Hvordan fotografering var banebrytende for en ny forståelse av kunst

Den tidligste allment tilgjengelige fotografiske prosessen ble offentliggjort i 1839 av Louis Daguerre, skaperen av Daguerreotypien. Populariseringen av fotografiet skapte stor røre i kunstverdenen og førte til betydelige endringer i hvordan kunst ble oppfattet. Siden fotografi kunne skildre verden mer nøyaktig enn maleri, måtte sistnevnte gjenoppfinne seg selv. Av denne grunn skiftet fokuset til malere fra å representere virkeligheten til å skildre følelser og inntrykk. Fotografering kan av denne grunn sees på som en stor drivkraft for gjenoppfinnelsen av maleriet som fant sted på slutten av 1800-tallet og gjennom det 20. århundre.

Når og hvordan dukket fotografiet opp for første gang?

To barn ser på bildet produsert inne i en camera obscura, hentet fra E. Atkinsons Natural Philosophy , via Science & Society Picture Library Prints

Den første vellykkede fotografiske prosessen, den Daguerreotypi , ble opprettet i 1837 av Louis Jacques Mandé Daguerre. Daguerre hadde tidligere jobbet som profesjonell scenemaler ved et teater. Av denne grunn visste han allerede mørkerom , et lite, mørklagt rom med et lite hull eller en linse som tillot et bilde fra utsiden. Daguerre tok inspirasjon fra denne prosessen for å lage verdens første fotografiske kamera.

De mørkerom hadde allerede blitt brukt i århundrer og tillot refleksjon av bilder fra omverdenen på en flat overflate. Frem til Daguerre hadde hovedvanskeligheten vært å gravere bildet som ble produsert uten å måtte tegne over det på et stykke papir. Selv etter at andre oppfinnere på 1800-tallet klarte å overføre bildet til et stykke kobber, forsvant bildet raskt når det ble eksponert for lys. Før Daguerre var det umulig for et fotografi å forlate mørkerommet der det ble produsert.

Daguerre graverte imidlertid ikke bildene på papir, men heller på sølvbelagte kobberplater. Denne oppfinnelsen ble annonsert for offentligheten av en venn, Dominique François Jean Arago, i 1839. Derfra spredte denne nye prosessen seg over hele verden. På slutten av 1839 begynte daguerreotypier å bli produsert i flere forskjellige industrialiserte nasjoner. På grunn av hvor raskt den spredte seg, ble denne nye oppfinnelsen raskt perfeksjonert av flere produsenter.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Det var i Storbritannia på begynnelsen av 1840-tallet de første europeiske fotostudioene dukket opp. Åpenbaringstidene gikk betydelig ned, fra Daguerres tretti minutter til bare tjue sekunder i de fleste studioer. På slutten av 1880-tallet, George Eastman laget de første filmrullene. Derfra trengte ikke fotografer å bære rundt på sølvbelagte kobberplater, og fotografering ble billigere og mer tilgjengelig.

Mottak av fotografi: Demokratiseringen av kunst

Still Life, det første fotografiet noensinne tatt med en pålitelig Daguerreotypi , 1837, via My Modern Met

Fotografi hadde en betydelig innvirkning i samfunnet på 1800-tallet og mottakelsen i kunstneriske kretser varierte . Mens noen ønsket fotografering velkommen og brukte den som et hjelpemiddel for sin kunstneriske produksjon, kritiserte andre denne oppfinnelsen og nektet å betrakte det som verdt det for kunstnere, som gjorde Gustave Courbet .

Uavhengig av de ulike mottakelsene av fotografi, revolusjonerte denne oppfinnelsen de europeiske samfunnene på 1800-tallet. For første gang var kunst blitt rimelig ikke bare for de høyere klassene, men også for de lavere. Familier fra middelklasse og lavere klasse kunne få portrettene sine utført nesten umiddelbart på et fotografistudio for relativt rimelige priser.

Man kan si at det for første gang skjedde en demokratisering av kunst og image. Mens noen reagerte positivt på dette og kunstens tilgjengelighet i hele samfunnet, så andre på det som en banalisering av kunstnerisk skapelse. Mange var kritiske til fotografiet og så det kun som en industriell imitasjon av kunst for kommersielle formål.

Kunst før fotografiets fremkomst

Portrett i et fotostudio , 1800-tallet, via ENGIM

Til tross for deres variasjoner, hadde de kunstneriske bevegelsene i Europa før 1800-tallet alltid hatt det realisme som fokus . Deres endring og variasjon manifesterte seg først og fremst i tematisk endring (hva som ble malt) eller teknikk, men realistisk representasjon hadde alltid vært verdsatt i dem alle.

På tidspunktet for oppfinnelsen og spredningen av fotografiet var de ledende kunstbevegelsene i Europa Romantikk og Nyklassisisme . Den første hadde allerede introdusert et skifte i den kunstneriske verden ved å fremheve kunstnerens uttrykk.

Diana og Amor av Pompeo Stone , 1761 (Neoklassisk maleri), via The Metropolitan Museum of Art, New York

I det romantiske maleriet var det mange elementer som ikke tilhørte virkeligheten (for eksempel overnaturlige elementer), men som likevel ble representert realistisk.

I nyklassisistisk maleri var det en gjenoppliving av representasjonen av mytologiske figurer og scener. Så vakkert og harmonisk som mulig ble disse alltid representert i stor detalj og nøyaktighet. Selv om noen kunstnere ikke falt innenfor disse kunstneriske bevegelsene, malte de fortsatt realistisk. Enten det var menneskelige subjekter, natur eller mytologiske figurer, det europeiske malerier på den tiden hadde til felles var deres mål om å representere bilder så nøyaktig og så detaljert som mulig.

Impresjonisme: En kunstbevegelse formet av fotografi

Boulevard Montmartre på en vintermorgen av Camille Pissaro , 1897, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Malere som var vitne til fotografiets fremvekst utviklet en annen oppfatning av virkelighet og bilder enn deres forgjengere. Disse kunstnerne forsto at virkeligheten var forbigående og at hvert øyeblikk var flyktig og begrenset. Virkelighetens natur, innså disse malerne, var å være i konstant bevegelse.

Av denne grunn, den kunstneriske bevegelsen avImpresjonismevar den første som avvek fra den realistiske normen i europeisk kunst. Impresjonismens kunstnere aksepterte at fotografering var det beste for å fange faste bilder, og at de ikke kunne overgå det. Av denne grunn utforsket impresjonister andre dimensjoner av maleriet, som farge, lys og bevegelse. Denne stilen gjorde det klart at maleri ikke var ment å konkurrere med fotografi, men snarere å komplementere det, for å representere det fotografiet ikke kunne.

Inntrykk, soloppgang av Claude Monet , 1872, via Art in Context

Impresjonistiske malere, i stedet for nøyaktig å representere virkeligheten i detalj, fokuserer på inntrykket av virkeligheten og forsøk på å formidle bevegelse i maleriene deres . Impresjonistiske malerier representerer virkeligheten slik den oppfattes av det menneskelige øyet: flyktig og forbigående, noen ganger uklar eller uskarp. Til å begynne med ble disse noe uskarpe fremstillingene av virkeligheten kritisert som malerier av lav kvalitet eller uferdige, men etter hvert ble de verdsatt.

Fra dette tidspunktet ble det allment akseptert at maleri ikke kunne konkurrere med fotografi når det gjaldt å representere virkeligheten nøyaktig. Denne erkjennelsen løste på en måte maleriet fra realismens lenker og åpnet døren for et skifte i kunstneriske sirkler. I stedet for å verdsette realisme, begynte kunstnere å fokusere på å uttrykke følelser, inntrykk og alt det som er en del av den menneskelige opplevelsen. På mange måter skapte impresjonismen en bro mellom tradisjonell kunst, som hadde realisme i kjernen, og modernistisk kunst, som tok avstand fra en nøyaktig fremstilling av virkeligheten.

Den modernistiske kunstbevegelsen: en ny oppfatning av kunst

Kvinne med hatt av Henri Matisse , 1905, via San Francisco Museum of Modern Art

Ved begynnelsen av det 20. århundre , var det tydelig at fotografiet hadde kommet for å bli. Ikke bare det, men det var et helt nytt medium for å representere virkeligheten: film. Etter en filmprojeksjon fra 1895 i Paris av brødrene Lumière, ble dette nye mediet raskt forbedret og fikk betydelig popularitet. Å representere virkeligheten nøyaktig var ikke lenger en nødvendig oppgave for malere. Av denne grunn var impresjonismen bare den første av en serie kunstneriske bevegelser som forvillet seg bort fra realismen.

I løpet av første halvdel av 1900-tallet var det flere bevegelser innenfor Modernisme som forvandlet kunstverdenen. Den første var Fauvisme , som representerte virkelige scener og motiver ved bruk av lyse farger som vanligvis ikke samsvarte med virkeligheten. Fauvister brukte tykke penselstrøk, og hentet inspirasjon fra postimpresjonistiske malere som Vincent van Gogh. Det fremste navnet i fauvismen var Henri Matisse. På spørsmål om fargen på damens kjole i hans berømte maleri Kvinne med hatt var, svarte han angivelig: Svart, tydeligvis .

En av de tidligste bevegelsene innen den modernistiske strømmen var Ekspresjonisme , som hadde sin opprinnelse i Van Gogh og Edvard Munch, men ble betydelig utviklet noen tiår senere gjennom den tyske gruppen Broen ( Broen ). I ekspresjonismen er ikke fokuset å representere den ytre virkeligheten nøyaktig, men den indre virkeligheten, følelser og følelser. Ekspresjonistiske kunstnere brukte livlige farger og uvanlig tykke penselstrøk, og de resulterende maleriene var ekstremt tette og intense, og formidlet klare følelser og miljøer.

Apokalyptisk landskap av Ludwig Meiner , 1912, via Sotheby's

Spesielt under årene etter første verdenskrig , ekspresjonistiske malerier blir spesielt groteske og mørke. Ved å fokusere på følelser i representasjonen av virkeligheten, kunne ekspresjonistene male et mer nøyaktig og kritisk bilde av samfunnet. På mange måter kunne disse maleriene vise det fotografiet ikke kunne, nemlig kunstnernes følelser rundt den virkeligheten som representerte.

Sannsynligvis en av de mest kjente bevegelsene innen modernismen erKubisme. Denne bevegelsen revolusjonerte perspektivbegrepet og avviste representasjonen av tredimensjonale objekter. I stedet for å bruke typiske modellerings- og perspektivteknikker, representerte kubister, som Picasso eller Braque, objektene som todimensjonale, og prøvde ofte å inkludere forskjellige perspektiver av et enkelt objekt om gangen. Ved å utforske perspektivet på en slik måte, går kubismen, som andre modernistiske kunstbevegelser, utover det fotografi kan gjøre. Noen ganger kommer gjenstandene som er representert så langt fra virkeligheten at det er ekstremt vanskelig å forstå hva de er. Senere utviklet kubismen seg til å bli mer tilgjengelig og lettere å forstå, som man ser på Picassos mest kjente malerier, som f.eks. Guernica .

Stilleben: fiolin og lysestake av George Braque, 1910, via San Francisco Museum of Modern Art

Rundt 1920 begynte en av de viktigste bevegelsene innen modernismen: Surrealisme . Surrealistene fortsetter der dadaistene slapp. Selv om det var fruktbart i de første årene, den dadaistiske bevegelsen mistet seg raskt i sin egen absurdisme og ble forlatt av mange kunstnere. Surrealisme, til tross for gåtefull og absurd på sin måte, er slett ikke blottet for mening. Tvert imot prøver den å demonstrere overlappingen av psykologiske prosesser i menneskesinnet som forårsaker drømmer og fantasi.

Det sublime øyeblikket av Salvador Dali , 1938, via Fundació Gala

I surrealistisk maleri er det ikke den fysiske virkeligheten som er representert, men drømmen og den ubevisste virkeligheten. Som i andre modernistiske kunstbevegelser, er surrealisme komplementær til fotografi fordi den representerer noe langt utenfor dets rekkevidde: menneskesinnet og drømmeverdenen. Ved å bryte seg løs fra virkelighetens lenker, skildrer surrealistiske malere våre sinn og drømmer på en revolusjonerende måte.

Hvordan modernistisk maleri påvirket fotografiet

Skjær med Dada-kjøkkenkniven gjennom den siste Weimar Beer-Belly-kulturepoken i Tyskland av Hannah Höch , 1919, via statsmuseer i Berlin

Til tross for at fotografiet ikke ble skapt med kunstneriske formål i tankene, ble fotografiet raskt utforsket av kunstnere. Først ble fotografiet brukt som et hjelpemiddel for maleri eller andre tradisjonelle kunstformer. Senere begynte noen kunstnere å utforske kombinasjonen av fotografi, maleri og andre medier, og skapte dermed nye kunstformer, for eksempel fotomontasje. En av de fremste kunstnerne i dette nye kunstneriske mediet var Hannah Höch , en kunstner fra Weimar-republikken, som skapte kjente eksempler på fotomontasje.

Det tok litt tid og kontrovers før fotografering ble ansett som en fin kunstform. Mange kritikere, langt ut på 1900-tallet, nektet fortsatt å akseptere fotografi som noe mer enn en industriell mekanisme som imiterte virkeligheten, men som hadde liten kunstnerisk verdi alene. Men gjennom hele 1900-tallet begynte fotografering å bli anerkjent som en kunstform, og fotografer skapte innovative måter å uttrykke seg gjennom den.

Tilsvarende av Alfred Stieglitz , 1927 (abstrakt fotografering), via The Metropolitan Museum of Art, New York

Modernismen påvirket også fotografiet og dets alternative representasjoner av virkeligheten og menneskelige følelser betydelig. I løpet av det 20. århundre utforsket fotografer også eksperimentelle og abstrakt fotografi . Til tross for at de fortsatt representerer virkeligheten, utforsker disse typer fotografier former, farger og perspektiver uten å strebe etter å representere en gitt scene eller objekt nøyaktig.

Hvordan fotografering endret vår oppfatning av kunst: en oversikt

Gule øyer av Jackson Pollock, 1952, via Tate Museum, London

Oppfinnelsen av Daguerreotypien fra 1837 påvirket samfunnet og den kunstneriske verdenen som Daguerre ikke kunne ha forutsett. Ved å overgå maleriet i dets evne til å representere virkeligheten, frigjorde fotografiet på en måte maleriet fra behovet for å være realistisk. Fotografering ga også mer utbredt tilgang til kunst og portretter, som var etterspurt i samfunnet på 1800-tallet.

Impresjonismen var den første bevegelsen som ble formet av fotografi og vek fra realismen som var normen i europeisk kunst. Denne bevegelsen fungerte som en bro mellom tidligere bevegelser og modernismen. I de ulike kunstneriske bevegelsene innen modernismen utforsket mange kunstnere utallige nye måter å uttrykke seg på. Kunstnere begynte å fokusere på den menneskelige opplevelsen og ulike måter å oppfatte virkeligheten på og skapte revolusjonerende verk. Fotografiet fulgte tendensen til subjektivitet og abstraksjon, noe som bidro til dets anerkjennelse som en egen kunstform.

I dag forstås kunst ikke bare som en trofast representasjon av virkeligheten, men som noe som provoserer tanker og følelser. Mange seere er interessert i betydningen og følelsene et kunstverk formidler eller representerer eller samfunnskritikken det inneholder. Realismen, selv om den fortsatt er verdsatt av noen, har mistet sin plass som en prioritet innenfor kunstneriske kretser og av kunstnerne selv. Dette er spesielt tydelig når vi tenker på kunstbevegelser som har tatt avstand fra virkeligheten, som f.eks Abstrakt ekspresjonisme .