The Rise of the Women Movement: 7 feministiske kunststykker du bør vite

Papirkvinner av Sanja Iveković, 1976-77 (til venstre); med Untitled Film Still #3 av Cindy Sherman, 1977 (til høyre)

I løpet av 1970-årene organiserte kvinnelige kunsthistorikere som Linda Nochlin feministiske utstillinger som 1976 Kvinnelige kunstnere 1550-1950 i LACMA. Denne typen utstillinger viste den eksisterende mangelen på kunnskap om kvinnelige kunstnere i kunsthistorien og deres ekskludering fra flertallet av museumssamlingene. I løpet av denne tiden begynte feministisk kunstteori å utvikle seg som en praksis. Feministiske kunstnere brukte ulike strategier i sitt arbeid for å reise spørsmål om kvinners politiske, sosiale og kulturelle posisjon i samfunnet. Når vi ser på kunsten til Cindy Sherman, Barbara Kruger eller Judy Chicago, er det ikke en spesiell stil, men en mangfoldig kunstnerisk tilnærming. Her er 7 viktige feministiske kunstverk du bør kjenne til!

1. Den feministiske kunsten til Cindy Sherman: 69 Stillbilder uten navn

Uten tittel Film Still #10 av Cindy Sherman , 1978, via MoMA, New York

Cindy Sherman er en kjent amerikansk kunstner født i 1954. Det meste av hennes arbeid består av portretter der hun vanligvis legemliggjør en karakter. Hennes mye roste serie kalt Stillbilder uten tittel består av svart-hvitt-fotografier tatt på slutten av syttitallet. I denne serien poserer Sherman som fiktive karakterer fra 1950- og 60-tallets filmer. Mange bilder fra serien ser ut som stillbilder tatt fra filmscener når noe ubehagelig eller skummelt er i ferd med å skje.

For å forstå Cindy Shermans serie, og feministisk kunst generelt, må vi se på Laura Mulvey sitt banebrytende essay om det mannlige blikket. I hennes essay fra 1975 Visuell nytelse og narrativ kino , Mulvey analyserte hvordan kameraet ser på kvinner i Hollywood kino. Hun kategoriserte det som noe som heter det mannlige blikket – et blikk som objektiviserer kvinner. Gjennom det mannlige blikket fetisjeres kvinnelige karakterer og fremstilles som passive.

Uten tittel Film Still #3 av Cindy Sherman , 1977, via MoMA, New York

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Derfor spiller Cindy Sherman de stereotype kvinnelige karakterene Hollywood vil at vi skal se. Kunstneren viser 1950-tallets Hollywood-femininitet som en maskerade. Når hun lager sin feministiske kunst, bruker Sherman sminke, parykker, rekvisitter, positurer og ansiktsuttrykk for å vise at det vi ser på skjermen er en konstruksjon. Selv om Sherman bruker seg selv som modell, blir fotografiene ikke nødvendigvis forstått som selvportretter siden kunstneren poserer som en innbilt karakter.

2. Geriljajenter: Må kvinner være nakne for å komme inn i met. Museum?

Må kvinner være nakne for å komme inn i met. Museum? av Guerilla Girls , 1989, via Tate, London

Geriljajentene beskriver seg selv som feministiske aktivistiske kunstnere. Gruppen består av mange anonyme medlemmer. De feministiske kunstverkene til Guerilla Girls ligner plakater og reklametavler der de kommuniserer viktige politiske budskap. Gjennom det enkle, men effektive utseendet til tekster og slagord, har Guerilla Girls som mål å vise hvordan kvinner blir diskriminert i kunstverdenen. De snakker ikke bare om mangelen på representerte kvinnelige kunstnere, men også mangelen på representerte fargekunstnere.

I deres stykke fra 1989 Må kvinner være nakne for å komme inn i met. Museum? Guerilla Girls pekte på de enorme forskjellene i antall kvinnelige kunstnere som er omtalt i The Met Museum og antall kvinnelige nakenbilder i maleriene du kan se der. Verket viser en endret versjon av maleriet Den store odalisken av den franske nyklassisistiske maleren Jean-August-Dominique Ingres . I stedet for Odalisques hode ser vi en Gorilla-maske. Stykket ble opprinnelig laget for New York City Public Art Fund, men de avviste det senere. Så, for at arbeidet skulle bli sett av et stort antall mennesker, leide Guerilla Girls reklameplasser på New York City-bussene. Deres feministiske kunstverk er ment å øke bevisstheten om eksisterende kjønnsforskjeller i ulike kreative bransjer.

3. Barbara Kruger: Uten navn ( Det er en liten verden, men ikke hvis du må rense den)

Uten navn ( Det er en liten verden, men ikke hvis du må rense den) av Barbara Kruger , 1990, via MOCA, Los Angeles

Barbara Kruger er en annen kunstner som bruker slagord i sine feministiske kunstverk. Påvirket av forbrukerkulturen og massemediene dekoder Kruger meldinger vi stadig mottar gjennom ulike utsalgssteder. Gjennom sine bildetekster stiller Kruger spørsmålene om hvem som skaper koder for atferd, undertrykkelse, kultur og identitet.

Noen av slagordene hennes høres ut som kommandoer. De fremkaller nesten en følelse av at noen mektig forteller oss hvordan vi bør eller ikke bør oppføre oss. Kruger har sagt at hun tror bilder og ord som har makten til å fortelle oss hvem vi er og hvem vi ikke er, hvem vi kan være og hvem vi aldri kan bli.

I sin kunst peker Kruger på patriarkalsk språk og bilder. Hennes eksplisitt feministiske stykker liker Kroppen din er en kampplass eller Blikket ditt treffer siden av ansiktet mitt vise kvinner som overtar rettighetene til kroppen deres.

I stykket hennes Det er en liten verden, men ikke hvis du må rydde den, Kruger tar for seg forstadslivsstilen i etterkrigstidens Amerika. Den kjente feministen Betty Friedan skrev om spørsmålene til amerikanske husmødre og problemet som ikke har noe navn i boken hennes Den feminine mystikken . Kvinner som gjør mesteparten av husarbeid er fortsatt et problem, så Krugers stykke er relevant når man ser på dagens samfunn, ikke bare fortiden.

4. Judy Chicagos seminal feministiske kunstverk: Middagsfesten

Middagsfesten av Judy Chicago , 1979, via Brooklyn Museum

Judy Chicago sin installasjon Middagsfesten er en av de mest kjente kunstverkene. Denne kunstinstallasjonen består av et bord fylt med keramikk, tekstiler og porselen som minnes kjente kvinner gjennom historien. Sett som en trekant, har bordet 39 plater som hver representerer en bestemt kvinne. Noen av kvinnene som sitter ved bordet er Georgia O'Keeffe, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Elizabeth I, Theodora og Sappho. Platene skal også likne kvinnelige kjønnsorganer. Ytterligere 999 navn på kvinner er skrevet i gull på marmorgulvet under bordet.

Det tok fire år å lage stykket i alle dets fine detaljer. Installasjonen vakte stor oppstandelse da den først åpnet på San Francisco Museum of Modern Art i 1979 og 100 000 mennesker kom for å se den.

Chicagos stykke viser også broderi og annen kunstpraksis som historisk har blitt kategorisert som feminin og derfor av mindre verdi enn maleri og skulptur.

Middagsfesten er et kraftig og massivt kunstverk som hedrer og feirer kvinner, deres seksualitet og deres historiske betydning. Denne kunstinstallasjonen er permanent utstilt på Brooklyn Museum, så hvis du reiser til New York City, gå ikke glipp av sjansen til å se den.

5. Mary Beth Edelsons collage: Noen levende amerikanske kvinnelige artister/siste kveldsmat

Noen levende amerikanske kvinnelige artister/siste kveldsmat av Mary Beth Edelson , 1972, via MoMA, New York

Et annet ikonisk verk av feministisk kunst er Mary Beth Edelson 's Noen levende amerikanske kvinnelige artister/siste kveldsmat . I hennes versjon av Leonardo da Vincis Siste måltid Edelson forandret ansiktene til Jesus Kristus og apostlene med ansikter til kvinnelige kunstnere. I stedet for Kristi ansikt, ser vi ansiktet til Georgia O'Keeffe . Bortsett fra O'Keeffe, inkluderte Edelson også artister som Agnes Martin, Helen Frankenthaler, Lee Krasner , Alma Thomas og Yoko Ono . Under de svart-hvite bildene av hver figur skrev Edelson navnet på personen vi ser. Som Judy Chicago i stykket hennes Middagsfesten , Edelson er den som gir kvinner sin fortjente plass ved bordet. Det er enda flere fotografier av kvinnelige kunstnere rundt hovedbildet, hver nummerert og navngitt.

Edelson brukte også andre malerier fra kunsthistorien som Ingres De Tyrkisk bad og Rembrandts kjent verk Anatomi leksjonen til Dr. Nicolaes Tulp for hennes kunstneriske inngrep. Feministiske synspunkter er til stede selv i titlene på kunstverkene hennes. For eksempel heter hennes versjon av Rembrandts gruppeportrett Patriarkiets død / A.I.R. Anatomi leksjon . Ved å tilegne seg kjente kunstverk som Det siste måltid, Edelson stiller spørsmål ved kvinners stilling i både kunsthistorien og kirken.

6. Martha Roslers video: Semiotikk av kjøkkenet

Semiotikk av kjøkkenet av Martha Rosler , 1975, via MoMA, New York

Martha Rosler er en amerikansk kunstner som jobber i forskjellige kunstneriske medier som fotomontasje, installasjon, video, opptreden , skulptur og digital kunst . Hovedtemaene for hennes arbeid er krig og kjønn.

Hennes berømte stykke, Semiotics of the Kitchen, er en 6 minutter lang videoforestilling som satiriserer matlagingsprogrammer. Stykket ser på hvordan TV representerer kjønn.

I videoen tar Rosler på seg et forkle som imiterer en husmor, og lister opp forskjellige kjøkkenredskaper og resiterer dem fra A til Å. Mens han navngir objektene, opptrer Rosler for kameraet teatralsk og aggressivt. Kunstneren lager en parodi på kjøkkenet som typisk blir sett på som et kvinnelig rom i huset. Rosler bruker derfor parodi som en strategi for å dekonstruere ideen om kjønnet rom. Verket fungerer også som en referanse til Julia barn , en TV-personlighet kjent for sitt kokkeprogram Den franske kokken . I stedet for et muntert og glad barn, opptrer Rosler som seriøs og sint.

Rosler tar også opp spørsmål om kjønnsroller, hjemlige rom og politikk i hennes berømte fotomontasjer i serien House Beautiful (Bringing the Work Home) .

7. Jugoslavisk feministisk kunst hos Sanja Iveković Papir kvinner

Papir kvinner av Sanja Iveković , 1976-77, via MACBA, Barcelona

Sanja Iveković er en kroatisk kunstner født i 1949. Iveković var ​​en del av en gruppe unge jugoslaviske kunstnere kalt Ny kunstpraksis som dukket opp etter studentens protest fra 1968. I sitt arbeid tar Iveković ofte opp feministiske spørsmål, kjønnsforskjeller og problemer med representasjon av kvinner i media.

I hennes 1976-77 serie navngitt Papir kvinner, Iveković brukte magasinannonser med forskjellige vakre kvinner. I Ivekovićs versjon av annonsene vises kvinner som revet fra hverandre, kuttet og ripet over huden. Kunstneren viser skjønnhet som et urovekkende konsept hvor smerte og aggresjon ligger innenfor.

Du kan også legge merke til hennes feministiske synspunkter i verk som Søt vold eller Dagbok . I Dagbok bilder av kvinner i full sminke vises på den ene siden, mens brukt silkepapir og bomullspads er plassert til venstre. De skitne engangsgjenstandene til høyre viser at skjønnhetsstandarder er noe som er konstruert ved å bruke visse produkter.

Som mange andre feministiske artister viser Iveković at stereotype standarder for kvinnelig skjønnhet også kan føles begrensende og aggressiv. For Iveković er media til syvende og sist voldelige mot kvinner, og hun erkjenner smerten og volden gjennom hennes inngrep på de originale magasinbildene.