Konseptuell kunst: Den revolusjonære bevegelsen forklart

En og tre stoler av Joseph Kosuth , 1965, MoMA

Opprinnelig stammer fra minimalisme , ble konseptkunst en samlebetegnelse for all videreutvikling av tendenser i abstrakt kunst som understreket ideen bak verket. Spener seg på tvers medier, stiler og tidsperioder , var konseptuell kunst en revolusjon som utfordret modernistiske forestillinger om 'kunst'. Les videre for et sammendrag av bevegelsen og dens kulturelle innvirkning.

Konseptuell kunst: Stille spørsmål ved kunsten selv

Arbeidstegninger og andre synlige ting på papir som ikke nødvendigvis er ment å bli sett på som kunst Utstilling av Mel Bochner, 1966, School of Visual Arts, New York

Mel Bochners første utstilling Arbeidstegninger og andre synlige ting på papir som ikke nødvendigvis er ment å bli sett på som kunst å vise forskjellige kunstbøker i et galleri i New York er en avgjørende begivenhet i konseptuell kunsts historie. Til syvende og sist var det den amerikanske konseptkunstneren Sol Lewitt med sitt essay Avsnitt om konseptuell kunst som banet vei for konseptuell kunst som en akseptert ny kunstform. I sitt berømte essay publisert i Artforum i juni 1967 skrev Sol Lewitt:

Når en kunstner bruker en konseptuell form for kunst, betyr det at all planlegging og beslutninger er tatt på forhånd, og utførelsen er en overfladisk affære. Ideen blir en maskin som lager kunsten.

Videre definerer Lewitt konseptuell kunst som ikke-teoretisk og ikke-illustrerende for teorier, men som intuitiv, involvert i alle typer mentale prosesser, og som formålsløs. Konseptuell kunst stiller ofte spørsmål ved kunstens natur. I sin definisjon av konseptuell kunst definerer kunstneren Joseph Kosuth i 1969 kunst som tautologi og forklarer: Art’s only claim is for art. Kunst er definisjonen på kunst. (sitat fra Kunst etter filosofi, 1969) Joseph Kosuth reflekterte selv over kunst som tautologi i mange av kunstverkene hans.

Klokke (en og fem), Engelsk/latinsk versjon av Joseph Kosuth , 1965, Tate

Med serien hans Kunst som idé som idé og kunstverk som f.eks En og tre stoler (1965) eller Klokke (En og fem) Utstillingsversjon 1965 reflekterer Kosuth over de forskjellige kodene for en stol: en visuell kode, en verbal kode og en kode på objektets språk, det vil si en stol av tre, slik det er forklart i beskrivelsen av MoMA-samling. For Kosuth kan verdien av en kunstner veies etter hvor mye de stilte spørsmål ved kunstens natur (sitat fra Kunst etter filosofi, 1969). Kunstnerens sitat viser: Konseptuell kunst var ikke bare en ny radikal kunstform, men også en motsatt forståelse av Clement Greenbergs syn på moderne kunst som var svært fremtredende på den tiden i USA.

Marcel Duchamp, The Readymade and Conceptual Art

Selv om konseptkunst for det meste er knyttet til perioden på 1960- og 1970-tallet, går tanken bak den tilbake til Marcel Duchamps kunst og derfor til begynnelsen av 20thårhundre . I teksten hans Kunst etter filosofi, Joseph Kosuth beskriver Marcel Duchamp som en kunstner som først reiste spørsmålet om kunstens funksjon. Han skriver: Hendelsen som muliggjorde erkjennelsen av at det var mulig å 'sna et annet språk' og fortsatt gi mening i kunsten, var Marcel Duchamps første uassisterte Ferdiglaget .

Fontene av Marcel Duchamp, 1917 (replika 1964), Tate

Nå for tiden Marcel Duchamp kalles ofte en forgjenger for konseptkunst og hans readymade Fontene fra 1917 er ofte oppgitt som det første kunstverket av konseptuell kunst. Mens Amerika var sentrum for konseptualisme, var kunstbevegelsen internasjonal. Mens form, farge, dimensjoner og materiale var forskjellig fra kontinent til kontinent så vel som fra kunstner til kunstner, var de forskjellige kunstverkene like i tilnærmingen til å uttrykke ideen over håndverk og endelig kunstverk.

Utradisjonelle metoder og materialer

Mange kunstnere kan også forenes når det gjelder kritikk av kapitalismen og en stadig mer kommersialisert kunstverden. I likhet med Marcel Duchamp, brukte mange kunstnere derfor dagligdags materiale eller med vilje produserte kunstverk som var vanskelige å selge – eller til og med laget seg selv kunstverket slik kunstneren Bruce McLean gjorde i sitt performancearbeid. Pose Arbeid for Sokler i 1971.

Pose Arbeid for Sokler av Bruce McLean , 1971, Tanya Leighton Gallery

I arkivet til Tate Modern , London, er forestillingen på Situation Gallery i 1971 av Bruce McLean beskrevet som en ironisk og humoristisk kommentar til det han anså for å være den pompøse monumentaliteten til Henry Moores store sokkelbaserte liggende skulpturer. Både McLeans og Moores skulpturer fengsler med en spesielt organisk form, som i det ene tilfellet er et resultat av den virkelige kroppen selv, mens den i det andre tilfellet gjengir denne svært virkelige fysiske formen i bronse.

Liggende figur av Henry Moore , 1938, Privat samling

Radikale posisjoner

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Mens mange kunstseere kan ha funnet det vanskelig å klassifisere Bruce McLeans performanceverk Pose Arbeid for Sokler som kunst i utgangspunktet hadde den italienske konseptkunstneren Piero Manzoni i 1961 presentert et kunstverk som til og med gjorde erfarne kunstbetraktere forvirret. Tittelen Dritkunstner (Artistens dritt) viser allerede til provokasjonen som Manzoni ønsket å oppnå med kunstverket sitt. Dritkunstner (Artistens dritt) består av 90 blikkbokser, hver – som tittelen sier – fylt med 30 gram avføring. Etiketten på boksene sier på italiensk, engelsk, fransk og tysk:Artist's Shit/Innhold 30 gr netto/Nykonservert/Produsert og hermetisert i mai 1961.

Merda d'artista (kunstnerens dritt) av Piero Manzoni , 1961, Privat samling

Bare noen få konseptuelle kunstverk i kunsthistorien kombinerer provokasjon og konsept på en så radikal måte. Ved å stille ut kunstnerekskrementer kombinerte Manzoni motsetningene til høykunst og biologisk sløsing med idé og objekt i en blikkboks på 4,8 x 6,5 centimeter. Videre er dette kunstverket en ironisk kommentar til mekanismene i reklameindustrien på 1960-tallet. Et annet konseptuelt kunstverk som forårsaket en skandale da den første gang ble utstilt i 1976 ble den skapt av den amerikanske kunstneren Mary Kelly. I sine arbeider tar Mary Kelly seg først og fremst med feministiske temaer. I en serie med flere deler på 1970-tallet dokumenterte hun for eksempel forholdet mellom seg selv som mor og sin lille babysønn. Hver av de seks delene fokuserer på ulike formelle øyeblikk mellom mor og sønn, som igjen gjenspeiles i kunstverkene som formelle virkemidler.

Detalj fra Post-partum dokument av Mary Kelly , 1974, Institute of Contemporary Arts, London

Mary Kelly kombinerte ofte vanlig materiale fra sitt daglige liv med sønnen med ord – slik hun gjorde i del I av henne Post-partum dokumentasjon . I dette verket brukte kunstneren sønnens bleieinnlegg som et slags lerret og kombinerte det med skrevne ord. Den skandaløse detaljen ved verket er at bleieforingene ble brukt, og seerne av kunstverket ble ikke bare konfrontert med flekker av oppkast, men ble også informert om kombinasjonen av mat som produserte det.

Ed Ruscha: Pågående konseptuelle kunstprosjekter

Alle disse forskjellige eksemplene på konseptuell kunst har vist: Siden denne spesielle kunstformen er konsentrert om ideen bak den, er det nesten ingen grenser for realisering. Den amerikanske artisten Ed Ruscha i dag er en av de mest kjente popkunstkunstnere men han er også svært kjent for sitt konseptuelle arbeid. Siden 1960-tallet har Ed Ruscha jobbet i forskjellige medier som maleri, grafikk, tegning, fotografi og film. Et av kunstnerens mest interessante verk innen konseptuell kunst er boken Hver bygning på Sunset Strip . Som navnet allerede antyder, er det en bok som viser hvert hus på den berømte Sunset Strip i Los Angeles. Ikke bare bokens form – en 7,6 meter lang bok i trekkspillfold – men også tilblivelsen av fotografiene i boka er spesielt interessant. Til Hver bygning på Sunset Strip, Ed Ruscha fotograferte hele Sunset Boulevard i Los Angeles med et såkalt motorisert kamera. Med en spesiell konstruksjon av et kamera på et stativ stående på lasterommet til en pick-up, dokumenterte Ed Ruscha folkespråket i Los Angeles med ett fotografi per sekund på store filmruller.

Hver bygning på Sunset Strip av Ed Ruscha , 1966, Privat samling

Ed Ruscha startet dette prosjektet på 1960-tallet og jobber fortsatt med sin dokumentasjon av Los Angeles i dag. I løpet av de siste tiårene skal kunstneren ha tatt nesten en million fotografier. Det faktum at Ed Ruscha selv aldri har fremkalt alle fotografiene og bare brukt en liten prosentandel av det til bøker som Hver bygning på Sunset Strip viser hvor mye konseptet med dette arbeidet og selve dokumentasjonens aktivitet når det gjelder viktighet står over produksjonen. Konseptuell kunst, som vi ser i alle eksemplene i denne artikkelen, kjenner verken romlige eller tidsmessige eller ofte sosialt gyldige moralske grenser. Konseptuell kunst kan være ironisk, alvorlig eller til og med sjokkerende. Konseptuell kunst kan være hva som helst eller ingenting til slutt. Tanken bak er det eneste som betyr noe – det er maskinen som lager kunsten, som Sol Lewitt allerede forklarte i 1967.