9 Times The History of Art-inspirerte motedesignere

Linda Evangelista i en 'Warhol Marilyn'-kjole av Gianni Versace, 1991; med The Mondrian-kjole av Yves Saint Laurent, høst/vinter 1965-kolleksjon; og en kjole fra resortkolleksjonen til Alexander McQueen, 2013

Gjennom historien gikk mote og kunst hånd i hånd, og skapte en flott blanding. Mange motedesignere har lånt ideer fra kunstbevegelser til sine samlinger, slik at vi kan tolke mote som en form for kunst. Hovedsakelig tjener kunst oss for å uttrykke ideer og visjoner. Som en utsøkt ode til kunsthistorien, nedenfor er ni bærbare kunstverk unnfanget av visjonære motedesignere fraDet 20. århundre.

Madeleine Vionnet: En motedesigner som kanaliserte eldgamle historie

Den bevingede seieren til Samothrace , 2. århundre f.Kr., via Louvre, Paris

Født i det nordlige sentrale Frankrike i 1876, Madame Vionnet var kjent som arkitekten bak klesmakere.Under oppholdet i Roma ble hun fascinert av kunsten og kulturen til den greske og romerske sivilisasjonen og inspirert av gamle gudinner og statuer.Basert på disse kunstverkene formet hun sin stilestetikk og kombinerte elementer fra gresk skulptur og arkitektur for å gi kvinnekroppen en ny dimensjon. Med sin mesterferdighet av drapering og skjev skjæring kjoler , revolusjonerte hun moderne mote. Vionnet henvendte seg ofte til kunstverk som den bevingede seieren til Samothrace for hennes kreative samlinger.

Likheten mellom mesterverket avHellenistiskkunst og Vionnets muse er slående.Den dype draperingen av stoffet i stil med den greske chitonen skaper vertikale lysbånd som strømmer nedover figuren.Skulpturen ble laget som en hyllest til Nike, den greske gudinnen av seier, og er beundret for sin realistiske skildring av bevegelse. Det flytende draperiet i Vionnets design ligner bevegelsen til det bølgende stoffet som klamrer seg til Nikes kropp.Kjoler kan være som levende vesener med sjel, akkurat som kroppen. Som Winged Victory of Samothrace , Vionnet skapte kjoler som vekker mennesker. Klassisismen, både som estetisk og designfilosofi, ga Vionnet evnen til å formidle sin visjon i geometrisk harmoni.

Basreliefffrisekjole fra Madeleine Vionnet , fotografert av George Hoyningen-Huene for fransk Vogue, 1931, via Condé Nast

Vionnet var også fascinert av moderne kunstbevegelser, som f.eks Kubisme . Hun begynte å innlemme geometriske former inn i kreasjonene hennes og utviklet en annen metode for å kutte dem, kalt bias cutting. Vionnet hevdet selvfølgelig aldri at hun oppfant bias cut, men bare utvidet bruken . Da kvinner gjorde store fremskritt i å kjempe for rettighetene sine på begynnelsen av 1900-tallet, forsvarte Vionnet deres frihet ved å avskaffe det langvarige viktorianske korsettet fra kvinners daglige klær. Derfor ble hun et symbol på kvinner frigjøring fra innsnevring av bustiers , ogi stedet lanserte nye, lettere stoffer som varflyter på kvinnekropper.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Valentino og Hieronymus Bosch

The Garden of Earthly Delights av Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, via Prado-museet, Madrid

Pierpaolo Piccioli er hoveddesigneren til Valentino. De religiøse kunstverkene fra middelalderenappellerer til ham mye.Utgangspunktet for inspirasjon for ham er overgangsøyeblikket fra middelalderen til den nordlige renessansen. Han samarbeidet med Zandra Rhodes og sammen designet de en inspirerende kolleksjon våren 2017. Piccioli ønsket å koble punkkulturen på slutten av 70-tallet med humanisme og middelalderkunst, så han gikk tilbake til hans røtter og renessansen, finne inspirasjon i Hieronymus Bosch maleri The Garden of Earthly Delights .

Den berømte nederlandske maleren var en av de mest bemerkelsesverdige representanter for den nordlige renessansen i løpet av 1500-tallet. I hagen til jordiske gleder som Bosch malte før reformasjonen, ønsket kunstneren å skildre himmelen og menneskehetens skapelse, den første fristelsen med Adam og Eva, og helvete, i påvente av synderne. I sentralpanelet ser det ut til at folk tilfredsstiller appetitten sin i en verden som søker glede. Boschs ikonografi skiller seg ut for sin originalitet og sensualitet. Hele maleriet tolkes som en allegori for synd.

Modeller på rullebanen på Valentino Spring Summer 2017 moteshow under Paris Fashion Week , 2016, Paris, via Getty Images

I moteverden , ble maleriet populært da ulike motedesignere ble sjarmert av motivene. Piccioli omtolket epoker og estetikk Boschs symboler gjennom flytende rene kjoler, mens Rhodes skapte de romantiske trykkene og broderte mønstrene, med et subtilt nikk til det originale kunstverket. Farger var definitivt en del av budskapet som motedesignere ønsket å levere. Dermed er samlingen av flytende drømmende kjoler basert på den nordlige fargepaletten av eplegrønn, blekrosa og robin eggeblå.

Dolce & Gabbana og barokken til Peter Paul Rubens

Venus foran speilet av Peter Paul Rubens , 1615, via Princely Collections of Liechtenstein, Wien; med Dolce & Gabbana motekolleksjon for høst/vinter 2020 fotografert av Nima Benati , via nettstedet Nima Benati

Peter Paul Rubens malte kvinner mesterlig, ' med kjærlighet, stipend og flid .’ Han presenterte sitt Venus foran speilet som det ultimate symbolet på skjønnhet. Rubens skildret eksepsjonelt hennes lyse hudfarge og lyse hår som står i kontrast til den mørkhudede tjenestepiken. De speil er det ultimate symbolet på skjønnhet , som rammer inn kvinnen som et portrett, samtidig som den subtilt understreker figurens nakenhet. Speilet som Amor holder opp for gudinnen avslører refleksjonen av Venus, som en representasjon av seksuell lyst. Rubens, som var en av grunnleggerne av Barokk kunst , og konseptet hans der farger er viktigere enn linjer, påvirket flere motedesignere, inkludert Dolce & Gabbana. De Barokk stil avvek fra ånden til Renessanse , forlot freden og glattheten, og forfulgte i stedet eleganse, spenning og bevegelse.

Peace Embracing Plenty av Peter Paul Rubens , 1634, via Yale Center for British Art, New Haven; med Dolce & Gabbana motekolleksjon for høst/vinter 2020, fotografert av Nima Benati , via nettstedet Nima Benati

MotedesignerneDomenico Dolce og Stefano Gabbana ønsket å lage en kampanje som vil fremheve den sensuelle, men også den romantiske siden av kvinnelig skjønnhet. Peter Paul Rubens var den mest passende inspirasjonskilden. Kreasjonene til den ikoniske duoen kom til å være i stor harmoni med kunsten til den flamske maleren. I denne samlingen poserte modeller med stor edelhet, og så ut som de nettopp hoppet ut av et av Rubens malerier. Landskapet ble designet for å minne om barokke speil og broderidetaljer. Figurenes ynde og pastellfargepaletten fremhevet den brokaderosa kjolen perfekt. Motedesignernes valg om å inkludere ulike modeller fremmet den epokens kroppstype enda mer. De kurvede linjene Dolce og Gabbana brukte gikk imot diskrimineringen av ulike kroppstyper i moteindustrien.

Portrett av Anne av Østerrike av Peter Paul Rubens , 1621-25, via Rijksmuseum, Amsterdam; med Modell Lucette van Beek på Dolce & Gabbana rullebane, høsten 2012 , fotografert av Vittorio Zunino Celotto, via Getty Images

Dolce og Gabbanas høstkolleksjon for kvinner 2012 viser mange kjennetegn ved italiensk barokkarkitektur. Denne samlingen faller perfekt sammen med de svært utsmykkede egenskapene til Siciliansk barokkstil . Motedesignerne fokuserte på barokkarkitektur som sett i de katolske kirkene på Sicilia. Referansepunktet var Rubens’ maleri Portrettet av Anne av Østerrike . I henne kongelig portrett , Anne av Østerrike er representert iført spansk mote. Annes svart kjole er dekorert , med vertikale strimler av grønt broderi og gulldetaljer. Den klokkeformede ermen, kjent som Spansk Great-Sleeve er også en signatur i spansk stil, i tillegg til den volangerte blondekragen. Kunstferdig designede kjoler og kapper laget av luksuriøse tekstiler som blonder og brokade stjal Dolce og Gabbana-showet.

Historie om kunst og mote: El Grecos manerisme og Cristobal Balenciaga

Fernando Nino de Guevara av El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, via The Met Museum, New York

Christopher Balenciaga kan beskrives som en ekte motemester som reformerte kvinnemote på 1900-tallet. Han ble født i en liten landsby i Spania, og overførte essensen av spansk kunsthistorie til sine moderne design. Gjennom hele karrieren ble Balenciaga imponert over Spansk renessanse . Han så ofte etter inspirasjon hos spanske kongelige og medlemmer av presteskapet. Balenciaga forvandlet tidens kirkelige stykker og klosterplagg til bærbare motemesterverk.

En av hans store inspirasjoner var manneristen El Greco, også kjent som Dominikos Theotokopoulos. Ser på El Grecos Kardinal Fernando Nino de Guevara , det er en likhet mellom kardinalens kappe og Balenciagas design. Maleriet viser den spanske kardinal Fernando Niño de Guevara fra El Grecos tid i Toledo. El Grecos ideer ble hentet fra den italienske renessansens nyplatonisme, og i dette portrettet, presenterer kardinalen som symbolet på Guds nåde . Manierisme er tilstede over hele maleriet. Det merkes i den langstrakte figuren med det lille hodet, i de grasiøse, men bisarre lemmene, de intense fargene og avvisningen av klassiske mål og proporsjoner.

En modell iført en rød kveldskåpe av Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, via Google Arts and Culture

Balenciagas lidenskap for historiske klær er tydelig i denne ekstravagante kveldskåpen fra 1954-kolleksjonen hans. Han hadde visjonen og evnen til gjenoppfinne former til moderne mote . Den overdrevne uttalende kragen til denne kåpen gjenskaper bagginess av kardinalens kappe. Den røde fargen i kardinalens klær symboliserer blod og hans vilje til å dø for troen. Den livlige røde fargen ble sett på som ekstraordinær av den berømte designeren siden han ofte foretrakk vågale fargekombinasjoner og lyse nyanser. Hans store innovasjon var å eliminere midjen og introdusere flytende linjer, enkle kutt og trekvart ermer. Ved å gjøre dette revolusjonerte Balenciaga kvinnemoten.

Designeren introduserte også armbåndslange ermer, som tillot kvinner å vise frem smykkene sine. I løpet av 1960-tallet, mens den progressive introduksjonen av kvinner i arbeidsbransjen skjedde, hadde Balenciaga ideen om å gi komfort, frihet og funksjonalitet til kvinnene han kledde på. Han fremmet løse, komfortable kjoler som var i kontrast til datidens tettsittende silhuetter.

Alexander McQueen og Gustav Klimts symbolikk

Oppfyllelse av Gustav Klimt , 1905, via MAK – Museum of Applied Arts, Wien; med Kjole fra resortkolleksjonen til Alexander McQueen , 2013, via Vogue Magazine

Østerriksk maler, mester i Symbolikk , og grunnlegger av Wien Løsrivelse bevegelse, Gustav Klimt markerte 1900-tallets kunsthistorie. Hans malerier og kunstneriske estetikk har lenge vært en inspirasjon for motedesignere . Blant andre som Aquilano Rimoldi, L'Wren Scott og Christian Dior, designeren som direkte refererte til Klimt var Alexander McQueen. I resortkolleksjonen for vår/sommerkolleksjonen 2013 designet han unike stykker som ser ut til å være inspirert av malerens arbeid . Når du ser på den flytende sorte kjolen med det gjentagende gullmønsteret på toppen – kan du tenke deg et spesifikt maleri. McQueen tok i bruk abstrakte, geometriske og mosaikkmønstre i bronse- og gulltoner og inkorporerte dem i designene hans.

I 1905 malte Gustav Klimt Oppfyllelse , en representasjon av et par fanget i en øm klem, som ble et symbol på kjærlighet. Den østerrikske maleren er kjent for sine gyldne malerier, men også for den perfekte blandingen av abstraksjon og farger som finnes i disse verkene. Alle mosaikkene har rike gylne toner med kaleidoskopiske eller naturavledede dekorasjoner som har hatt stor innvirkning på moten. Dette maleriet er levende på grunn av de kontrasterende geometriske formene mellom de to elskernes plagg. Mannens plagg inkluderer svarte, hvite og grå firkanter, mens kvinnens kjole er dekorert med ovale sirkler og blomstermotiver. På den måten, Klimt mesterlig illustrerer forskjellen mellom maskulinitet og femininitet .

Christian Dior, De Designer Of The Dreams, Og Claude Monets Impresjonistiske malerier

Artist's Garden at Giverny av Claude Monet , 1900, via Museum of Decorative Arts, Paris

Grunnleggeren av Impresjonisme og en av de største franske malerne i kunsthistorien, Claude Monet etterlot seg et stort kunstnerisk oeuvre. Ved å bruke hjemmet og hagen i Giverny for inspirasjon, fanget Monet det naturlige landskapet i maleriene sine. Nærmere bestemt i maleriet som heter Kunstnerens hage i Giverny, han klarte å manipulere det naturlige landskapet til sine behov. Kontrasten av brun gjørmete sti mot den livlige fargen på blomstene supplerer scenen. Den berømte impresjonisten valgte ofte irisblomsten for dens lilla farge for å gi effekten av en lys sol. Dette maleriet er fullt av liv, siden blomstene blomstrer og omfavner våren. Kronbladene av roser og syriner, iris og sjasmin er en del av et fargerikt paradis, gjengitt på et hvitt lerret.

Miss Dior kjole fra Christian Dior Haute Couture , 1949, via Museum of Decorative Arts, Paris

I samme ånd, Christian Dior , en pioner innen fransk couture, satte et stort preg på moteverdenen som fortsatt føles i dag. I 1949 designet han en Haute Couture-kolleksjon for vår-/sommersesongen. Et av høydepunktene på den utstillingen var det ikoniske Frøken Dior kjole, helt brodert med blomsterblader i forskjellige nyanser av rosa og fiolett. Dior illustrerte de to verdenene av kunst og mote perfekt og imiterte Monets estetikk i denne funksjonelle kjolen. Han pleide å tilbringe mye tid på landet, og tegnet sine samlinger i sin hage i Granville , akkurat som Monet gjorde. På den måten, han definerte den elegante 'Dior'-stilen , som inkorporerer fargepaletten og blomstermønstrene til Monet i kreasjonene hans.

Yves Saint Laurent, Mondrian og De Stijl

Komposisjon med rødt, blått og gult av Piet Mondrian, 1930, via Kunsthaus Zürich Museum; med Mondrian-kjolen fra Yves Saint Laurent , høst/vinter 1965 samling, via Met Museum, New York

Mondrian var en av de første kunstnerne som malte abstrakt kunst på 1900-tallet. Han ble født i Nederland i 1872 og startet en hel kunstbevegelse kalt Stilen . Bevegelsens mål var å kombinere moderne kunst og liv . Stilen, også kjent som Neoplasticism, var en form for abstrakt kunst der kun bruk av geometriske prinsipper og primærfarger, som rødt, blått og gult, ble kombinert med nøytrale farger (svart, grått og hvitt). Mondrians innovative stil på begynnelsen av 1900-tallet fikk motedesignere til å gjenskape denne rene typen abstrakt kunst. Det beste eksemplet på et De Stijl-maleri er Komposisjon med rød blå og gul .

Som en elsker av kunst, inkorporerte den franske motedesigneren Yves Saint Laurent Mondrians malerier i sine haute couture-kreasjoner. Han ble først inspirert av Mondrian da han leste en bok om kunstnerens liv som moren ga ham til jul.

Mondrian kjoler på Museum of Modern Art av Yves Saint Laurent, 1966, via Khan Academy

Yves Saint Laurent sa til og med: Mondrian er renhet, og du kan ikke gå lenger i maleri. Mesterverket fra det tjuende århundre er en Mondrian.

Designeren viste sin takknemlighet for Mondrian i høstkolleksjonen hans fra 1965, kjent som Mondrian samling . Inspirert av malerens geometriske linjer og dristige farger, presenterte han seks cocktailkjoler som markerte hans ikoniske stil og sekstitallet generelt. Hver av Mondrian kjoler varierte litt, men de hadde alle til felles den enkle A-formen og den ermeløse knelengden som smigret alle kroppstyper.

Elsa Schiaparelli og Salvador Dali

Tre unge surrealistiske kvinner holder i armene skinnene til et orkester av Salvador Dalí ,1936, via The Dali Museum, St. Petersburg, Florida

Født i 1890 til en aristokratisk familie basert i Roma, Elsa Schiaparelli uttrykte snart sin kjærlighet til moteverdenen. Hun ville begynne å utvikle sin revolusjonerende stil inspirert av futurisme, Dadaist , og Surrealisme . Etter hvert som karrieren utviklet seg, ble hun tilkoblet med kjente surrealister og dadaister som Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp , og Jean Cocteau. Hun samarbeidet til og med med den spanske artisten Salvador Dali. Hans estetiske og surrealistiske absurditet gjorde Dali til den mest kjente maleren Surrealismebevegelse .

The Tears Dress av Elsa Schiaparelli og Salvador Dali , 1938, via Victoria and Albert Museum, London

En av de største samarbeid i motehistorien var Dali og Elsa Schiaparelli. Denne kjolen ble laget sammen med Salvador Dali , som en del av Schiaparellis Circus-samling sommeren 1938. Kjolen refererer til Dalis maleri, der han avbildet kvinner med revet kjøtt.

Et fotografi av Salvador Dalií og Elsa Schiaparelli , ca. 1949, via Dalí-museet

For surrealistiske artister, Jakten på den ideelle kvinnen var dømt til å mislykkes , siden idealet bare eksisterte i deres fantasi, og ikke i virkeligheten. Dalis intensjon var det imidlertid ikke skildre kvinner realistisk sett er kroppene deres ikke i det hele tatt estetisk tiltalende. Schiaparelli ønsket å eksperimentere med denne leken med å skjule og avsløre kroppen, og gi en illusjon av sårbarhet og eksponering. The Tear-Illusion Dress ble laget av blekblå silkecrepe og trykket ble designet av Dalí for å ligne de tre kvinnene fra maleriet hans. Rivene avslører den rosa undersiden av stoffet, med en mørkere rosa avslørt i hullene.

Motedesignere og popkunst: Gianni Versace og Andy Warhol

Marilyn Diptych av Andy Warhol , 1962, via Tate, London

De Pop Art epoken var sannsynligvis den mest innflytelsesrike perioden for motedesignere og kunstnere i kunsthistorien. Andy Warhol banebrytende en kombinasjon av popkultur og high fashion som gjorde ham til en ikonisk symbol på Pop Art-bevegelsen . På sekstitallet begynte Warhol å praktisere sin signaturteknikk kjent som silketrykk.

Et av hans tidligste og utvilsomt mest kjente verk var Marilyn Diptych . For dette kunstverket hentet han inspirasjon ikke bare fra popkulturen, men også fra kunsthistorien og malere av abstrakt ekspresjonisme. Warhol fanget de to verdenene av Marily Monroe, det offentlige livet til Hollywood-stjernen, og den tragiske virkeligheten til Norma Jeane, kvinnen som slet med depresjon og avhengighet. Diptyken forsterker liv til venstre, mens den til høyre forsvinner inn i mørke og uklarhet. I et forsøk på presentere et samfunn av forbrukerisme og materialisme , han avbildet individer som produkter i stedet for mennesker.

Linda Evangelista i en 'Warhol Marilyn'-kjole av Gianni Versace , 1991

Den italienske designeren Gianni Versace hadde en langvarig vennskap med Andy Warhol. Begge mennene ble sjarmert av populærkulturen. For å minnes Warhol, dedikerte Versace sin vår-/sommersamling fra 1991 til ham. En av kjolene hadde Warhols Marilyn Monroe-trykk. Han inkorporerte fargerike, silketrykte portretter av Marilyn og James Dean som stammer fra 1960-tallet på skjørt og maxi-kjoler.