Ekspresjonisme: 10 ikoniske malerier og deres kunstnere
Dessert: Harmoni i rødt av Henri Matisse (også kjent som Red Room eller Harmony in Red), 1908, Hermitage Museum
Ekspresjonisme som kunstbevegelse kan være svært bred og vanskelig å karakterisere. Det spenner over forskjellige land, medier, bevegelser og perioder. Ekspresjonistisk kunst ble derfor ikke definert av et sett med estetiske prinsipper, men snarere som et uttrykksverktøy og samfunnskommentarer. Nedenfor er 10 ikoniske malerier som representerer den stemningsfulle og dynamiske naturen til den ekspresjonistiske perioden.
Skriket (1893) av Edvard Munch
Skriket av Edvard Munch , 1893, Oslo Nasjonalgalleri
Edvard Munch regnes som en av de mest betydningsfulle og innflytelsesrike artistene til modernisme . Han var en del av symbolistbevegelsen og var banebrytende for ekspresjonistisk maleri. Han ble påvirket av impresjonister og postimpresjonister i Paris som f.eks Claude Monet , Vincent van Gogh og Paul Gauguin . Karrieren hans varte i nesten 60 år og produserte en rekke moderne mesterverk.
Skriket er en av de mest ikoniske moderne kunstverkene i verden. Den er kjent for å legemliggjøre den dype følelsen av angst og angst som gjennomsyret den tidlige modernistiske epoken. Maleriet er i stor grad selvbiografisk ettersom det er basert på Munchs opplevelse av å høre et gjennomtrengende «naturskrik» etter å ha blitt etterlatt av to av vennene hans, som dukker opp i bakgrunnen av verket. Det er to versjoner av maleriet; en ligger på Munchmuseet i Oslo og en på Oslo Nasjonalgalleri.
The Blue Rider (1903) av Wassily Kandinsky
Den blå rytteren av Wassily Kandinsky , 1903, WikiArt (privat samling)
Wassily Kandinsky var en pioner innen abstraksjon i modernistisk kunst og skapte en omfattende bro mellom postimpresjonisme og ekspresjonisme. Arbeidet hans gjennomgikk flere stilistiske endringer, og utviklet seg fra realistisk og organisk til geometrisk og abstrahert. Han grunnla også Den blå rytteren (The Blue Rider)-gruppen i München i 1911, som ble en av de tidligste formelle gruppene av ekspresjonistiske kunstnere.
Liker du denne artikkelen?
Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt
Takk skal du ha!Den blå rytteren er et utmerket eksempel på Kandinskys skifte mellom impresjonistiske og ekspresjonistiske malestiler. Mens den har klare impresjonistiske påvirkninger i teknikk og stil, er dens tunge impasto, dristige farge og litt grove penselstrøk elementer av tidlig ekspresjonisme. Stykkets abstraherte natur inviterte også til tolkning fra betrakteren; noen har hevdet å se en baby i rytterens armer.
Dans rundt gullkalven (1910) av Emil Nolde
Dans rundt gullkalven av Emil Nolde , 1910, Statens galleri for moderne kunst, München
Emil Nolde var en ekspresjonistisk maler og en del av tyskeren Broen (Broen) gruppe ekspresjonistiske kunstnere. Han huskes som en av de største koloristene i modernismen fra 1900-tallet, ved å bruke store, grove strøk og kontrasterende fargetoner for å skape dynamiske stykker. Den økte naturen til arbeidet hans gir emosjonelle responser hos seerne, og skaper et forhold mellom kunstner og publikum.
Dans rundt gullkalven skildrer et avsnitt fra 2. Mosebok. I følge historien i Det gamle testamente laget israelittene gullkalven for å berolige folk da Moses reiste opp til Sinai-fjellet da de fryktet at han ikke ville komme tilbake. Maleriet skildrer de usofistikerte menneskene som utfører en votivdans rundt idolet, uvitende om dets falskhet. De robuste penselstrøkene og lyse fargene understreker stykkets økte emosjonalitet.
De store blå hestene (1911) av Franz Marc
De store blå hestene av Franz Marc , 1911, Walker Art Center
Franz Marc var en tysk artist som også var et grunnleggende medlem av gruppen Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Arbeidet hans brukte lyse farger og en spesielt mer kubistisk stil enn noen av hans samtidige. Marc skildret ofte dyr i kunsten sin med en dyp, men undervurdert følelse av følelser, og ble kjent blant andre innflytelsesrike kunstnere på den tiden.
De store blå hestene ble vist i den første utstillingen av Der Blaue Reiter i 1911. Stykket har mandig lyse, kontrasterende primærfarger. Den blå fargen og myke krumningen til de sentrale hestene danner en følelse av harmoni, fred og balanse mot den skarpe røde av åsene i bakgrunnen. Marc uttalte at denne kontrasten viste sammenstillingen mellom rolig spiritualitet og vold, og fremkalte en følelse av transcendens.
Selvportrett med kinesisk lanterneplante (1912) av Egon Schiele
Selvportrett med en kinesisk lanterneplante av Egon Schiele , 1912, Leopoldmuseet
Egon Schiele var en østerriksk ekspresjonistisk maler og mentee av medkunstner Gustav Klimt . Til tross for en kort karriere og liv, huskes Schiele som en produktiv tidlig modernistisk innflytelse. Arbeidet hans er kjent for sine dynamiske uttrykk, uraffinerte seksualitet og uvanlige kroppsformer som er et tegn på den tidlige ekspresjonistiske stilen.
Selvportrett med kinesisk lanterneplante har en dybde av følelser til tross for stykkets enkelhet. Kunstneren sitter på skrå og ser på betrakteren med et blikk av skepsis. Hodet og ansiktstrekkene hans er forstørret, og kroppen vrir seg unaturlig, og insinuerer en subtil spenning som gjennomsyrer stykket. Planten i bakgrunnen kraner også til siden, og etterligner kroppskrumningen til kunstneren. Ansiktet er gjengitt med intens fargedybde og muskuløse detaljer, i motsetning til de omkringliggende klærne og bakgrunnen, noe som antyder et akutt psykologisk aspekt ved stykket.
Street, Berlin (1913) av Ernst Ludwig Kirchner
Street, Berlin av Ernst Ludwig Kirchner , 1913, MoMA
Ernst Ludwig Kirchner var sammen med Emil Nolde medlem av Die Brücke-gruppen av tyske ekspresjonister. Arbeidet hans var preget av livlige blokkfarger, brede, kontrasterende penselstrøk og skarpe, kantete former. Hans ekspressive bruk av farge var inspirert av arbeidet til post-impresjonistiske og tidlige ekspresjonistiske malere Vincent van Gogh , Albrecht Dürer og Edvard Munch .
Street, Berlin skildrer Kirchners hånlige syn på livet i Berlin. Dette bevises av stykkets intense, skarpe penselstrøk og foruroligende fargekontraster. Ansiktene til motivene kan nesten ikke skilles fra hverandre, noe som fremhever den tomme overfladiskheten i Berlins høye liv. Figurene står på skrå bakke, og flyter nesten over ut av selve maleriet, og skaper en følelse av klaustrofobi og desorientering.
Natten (1918-19) av Max Beckmann
Natten av Max Beckmann , 1918-19, Nordrhein-Westfalen kunstsamling
Max Beckmann var en tysk maler, forfatter og skulptør som var kjent for det dramatiserte nattelivet, mytiske eller bibelske scener i sitt arbeid. Selv om han i store trekk er stemplet som en ekspresjonistisk maler, avviste han bevegelsen og benektet å være en del av den. Beckmann avbildet ofte sitt eget ansikt i sitt arbeid, som kan identifiseres ved et rynket ansikt med et stort hode.
Natten var et produkt av Neue Sachlichkeit, eller New Objectivity-bevegelsen, som ble etablert som et antiekspresjonistisk opprør. Stykket har skarpe vinkler og kaotiske, overlappende figurer som et uttrykk for Beckmanns misfornøyelse med livet i etterkrigstidens Tyskland. Stykket skildrer grufulle elementer av sex, død og vold, og trekker oppmerksomheten til det moderne samfunnets overstimulering og uanstendighet.
Reclining Nude (1919) av Amedeo Modigliani
Liggende naken av Amedeo Modigliani , 1919, MoMA
Amedeo Modigliani var en italiensk maler og kunstner som bodde og arbeidet i Frankrike. Han er kjent for sine nakenportretter av kvinner som er preget av langstrakte halser og kropper, blanke ansiktsuttrykk og øyekontakt med betrakteren. Arbeidet hans ble ikke godt mottatt før hans død, men i dag er han fortsatt en av de mest produktive malerne i sin tid.
Liggende naken er en del av en serie nakenportretter av Modigliani som begynte i 1916. Portrettene ble påvirket av skildringer av Venus i antikkens gresk-romersk og Italiensk renessansekunst , og kvinnene blir ofte idealisert som sådan. Bruken av myk hudfarging skiller seg ut mot mørke interiørbakgrunner, og gir en følelse av intimitet mellom motiv og kunstner. Emnet i Liggende naken legger seg tilbake med uformell letthet som avslappet i nærvær av maleren.
Portrait of a Man (1919) av Erich Heckel
Portrett av en mann av Erich Heckel , 1919, MoMA
Erich Heckel var en tysk maler og et annet grunnleggende medlem av Die Brücke-ekspresjonistgruppen. Han var også kjent for sin treskjæring, som inneholdt kantete former, sterk linjearbeid og forenklede fargevalg. Maleriet hans inneholdt mykere, mindre stive linjer og en rekke fargeblandinger, som viste påvirkning fra Vincent van Gogh .
Portrett av en mann er en malt tresnittkomposisjon. Som hans andre tresnittportretter har stykket skarpe, definerte trekk. Figuren legemliggjør traumet og usikkerheten som plaget Tyskland etter krigen i tiden. Han sitter med øynene til siden og hendene knyttet til haken, og utstråler en dobbel følelse av nederlag og forventning. Det kule, grovt malte fargevalget gir også denne følelsen av angst.
Castle and Sun (1928) av Paul Klee
Slott og sol av Paul Klee , 1928, WikiArt (privat samling)
Paul Klee var en sveitsisk kunstner hvis eklektiske malestil inkorporerte elementer av ekspresjonisme, surrealisme og kubisme . Arbeidene hans inneholdt dristige fargeblokker og geometriske former. Han eksperimenterte med farge-, form- og designteori gjennom hele karrieren, og hans forfatterskap om emnet anses som en integrert del av å forstå modernismen.
Slott og sol skildrer enten et middelalderslott eller et moderne bybilde, med mindre trekanter overskygget av en skyline av tårn. Som mange av Klees malerier, Slott og sol er gjengitt i en geometrisk fargeblokkstil, med lyse, kontrasterende detaljer mot en dyp rød bakgrunn. Solen i bakgrunnen ser også ut som om det kan være en måne. Bruken av uklare bilder utgjør en sidestilende dualitet som er allestedsnærværende i verket, og inviterer betrakteren til å trekke sin egen konklusjon om hva maleriet skildrer.