Den mest sjokkerende og kontroversielle kunsten som noen gang er laget

Stuart Brisley, And For Today … Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, London

Gjennom historien har kunstnere lett etter måter å riste opp tradisjonen og stille spørsmål ved kunstens rolle. Motet deres har åpnet seg spennende nye veier i kunsten , og endret våre måter å se verden på på overraskende og uventede måter. Men å ta risiko har en kostnad og lønner seg ikke alltid, i hvert fall ikke i løpet av artistens levetid. Noen av de mest revolusjonerende kunstnerne gjennom tidene har blitt offentlig skammet, sendt i fengsel eller nesten dødd i navnet til stor kunst. La oss ta en titt gjennom kunsthistorien på noe av det mest sjokkerende og kontroversielle kunsten som noen gang er laget.

1. Michelangelo, Den siste dommen, Det sixtinske kapell, 1541

Michelangelo, Den siste dommen (detaljer), 1541, via NY Post

Fra det øyeblikket det ble avduket i 1541, var det vilt kaotiske virvar av nakne menneskekropper i Michelangelos Den siste dommen forbløffet og forferdet publikum i like stor grad. Nakne kropper hadde dukket opp i kunsten før Michelangelo, men det mest sjokkerte besøkende var den omfattende visningen av nakenhet over hele linja, fra vanlige mennesker til helgener og martyrer. For å toppe det hele inkluderte han til og med fullstendig eksponerte, grafiske kjønnsorganer, noe som fikk kardinal Oliviero Carafa til å anklage ham for umoralsk uanstendighet. Fikenblader og lendeklede ble malt over utsatte kroppsdeler, noe som endret karakteren til det originale kunstverket. De ble værende på dette kontroversielle kunstverket til en restaurering av Det sixtinske kapell hundrevis av år senere, på 1980-tallet. Men da hadde Michelangelos revolusjonerende fremvisning av menneskekjøtt allerede påvirket kunsthistorien dypt, fra manneristisk og Barokk dekadanse til samtidens ufiltrerte nakenhet.

2. Edouard Manet, Olympia, 1863

Olympia av Edouard Manet, 1863, via Musée d'Orsay

Fransk realistisk maler Edouard Manets ikoniske Olympia , 1865 rystet samfunnet til kjernen. Først vist på Paris salong i 1865 viser Manets maleri en nakenmodell som lener seg over en sofa mens en tjener gir henne blomster. Manet etterlignet bevisst sammensetningen av Titian sin berømt Venus av Urbino, 1534, men han ga sin versjon en rekke kontroversielle oppdateringer. Det direkte, konfronterende blikket til modellen hans sjokkerte publikum som var vant til å se passive, anstendige kvinner. At Manet hadde brukt en ekte modell, Victorine Meurent, i stedet for en mytologisk muse var også sjokkerende nok, men han kom med en rekke forslag om at hun var en prostituert – navnet Olympia var et som ofte ble assosiert med sexarbeidere i Paris på 1860-tallet, mens hennes omgivelser gjentok stilen til et parisisk boudoir. Den buede svarte katten ved bunnen av Olympias seng var også et velkjent symbol for seksuell promiskuitet. Edouard Manet ble avvist av den parisiske salongen, men hans gjennombrudd førte til at en generasjon impresjonister og modernister fulgte etter.

3. Pablo Picasso, Damene i Avignon, 1907

Pablo Picasso, The Young Ladies of Avignon, 1907, via MoMA

Picasso beholdt Damene i Avignon , 1907, gjemt i atelieret hans i lang tid. Til og med hans egne venner ble forferdet da de endelig så det. De aggressive skårene av kantete, kunstige farger og ødelagte, forvrengte perspektiv var sjokkerende nok, men når den sanne omfanget av emnet hans ble avslørt, ble publikum forferdet. En naken gruppe på fem kvinner er posert som klassiske nakenbilder, men disse er ingen idealiserte skjønnheter. I stedet maler han dem med overdrevne ansikter inspirert av de afrikanske maskene han så i Paris. Etnografisk museum. Å redusere kroppene deres til en rekke skarpe, truende former gir dem en truende egenskap, det samme gjør deres kalde, urokkelige blikk. Avignon var en velkjent gate i det parisiske red-light-distriktet, og etterlot ingen tvil om at disse kvinnene var prostituerte. Sammenstøt kantete kubistisk former og konfronterende emner, knuste Picasso på egenhånd konvensjonen og innledet en ny bølge av Moderne kunst . Kunstkritiker Jonathan Jones skriver, Les Demoiselles d’Avignon er bruddet, bruddet som skiller fortid og fremtid.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

4. Marcel Duchamp, Fontene, 1917

Marcel Duchamp, Fontene, 1917 (replika 1964), via Tate, London

gitt eksperimentalist Marcel Duchamps Fontene , 1917 skapte historie, og gikk i spissen for konseptuell kunsts begynnelse. Å skape verket Duchamp kjøpte ganske enkelt et urinal fra en fabrikk, signerte det med pseudonymet R. Mutt og sendte det inn til Society of Independent Artists. Samfunnet ble dypt fornærmet av verket, og kalte det usømmelig og umoralsk, og sa: Fontenen kan være en veldig nyttig gjenstand i stedet for, men dens plass er ikke i en kunstutstilling, og den er, uten definisjon, et kunstverk. . I trass hadde Duchamp Fontene profesjonelt fotografert av den anerkjente fotografen Alfred Stieglitz i en gallerisetting, mens en anonym redaksjon som mest sannsynlig skrevet av Duchamp ble publisert i det venstreorienterte tidsskriftet Den blinde mannen kranglet, om Mr Mutt … laget fontenen har ingen betydning. Han VALG DET. Han tok en vanlig livsartikkel … og … skapte en ny tanke for det objektet. Dette argumentet om at ethvert objekt kunne bli et kunstverk revolusjonerte kunstnerisk praksis og fortsetter å ha konsekvenser i dag.

5. Carolee Schneemann, Kjøtt glede, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, ytelsesdokumentasjon

Amerikansk performancekunstner Carolee Schneemann Kjøttglede , 1964, utfordret kvinnefiendtlige stereotyper med full frontal nakenhet og vridende fremvisninger av erotisk kjøtt. Ved å kombinere det hun kalte en handleliste med ingredienser, inkludert rå fisk, kylling og pølser, sammen med maling, skinnende plast og tau, samlet hun en gruppe nakne kvinner som rullet rundt i disse stoffene som om de var borte i en orgasmisk ekstase. Reaksjonene var ekstreme; en publikummer var så rasende at han til og med prøvde å kvele Schneemann, mens en annen erklærte: Jeg vet ikke hva det er, men det er ikke kunst. Men Schneemanns seksuelt frigjorte kunst avslørte for publikum en ny type ubegrenset kvinnelighet, og ledet veien for en bølge av feministiske kunstnere gjennom 1970-tallet.

6. Stuart Brisley, And for Today ... Nothing, 1972

Stuart Brisley, Og for i dag... Ingenting, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, London

Britisk performancekunstner Stuart Brisleys Og for i dag... Ingenting , 1972, ble iscenesatt i dypet av en nedslitt, loslitt bygning i London. Et skittent bad var fylt til randen med svart vann og råtnende kjøtt, hvor fluer og larver stivnet. Brisley lå naken i dette skitne rotet hver dag i to uker, med hodet plassert akkurat langt nok over vannet til at han fortsatt kunne puste. Små grupper av besøkende ble deretter invitert til å gå inn i bygningen og observere ham i denne sårbare, halvdøde tilstanden. Stuart Brisely utsatte kroppen sin for en nesten utålelig situasjon, og trakk seernes oppmerksomhet til den skjøre linjen mellom liv og død, en holdning som ville ha en dyp innvirkning på Moderne kunst som fulgte. Denne forestillingen var en del av en gruppeutstilling på Gallery House, Goethe Institution, London, men lukten av kaldt vann fylt med råtnende innmat ble så ekkelt at alle de andre kunstnerne tvang ham til å forlate.

7. Judy Chicago, Middagsfesten, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974–79, Brooklyn Museum, Gift of the Elizabeth A. Sackler Foundation. Foto: Donald Woodman

Judy Chicagos monumentale installasjon Middagsfesten , 1974-9, er et ikonisk symbol på 1970-tallets feminisme. En stor, trekantet bankett er satt opp med 39 kuverter, hver til hyllest til innflytelsesrike kvinner fra hele historien. Forestilt seg som et kvinnelig alternativ til den siste kveldsmaten, er den 48 fot lang på hver side og tok over fem år å fullføre. Det desidert mest sjokkerende aspektet ved verket var den åpenlyse representasjonen av kvinnelige kjønnsorganer; hver tallerken er dekorert med eller formet til en variant av en vulvaform. Verket ble avduket kl San Franciscos museum for moderne kunst og trakk inn et stort antall, men reaksjonene var grusomme, og stemplet verket pornografisk og støtende. Andre museer var ment for en omvisning i USA, og andre museer var raske med å avlyse. Det tok flere tiår for kunstverdenen å varme seg til dette verket og anerkjenne dets radikalitet, men i dag har det et permanent hjem i Brooklyn Museums Sackler Center .

8. Marc Quinn, Selv, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, bilde via Marc Quinn

Britisk kunstner Marc Quinns Selv , 1991 er en hel kopi i naturlig størrelse av hodet hans i hans eget frosne blod. Ti halvlitere av blodet hans var nødvendig for å fullføre skulpturen, som bare kan eksistere i en permanent frossen tilstand. Quinn laget sin første versjon av dette verket i en tid med personlig kamp da han led av alkoholisme; Ved å sammenligne hans avhengighet av alkohol med hodets behov for å fryses, ble skulpturen en kraftig refleksjon over menneskelig avhengighet. Han fortsatte å lage mer i serien, og reflekterte over hans skiftende ansikt mens aldringsprosessen endret både det ytre utseendet og de indre organene hans. Flytende i en livløs, suspendert tilstand samler stivnet blod seg på overflaten av dette kroppsløse hodet, noe som gjør det til en dyster visning. Kritikere anklaget ham for lite mer enn vampyrisk sensasjon, mens andre så verkets plass i en lang tradisjon for selvportrett, fra Rembrandt til Cindy Sherman. Uansett har utforskningen av et så ubehagelig intimt materiale åpnet et vell av nye muligheter i samtidskunsten.

9. Pussy Riot, Punk bønn: Guds mor, Kjør Putin vekk, 2012

Pussy Riot, Punk Prayer: Mother of God, Drive Putin Away, 2012

Russisk punk-protestgruppe Pussy Riot's Punk Prayer: Mother of God, Drive Putin away , 2012 var en geriljaforestilling i Moskvas katedral av Kristus Frelseren. Da de stormet inn på kirkestolen iført lyse klær og balaklavaer, hoppet de, danset, knelte og krysset seg til sikkerhetsvakter tok og fjernet dem fra bygningen. Senere samme dag ble et brennende lydspor lagt til dette opptakene, med tekster som angriper Putins undertrykkende regime og hans forbindelser med den russisk-ortodokse kirken, før de ba Maria, Guds mor (til) å drive Putin bort! Lagt ut på sosiale medier spredte videoen seg som en ild i tørt gress og nådde et internasjonalt publikum i løpet av få dager. Russiske tjenestemenn var så rasende at de dømte to fremtredende medlemmer av gruppen Nadezhda Tolokonnikova og Maria Alyokhina til to års fengsel, og anklaget dem for hooliganisme motivert av religiøst hat. Krangel rundt om i verden fulgte om Pussy Riots harde straff mens kjente stemmer uten hell ba om løslatelse. Til tross for deres forferdelige behandling i fengselet, gjorde opplevelsen paret til verdensomspennende kjendiser som fortsetter å lage vellykket kunst i dag.

10. Maurizio Cattelan, Komiker, 2019

Maurizio Cattelan, Komiker, 2019, Banan teipet til en vegg , solgt for $120.000. Foto: RHONA WISE, EPA-EFE

Merket som den dårlige gutten i italiensk kunst, Maurizio Cattelan 's Komiker , 2019 gjorde narr av pretensjonene rundt dagens kunstverden, og det er nå anerkjent som årets ikoniske kunstverk. På Art Basel Miami Beach, Cattelan gaffer teipet en banan til veggen, og priset den til svimlende $120 000. Etter at den var solgt, skrellet artisten David Datuna av den grå tapen, tok ut bananen og spiste den, og ødela originalen. Verket ble enkelt gjenskapt, og ble senere fjernet fra galleriet for å hindre flere spøk fra å finne sted. Men en kunstner så en annen mulighet, graffiti på den tomme plassen der det hadde vært ordene Epstein tok ikke livet av seg. Cattelan ville være den første til å hevde at hver ny vri i historien hans gir verdi til konseptet hans, og beviser at i disse dager kan nesten alt være et kunstverk.