger og leve oppløste liv uforenlig med jevnaldrende i arbeiderklassen. Det spilte ingen rolle om anklagene om seksuelle overgrep mot faren var sannee en gang hadde pressen bestemt seg for å gjøre et eksempel ut av henne.

Surrealistene var en ensom stemme for dissens og viste sin støtte med et kollektivt oeuvre som valgte Violette som sin svarte engel, musen som ville inspirere deres kontinuerlige kamp mot den borgerlige mentaliteten og dens myter om lov og orden, logikk og fornuft. Systemet som førte til den sosiale ulikheten i den postindustrielle æraen og til den første verdenskrigens gru var, ifølge surrealistene, uoppløselig feil. Ikke bare en politisk revolusjon, men en kulturell revolusjon var nødvendig for å beseire den.

Fire kvinner sover av Roland Penrose , 1937, via Google Books

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Dermed var kvinnefrigjøring grunnleggende for avviklingen av kapitalismen og patriarkatet, og startet med å utfordre den borgerlige oppfatningen av kvinner som iboende gode, uselviske, underdanige, uvitende, fromme og lydige.

Poesi. Frihet. Kjærlighet. Revolusjon. Surrealisme var ikke bisarr eskapisme, men utvidet bevissthet. Mangelen på grenser og sensur ga et trygt sted å diskutere og behandle WWIs kollektive traumer, samtidig som det ga utløp for kvinners kreative behov.

Mens de ble ønsket velkommen og deltok aktivt i bevegelsen, var surrealistenes forståelse av kvinner fortsatt sterkt forankret i stereotypier i idealiseringer. Kvinner ble enten sett på som muser, som gjenstander for inspirasjon eller beundret som infantiliserte skikkelser begavet med livlig fantasi takket være deres naivitet og hysteriske disposisjon.

Fotomontasje for frontispice for Confused confessions av Claude Cahun og Marcel Moore , 1929-30, via National Gallery of Australia, Parkes

Det var gjennom arbeidet til kvinnelige surrealistiske artister at kvinners identitet virkelig fikk en sjanse til å blomstre og bli tredimensjonal, ettersom de tilegnet seg myten om musen for å uttrykke sitt fulle potensial som aktive skapere.

I lengste tid hadde kvinnelige artister stort sett blitt husket i form av deres relasjoner, ofte sentimentale, til mannlige artister. Først i nyere tid har arbeidet deres blitt analysert uavhengig og gitt den oppmerksomheten det fortjener. Her er syv blant de mest kjente og studerte kvinnelige surrealistene, i håp om at mange andre til slutt vil bli gjenoppdaget og til slutt skrevet inn i kunstens offisielle poster.

Første generasjon kvinnelige surrealistiske artister

Valentin Hugo

Portrett av Valentine Hugo , via AWARE, Paris (til venstre); med Utsøkt lik av Valentine Hugo, André Breton, Tristan Tzara og Greta Knutson , 1933, via MoMA, New York (til høyre)

Født i 1887, Valentin Hugo var en akademisk utdannet maler som hadde deltatt på École des Beaux-Arts i Paris. Hun vokste opp i en opplyst og progressiv husholdning, og fulgte i farens fotspor ved å bli illustratør og skisser. Kjent for sitt arbeid med den russiske balletten, bygget hun en varig profesjonell forbindelse med Jean Cocteau . Gjennom Cocteau møtte Hugo sin fremtidige ektemann, Jean Hugo, oldebarnet til Victor Hugo, og André Breton , grunnleggeren av Surrealistisk bevegelse , i 1917.

Surrealistene av Valentine Hugo, fotografert av Man Ray , 1935, via Centre Pompidou, Paris (til venstre); med Utsøkt lik av Valentine Hugo, André Breton, Nusch Eluard og Paul Eluard , 1930, via Tate, London (til høyre)

Gjennom dette vennskapet ble hun mer og mer knyttet til den nyopprettede gruppen av kunstnere, som nå inkluderte Max Ernst , Paul Éluard, Pablo picasso , og Salvador Dali . I løpet av denne tiden begynte hun i Bureau of Surrealist Research og stilte ut verkene sine på Surrealist Salons i 1933 og på utstillingen Fantastic art, Dada, Surrealism at MoMA i 1936.

Plaget av andresurrealisten René Crevels selvmord og av Tristan Tzara og Eluards avgang, forlot hun den surrealistiske gruppen for godt. I 1943 ble hennes ord inkludert i Peggy Guggenheims Utstilling av 31 kvinner . Hennes første retrospektive utstilling ble holdt i Troyes, Frankrike, i 1977, ti år etter hennes død.

Meret Oppenheim

Portrett av Meret Oppenheim (venstre); med Gjenstand av Meret Oppenheim , 1926, via MoMA, New York (til høyre)

Datteren til en tysk jødisk far og en sveitsisk mor, Meret Oppenheim ble født i Berlin i 1913, men flyttet til Sveits ved utbruddet av første verdenskrig.

Oppvokst i en kulturelt blomstrende husholdning hadde både moren og bestemoren hennes vært suffragetter. Bestemoren hennes var en av de første kvinnene som studerte maleri og Düsseldorf-akademiet. Hjemme hos henne i Carona ville Meret møte mange intellektuelle og kunstnere, som f.eks Dadaist kunstnere Hugo Ball og Emmy Hennings, samt forfatter Herman Hesse som kort giftet seg med tanten hennes.

Faren hennes, en lege, var en nær venn av Carl Jung og deltok ofte på forelesningene hans: han introduserte Meret for analytisk psykologi og oppmuntret henne til å føre en drømmedagbok fra en tidlig alder.

Hansker av Meret Oppenheim , 1985, via National Museum of Women in the Arts, Washington D.C.

På grunn av denne kunnskapen var Meret Oppenheim uten tvil den eneste surrealisten med autoritet på psykoanalyse . Merkelig nok var hun også en av få surrealister som favoriserte Jung fremfor Freud.

I 1932 flyttet hun til Paris for å forfølge sin kunstneriske karriere, og kom i kontakt med surrealismen gjennom den sveitsiske billedhuggeren Alberto Giacometti . Hun ble snart venn med resten av gruppen, som den gang inkluderte Mann Ray , Jean Arp , Marcel Duchamp , Dalí, Ernst og Rene Magritte .

Sitter på en parisisk kafé med Picasso og Dora Maar i 1936 bemerket Picasso det særegne pelsforede armbåndet, designet for Elsa Schiaparelli hus, på Oppenheims håndledd. I en eksplisitt versjon av hendelsene kommenterte Picasso hvor mange av tingene han likte kunne forbedres med litt pels, som Oppenheim svarte Selv denne koppen og fatet?

Paret av Meret Oppenheim , 1956, via AnOther Magazine, London (til venstre); med Sykepleieren av Meret Oppenheim , 1936, via Moderna Museet, Stockholm (til høyre)

Resultatet av denne lekne småpraten var Oppenheims mest kjente surrealistiske objekt, Lunsj i Fur også kjent som Pelsfôret kopp eller rett og slett Gjenstand . Inkludert i Bretons første utstilling av surrealistiske objekter, ble stykket kjøpt av Alfred Barr for det nyetablerte MoMA: betraktet som det typiske surrealistiske objektet, Pelsfôret kopp ble det første verket av en kvinnelig kunstner i museets faste samling.

Mens arbeidet hennes ble mottatt entusiastisk av hennes mannlige kolleger, slet hun fortsatt med å etablere seg som en kunstner i sine egne fortjenester og for å unnslippe rollen som muse og inspirasjonsobjekt.

Hennes uavhengige natur, hennes hemningsløshet og opprørske holdning gjorde henne, for de mannlige kollegenes øyne, til den fetisjiserte legemliggjørelsen av f. mor-barn .

Røntgen av skallen min av Meret Oppenheim , 1964, via SF MoMA

Denne avvisende holdningen er tydelig i Ernsts kommentar til utstillingen av Gjenstand : hvem dekker en suppeskje med luksuriøs pels? Lille Méret. Hvem har vokst ut av oss? Lille Méret. Disse identitetskampene, konsekvensene av antisemittisme på farens praksis, og den surrealistiske diasporaen under andre verdenskrig, tvang henne til å flytte tilbake til Sveits. Her falt hun i en dyp depresjon og forsvant fra offentligheten i nesten tjue år.

Aktiv gjennom 1960- og 1970-tallet distanserte hun seg til slutt fra bevegelsen, og avviste referansene til surrealisme siden Bretons tid. Sympatisk for feminismen, forrådte hun imidlertid aldri sin jungianske tro på at det ikke eksisterer noen forskjell mellom menn og kvinner, og nektet bestemt å delta i kun kvinnelige utstillinger.

Hennes livslange oppdrag ser ut til å ha vært å lukke kjønnskonvensjoner og stereotyper ved å overgå kjønnsdelinger totalt og gjenvinne total ytringsfrihet. Kvinner er ikke gudinner, heller ikke feer eller sfinkser, sa hun, det er menns projeksjoner. Å bevise via sin livsstil at man ikke lenger anser som gyldige tabuer som har blitt brukt for å holde kvinner i en underkuelsestilstand i tusenvis av år, er kvinnelige kunstneres oppgave. Fordi frihet ikke er gitt, minner hun oss på, man må ta den.

Valentine Penrose

Portrett av Valentine Penrose av Man Ray, 1925 (til venstre); med Ariane av Valentine Penrose , 1934, via The San Francisco Chronicle (til høyre)

En av de mest kritiske og respektløse kvinnelige surrealistiske artistene, Valentine Penrose viet mesteparten av livet sitt til avviklingen av den borgerlige oppfatningen av kvinner som iboende gode, uselviske, ektemannsdyrkende, underdanige, uvitende, fromme, hardtarbeidende, lydige kone og døtre.

En av de tidligste kvinnene som ble med i bevegelsen, Penrose var fascinert av eksempler på uortodokse kvinner og levde et ukonvensjonelt liv selv.

Hun ble født i 1978 som Valentine Boué, og giftet seg med historiker og poet Roland Penrose i 1925 adopterte navnet hans. Sammen med mannen sin flyttet hun til Spania i 1936 for å slutte seg til arbeidermilitsen for å forsvare revolusjonen.

Gaver til kvinner av Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Paris

Hennes interesse for mystikk og østlige filosofier brakte henne til India flere ganger, hvor hun studerte sanskrit og østlige filosofier. Hun var spesielt interessert i tantrisme , der hun identifiserte et verdifullt alternativ til den surrealistiske besettelse av genital seksualitet påvirket av Freuds psykoanalyse.

Hun mente at det surrealistiske synet på kvinner som en nødvendig annen halvdel, til slutt ikke klarte å frigjøre kvinner fra deres borgerlige roller og hindret dem i å finne en uavhengig vei. Hennes økende interesse for okkultisme og esoterisme trakk til slutt en kile mellom henne og mannen hennes, noe som førte til skilsmisse i 1935.

Året etter reiste hun til India sammen med vennen og kjæresten Alice Paalen . Mens to kvinner aldri så hverandre igjen etter turen, ble lesbianisme et tilbakevendende tema i Penroses oeuvre, ofte sentrert rundt karakterene Emilie og Rubia.

Gaver til kvinner (4) av Valentine Penrose , 1951, via AWARE, Paris

Hennes collageroman fra 1951 Gaver av det feminine regnes som den arketypiske surrealistiske boken. Boken forteller om eventyrene til de to elskerne som reiser gjennom fantastiske verdener, og er en fragmentert samling av tospråklig poesi og sidestilte collager, organisert uten kontinuitet og med økt kompleksitet.

Hun utfordret alltid stereotypen om den ideelle kvinnen og publiserte i 1962 sitt mest kjente verk, den romantiserte biografien om seriemorderen Elizabeth Bathory, den blodige grevinnen. Romanen som forteller historien om et lesbisk gotisk monster krevde et års forskning over Frankrike, Storbritannia, Ungarn og Østerrike.

Etter å ha alltid vært lukket for sin eksmann, bodde hun de siste årene på hans Farley Farm House sammen med sin andre kone, den amerikanske fotografen. Lee Miller , også kjent som Lady Penrose.

Claude Cahun

Fotografier av Claude Cahun og Marcel Moore som avbildet i et stillbilde fra Barbara Hammer, Lover Other: The Story of Claude Cahun og Marcel Moore , 2006 via MoMA, New York

Claude Cahun ble født Lucy Renee Mathilde Schwob i Nantes i 1894. Også en datter av en jødisk far, et arbeiderklassemedlem og en lesbisk, skapte Claude Cahun mange forskjellige personligheter for å unnslippe diskriminering og fordommer, fra å velge et pseudonym, et kjønn. nøytralt navn hun adopterte mesteparten av livet.

Cahun er et emblematisk eksempel på en kunstner som forble nesten ukjent i løpet av sin tid, vunnet popularitet og anerkjennelse de siste årene , forblir en av de mest kjente blant kvinnelige surrealistiske artister. Ofte betraktet som en forløper for post-moderne feministisk kunst, hennes kjønnsbøyende kunst og den utvidede definisjonen av femininitet som hun la frem, ble en grunnleggende presedens i den postmodernistiske diskursen og andrebølgefeminismen.

Selvportrett fra Jeg er på trening ikke kyss meg-serien av Claude Cahun , 1927, via The Guardian

Cahun kom i kontakt med surrealistene gjennom AEAR, Association des Écrivains et Artistes Révolutionnaires, hvor hun møtte Breton i 1931. I de påfølgende årene stilte hun jevnlig ut med gruppen: hennes berømte bilde av Sheila Legge som sto på Trafalgar Square dukket opp i mange magasiner og publikasjoner.

Et medlem av både surrealisme og franske kommunistgrupper, som lesbisk, mottok Cahun ikke mye solidaritet fra noen av dem. Til tross for den revolusjonære holdningen anså kommunistene homofili som en luksus bare den oppløste eliten hadde råd til. Breton, på den annen side, aksepterte det aldri fullt ut bortsett fra de få fristende lesbiske bildene ment for mannlig underholdning.

Hun bodde sammen med sin stesøster og livslange partner Suzanne Malherbe, som også adopterte det mannlige pseudonymet til Marcel Moore. Lønnsforskjeller gjorde det med vilje umulig for kvinner å være selvforsynt, så de måtte stole på Cahuns fars økonomiske støtte for å overleve.

Hva vil du ha av meg? av Claude Cahun , 1929, via The Metropolitan Museum of Art, New York

I mangel av et eksternt publikum ble Cahuns kunst for det meste skapt innenfor hennes og Marcels hjemlige sfære, og ga et ufiltrert innblikk i deres kunstneriske eksperimenter. Gjennom bruk av masker og speil reflekterte Cahun over identitetens natur og dens pluralitet, og satte en presedens for post-modernistiske kunstnere som Cindy Sherman .

Med bildene sine avviste og overgikk Cahun de modernistiske (og surrealistiske) mytene om den essensielle femininiteten og den ideelle kvinnen, og la frem den postmoderne ideen om at kjønn og seksualitet faktisk er konstruert og utført, og at virkeligheten ikke bare er kjent gjennom erfaring, men mediert og definert gjennom diskurs.

Under den tyske invasjonen ble Claude og Marcel arrestert for sin antifascistiske innsats og dømt til døden. Selv om de overlevde til frigjøringsdagen, ble Claudes helse aldri helt frisk, og døde til slutt i en alder av seksti i 1954. Marcel overlevde henne til 1972 da hun begikk selvmord.

Toyen

Potetteater av Toyen , 1941, via The Ekphrastic Review (til venstre); med Portrett av Toyen , 1919, via Hamburger Kunsthalle (til høyre)

Født Marie Čermínová i 1902, Toyen var en del av den tsjekkiske surrealismen, og arbeidet nær den surrealistiske poeten Henrik av Steiermark . I likhet med Cahun, adopterte Toyen også et kjønnsnøytralt pseudonym, sannsynligvis inspirert av de franske citoyen-borgerne. Toyen var en seksuelt tvetydig karakter, og ignorerte fullstendig kjønnskonvensjoner med både mannlige og kvinnelige klær og adopterte begge kjønns pronomen.

Selv om han var skeptisk til fransk surrealisme, delte Toyens kunst mange temaer med Bretons bevegelse, og på 1930-tallet hadde kunstneren blitt et viktig medlem av surrealisten. Alltid grenseoverskridende, Toyens interesse for mørk humor og erotikk konsoliderte kunstneren innenfor den surrealistiske tradisjonen med hyperseksualisert, irreverent kunst påvirket av Marquis de Sades skrifter .

I 1909, Apollinaire hadde funnet et av De Sades sjeldne manuskripter på Biblioteque National i Paris. Dypt imponert beskrev han ham som den frieste ånden som noen gang har levd i essayet hans Arbeidet til Marquis de Sade , som bidrar til at De Sades popularitet gjenoppstår blant surrealistiske artister.

Paraventen av Toyen , 1966, via Schirn Magazine, Frankfurt

De Sade, fra hvis navn sadisme og sadist avlede, tilbrakte mesteparten av livet sitt enten fengslet eller innlagt på mentale asyler på grunn av forfatterskapet hans, som kombinerte filosofisk diskurs med pornografi, blasfemi og seksuelle fantasier om vold. Sterkt sensurert, har bøkene hans likevel påvirket europeiske intellektuelle kretser de siste tre århundrene .

I likhet med bohemene før dem, ble surrealistene fascinert av historiene hans, og identifiserte seg med De Sades revolusjonære og provoserende persona og beundret hans kontroversielle angrep på borgerlig smak og prut.

Ved å blande vold og seksuell impuls, ble den sadistiske holdningen et middel til å frigjøre de medfødte driftene som lurer i det ubevisste sinnet: Sade er surrealistisk i sadismen kunngjorde at Først Manifest av surrealisme . Toyen hyllet den libertinske forfatteren ved å produsere en serie erotiske illustrasjoner for Štyrskýs tsjekkiske oversettelse av Justine.

Skytegalleriet av Toyen , 1939-40, via Sotheby's

Aldri fraværende ble det politiske aspektet av Toyens kunst likevel mer eksplisitt etter hvert som den politiske situasjonen i Europa forverret seg: Skytegalleriet serien viser krigens destruktive natur gjennom ikonografien til barnespill. Etter å ha bosatt seg i Paris i 1948 etter det kommunistiske statskuppet i Tsjekkoslovakisk, forble Toyen aktiv til døden i 1980, og fortsatte å jobbe sammen med poeten og anarkisten Benjamin Péret, og den tsjekkiske maleren Jindrich Heisler .

Andre generasjons kvinnelige surrealistiske kunstnere

Ithell Colquhoun

Portrett av Ithell Colquhoun, 1949 (til venstre); med Gorgon av Ithell Colquhoun , 1946, via Arusha Gallery, Edinburgh (til høyre

Separert under andre verdenskrig, hadde andre generasjons surrealister en tendens til å drive bort fra kjernebevegelsen, og utviklet sine egne forskningsområder.

Kvinnelige kunstnere tilegnet seg den surrealistiske ideen om den mytiske kvinnen og omformet den til det kraftige bildet av trollkvinnen, et mektig vesen som kontrollerer hennes transformative og generative krefter. De kvinne-barn som inspirerte den første generasjonen av kvinnelige surrealistiske artister, hadde nå vokst til heks kvinne, mesteren over sin egen skaperkraft.

Mens mannlige kunstnere så ut til å trenge en ekstern mellommann, ofte kvinnekroppen, som en proxy for deres underbevissthet, hadde ikke kvinnelige kunstnere slike barrierer, og brukte sin egen kropp som grunnlag for deres søken. De selv-annethet , alter egoet som kvinnelige kunstnere utforsket sitt indre jeg gjennom var ikke det motsatte kjønn, men snarere naturen selv, ofte representert gjennom beist og fantastiske skapninger.

Som Hille sa det, så surrealister med ett øye utover og ett innover. Imidlertid hadde Carrington [og Varo] begge øynene åpne, og så på både det virkelige og det magiske i virkeligheten.

Den sunkne katedralen av Ithell Colquhoun , 1952, via Christie's (til venstre); med bitre kløfter av Ithell Colquhoun , 1939, i Hunterian Art Gallery, University of Glasgow, via Art UK (til høyre)

For generasjonen deres, som levde gjennom to verdenskriger, økonomisk depresjon og en mislykket revolusjon, var magi og primitivisme befriende. For kunstnere var magi et middel for endring, forening og suspendering av kunst og vitenskap, et sårt tiltrengt alternativ til religion og positivisme som hadde ført til krigens grusomheter. For kvinner, til slutt okkult ble et middel til å undergrave patriarkalske ideologier og styrke det kvinnelige selvet.

Født i Shillong, Britisk India, i 1906, Ithel Colquhoun ble interessert i okkultisme i en alder av sytten etter å ha lest Crowleys Thelema kloster . Hun ble utdannet ved Slade School of Art og flyttet til Paris i 1931. Det var imidlertid i Storbritannia karrieren hennes faktisk tok fart: Hun holdt en rekke separatutstillinger og var på slutten av 1930-tallet blitt en av de fremtredende skikkelsene. av britisk surrealisme. Hennes tilknytning til bevegelsen var likevel kortvarig, og etter bare ett år ble hun tvunget til å velge mellom surrealisme og okkultisme.

Dance of the Nine Opals av Ithell Colquhoun , 1941, via Ithell Colquhouns nettsted (til venstre); med Scylla av Ithell Colquhoun , 1938, via Tate, London (til høyre

Mens hun fortsatte å definere seg selv som en surrealistisk kunstner, gjorde det å kutte formelle bånd med bevegelsen til at hun kunne utvikle en mer personlig estetikk og poetisk. På surrealistisk vis brukte hun mange surrealistiske teknikker som frottage, decalcomania, collage, samtidig som hun utviklet sine egne inspirasjonsspill som f.eks. dryss og entoptisk grafomani .

Kanalisering av den mørke makten til artister som f.eks Artemisia Gentileschi , anerkjente Colquhoun hos kvinner et potensial for skapelse, frelse og oppstandelse som knyttet dem til naturen og kosmoen.

Arbeidet hennes, som trekker paralleller mellom bevaring av naturen og kvinnefrigjøring, etablerte en kraftig presedens for den senere utviklingen av økofeminisme.

Jakten på den tapte gudinnen representerte kvinners gjenforbindelse med naturen og gjenoppdagelsen av deres egen styrke, reisen som førte til gjenvinning av kunnskap og makt.

Leonora Carrington

Portrett av Leonora Carrington , via Gallery Wendi Norris, San Francisco (til venstre); med Selvportrett av Leonora Carrington , 1937-38, via The Metropolitan Museum of Art, New York (til høyre)

En av de mest langvarige og produktive kvinnelige surrealistiske artistene, Leonora Carrington var en britisk kunstner som flyktet til Mexico under den surrealistiske diasporaen.

Født i 1917, Leonora Carrington var datter av en britisk velstående tekstilprodusent og en irsk mor. Hennes opprørske holdning fikk henne utvist fra minst to skoler. Over tjue år yngre enn de fleste surrealister, kom Carrington i kontakt med bevegelsen nesten utelukkende gjennom utstillinger og publikasjoner.

Det var i 1937 hun møtte Max Ernst på en fest i London. De to knyttet umiddelbart bånd og flyttet sammen til Sør-Frankrike, hvor han umiddelbart skilte seg fra kona. Et av hennes mest kjente verk, Selvportrett (Inn of the Dawn Horse) ble malt i løpet av denne tiden.

Grønn te av Leonora Carrington , 1942, via MoMA, New York

Med utbruddet av andre verdenskrig ble Ernst internert som en uønsket utlending, men ble løslatt takket være Eluards forbønn. Arrestert igjen av Gestapo, slapp han bare så vidt fra interneringsleiren, noe som fikk ham til å søke asyl i statene, hvor han emigrerte med hjelp av Peggy Guggenheim og Varian Fry.

Da han ikke visste noe om Ernsts skjebne, solgte Carrington huset deres og flyktet til det nøytrale Spania. Ødelagt fikk hun et psykisk sammenbrudd ved den britiske ambassaden i Madrid. Innlagt på sykehus ble Carrington behandlet med konvulsiv terapi og tunge medisiner som fikk henne til å hallusinere inn og ut av bevissthet. Da han ble løslatt, flyktet Carrington til Lisboa og sikret passasje til Mexico ved å ødelegge meksikansk Ambassadør Renato Deluc. Der bodde hun resten av livet til hennes død i 2011.

Og så så vi Minotaurens datter av Leonora Carrington , 1953, via MoMA, New York

I likhet med Colquhoun ble Carringtons søken etter oppdagelsen av kvinnesentrert spiritualitet informert av Groves' essay Den hvite gudinnen utgitt i 1948, noe som vekket en fornyet interesse for hedenske mytologier.

En populær myte for kvinnelige surrealistiske kunstnere var den om en matriarkalsk opprinnelse til menneskeheten: til tross for dens historiske nøyaktighet ga myten et styrkende bilde til kvinner, og gjenvinner den kvinnelige skapelsesmyten som en levedyktig modell for kvinnelig kreativitet. Inspirert av denne nye mytologien, Andre bølgesurrealistiske kvinner så for seg fantastiske egalitære samfunn der mennesker og natur levde i harmoni: en fremtidsvisjon skapt gjennom kvinners byrå.