4 artister som åpenlyst hatet kundene sine (og hvorfor det er fantastisk)

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) av Daniele da Volterra , trolig ca.1545; Diego Rivera i Detroit , 1932-33, via The Detroit News; Selvportrett av Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , tidlig på 1800-tallet, via Eremitagemuseet, St. Petersburg; Portrett av Édouard Manet

Historisk sett har mange artister støtt på kundene sine—det gjør de fortsatt. Det være seg fra forskjeller i ideologi til smak, kunstnere har en tendens til å ta forhastede og noen ganger morsomme beslutninger for å gjøre et poeng. Fra renessansen til den moderne kunstbevegelsen har kunstnere fra Italia til Mexico aldri tatt lett på at arbeidet deres har blitt fornærmet, eller deres tro utfordret, og det inkluderer menneskene som skal utforskes.

1) Michelangelo Buonarroti: Den urørlige renessansekunstneren

Michelangelo Buonarroti (1475–1564) av Daniele da Volterra , sannsynligvis ca.1545, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Michelangelo er kjent for mange flotte stykker- fra hans David til hans malerier på Det sixtinske kapell taket - sementerte ham som en virtuos innen billedkunst, men hans dyktighet var ikke det eneste som gjorde verkene hans så store. I Den siste dommen , i Det sixtinske kapell er det en dristig uttalelse fra kunstneren om en bestemt person.

Var det personen som bestilte ham, pave Clement VII (Giulio di Giuliano de’ Medici)? Nei, men det var en nær paven. Michelangelo hadde et varig og generelt hyggelig forhold til Medici-familien (unntatt tiden han forrådte dem, noe han ble tilgitt for), og tjente fire store navn totalt. Tre av dem var paver under regjeringen til Medici , som var under varigheten av Michelangelos tid som arbeider i Det sixtinske kapell - noe som gjorde Biagio Martinellis klager desto morsommere.

Biagio Martinelli var den fungerende pavelige seremonimesteren under den første og andre Medici-paven, pave Leo X (Giovanni di Lorenzo de’ Medici) og pave Clement VII, som var gamle skolekamerater av Michelangelo. Den siste dommen ble fullført under regjeringen til pave Paul III (Alessandro Farnese) som ble utdannet ved domstolen til Medici og etterfølger til pave Clement VII. Det meningsløse i det han prøver å gjøre senere er desto mer morsomt på grunn av forbindelsen mellom alle disse mennene.

Nedre høyre del av Den siste dommen av Michelangelo, 1536-1541, via Musei Vaticani, Vatikanstaten

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

I henhold til Norman E. Land's En kortfattet historie om historien om Michelangelo og Biagio da Cesena , Martinelli var ikke en fan av De Siste dom under unnfangelsen, og uttalte at det var unødvendige mengder nakenhet og fordømte det.

Michelangelo tok ikke lett på det.

Han bestemte seg for å avbilde Martinelli i helvete, helt naken med en slange som biter kjønnsorganene hans, og for å legge fornærmelse til skade gjorde han et poeng av å gi den pavelige mester demoniske trekk. Det var Michelangelos måte å offentlig avvise mannen som våget å fornærme arbeidet hans. Martinelli forsøkte å få at spesifikk del fjernet av pave Paul III, men som pave Clement VII før ham, var pave Paul III på god fot med Michelangelo og forsvarte Den siste dommen .

Han fortalte egentlig Martinelli at makten hans ikke strekker seg til helvete, så det var ingenting å gjøre med å hente den pavelige mesteren derfra, noe som er helt fantastisk. Det paven bokstavelig talt sa var:

Messer Biagio, du vet at jeg har fra Gud makt i himmelen og på jorden; men min autoritet strekker seg ikke inn i helvete, og du må ha tålmodighet hvis jeg ikke kan fri deg derfra.

Absolutt brutal . Martinelli tjente fire paver, men ingen hadde ikke respektert ham på denne måten. Det Martinelli burde ha innsett var at på dette tidspunktet i Michelangelos karriere, med hans enorme forbindelser, var at mannen var urørlig.

Hadde ikke Martinelli irettesatt Michelangelos arbeid så frekt, ville vi ikke ha fått en så morsom historie knyttet til en like morsom del av et mesterverk.

2) Édouard Manet: Undergraving av de velstående

Lunsj på gresset av Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Hvem var det egentlig Manet sine kunder? Vel, de var de velstående og sofistikerte. Kunstneren malte mange kontroversielle stykker i løpet av Realisme bevegelse , og den eneste grunnen til at de var kontroversielle, er fordi de avslørte de velstående. Manet hadde en avsky for den økonomiske forskjellen mellom de rike og de fattige, og han hatet det faktum at de velstående trodde at de var fremfor alt— urørlig. Stykkene hans forsøkte å formidle hvor usant det var.

Manets Lunsj på gresset ble malt for å bringe sosial bevissthet, som mange av verkene hans. Dette stykket var ment å ut av overklassen, og nesten tulle med dem. Han ønsket at dette stykket skulle være en refleksjon av menneskene som skulle se det— den ordentlige og velstående jeg nevnte tidligere. Realismebevegelsen avviste de klassiske normalitetene i kunsten og søkte en rå og rå tilnærming.

For det første ser personene i stykket ikke engang ut som om de hører hjemme i det omkringliggende landskapet. De er malt naturtro, ja, men de ser ikke ut som de tilhøre i innstillingen på grunn av deres flathet mot bakgrunnen. Så kommer de kvinne som bader i vannet, en av to større saker i stykket som forferdet de velstående. Perspektivet til den badende kvinnen er langt unna, men Manet bestemte seg for å gjøre henne større og skille seg mer ut i bakgrunnen.

Dette fordi han ville gni salt i såret. Ikke bare var stykket ikke klassisk proporsjonert, men kvinnen i bakgrunnen bader faktisk ikke. Faktisk, på spørsmål om hva denne kvinnen gjorde, ville Manet si at hun tisser, for å legge fornærmelse til skade. Han malte henne på en slik måte å sjokkere de grandiose menneskene som besøkte salongen.

The Blonde Odalisque av François Boucher , 1752, via Alte Pinakothek Gallery, München

Den andre fornærmelsen var helt klart den nakne kvinnen som tilfeldig satt sammen med to lærde herrer med trusene hennes spredt i piknik. Manet gjorde et poeng å vise kvinnen i forgrunnen som naken, ikke naken. En naken er den idylliske kroppen i sin naturlige tilstand, noe sånt som Francois Boucher 's Rokokko maleri The Blonde Odalisque , for eksempel. Til sammenligning er Manets kvinne posert suggestivt og vinker seeren til å bli med på lunsjen deres.

Den eneste grunnen til at han i det hele tatt har en naken kvinne i stykket er fordi folk klaget over at han ikke malte nok nakenbilder, så året før Lunsj på gresset var fullført, sa han til sin venn Antonin Proust , Fint, jeg skal gjøre dem naken ... Da antar jeg at de virkelig river meg i stykker .... Ah, vel, de kan si hva de vil. Denne mannen brydde seg ikke om hva de velstående hadde å si om brikkene hans, og det viste seg.

Han valgte å satirisere hva folk typisk ville se i Salongen i motsetning til hvordan de velstående faktisk brukte tiden sin. Han trakk til og med en Ingres og møtte henne skitten fot mot publikum hvis intensjonen hans hadde vært tydelig nok. Dette stykket var ikke teknisk øyeåpnende, men reaksjonen fra seerne viste at det var dyptliggende samfunnshykleri. Synd den ble avvist fra Salongen.

Olympia av Édouard Manet , 1863, via Musée d'Orsay, Paris

Et annet verk som rystet de rike og aktet til deres kjerne, var Manets Olympia. Dette var et stykke som gjorde kom inn i salongen og tilskuerne ble rasende. Stykket var beryktet og måtte henges høyere i salongen for at det ikke skulle bli brutalisert av lånetakerne. De Olympia skulle være en ærlig tolkning av en mer prestisjefylt og utdannet prostituert, en kurtisane.

Hvorfor fornærmet dette lånetakerne? Vel, fordi den traff litt for nærme hjemmet. Hun var ektemenn til høysamfunnskvinner faktisk brukt penger på, brukt tid med og til tider verdsatt mer enn konene sine. Maleriet formidler at selv om hun ikke er den vakreste og mest elegante, er hun den mannen deres løper til fordi hun er mer enn det høysamfunnet hadde formet disse kvinnene til. Manet holdt ikke tilbake og det er det vakker . Han har en dekorert prostituert som slapper av Titian 's Venus fra Urbino som for å si, ja, hun er bedre enn deg og hun vet det. Han opphøyde uanstrengt en kurtisane til en gudinne og senket seerne til bare tilhengere av hennes innfall og forførelser.

Manet lekte ikke når han ga sitt syn på de velstående og deres idealer. Disse stykkene treffer uunnskyldende hardt og er fenomenale i sin munterhet og selvtilfredshet!

3) Diego Rivera: Kommunistisk symbolikk

Mann ved veiskillet planer av Diego Rivera , 1932, via MoMA, New York

Diego Rivera designet og startet et veggmaleri for Rockefellers i New York City. Han ga dem definitivt et fint kunstverk. Men da han måtte slutte å jobbe med det, ga han ikke nødvendigvis Rockefellers det han hadde solgt dem. Han skulle male et veggmaleri i Rockefeller Center som representerte kapitalismens makt over sosialismen. Rockefellers var helt solgt på ideen, og etter at de godkjente Riveras skisse, Mann ved veiskillet , begynte han fresken for dem. De visste at Rivera var en kommunistisk men de trodde ikke det ville være noe problem, om noe de ville bare ha en populær kunstner å jobbe med for bygningen deres.

For alle hensikter og formål, de var korrekte og Rivera ga dem det de ønsket, helt til New York World-Telegram , sa at stykket var iboende antikapitalistisk. Stor feil fra deres side, med tanke på hvordan det endte opp med å være bortkastet tid og ressurser. Rivera, som den forringede kunstneren han var, endte opp med å snuble avisen og malte Lenin så vel som den sovjetrussiske Mayday-paraden inn i stykket. Det endte med å slå tilbake da Rockefellers ikke tok godt imot at han la det i lobbyen til deres bygning.

Mann, kontrollerer av universet av Diego Rivera , 1934, via Museum of the Palace of Fine Arts, Mexico City

Rockefellers ba ham endre det, men han ga seg ikke. Originalen ble ødelagt på grunn av dette, da Rivera insisterte på en freskomaleri, så det var ikke noe som bare kunne flyttes. Det som er igjen av det opprinnelige konseptet er i hans Mann, kontrollerer av universet , som han malte i Mexico.

Rockefellers har en av de største formuene i verden og kan lett betraktes som kapitalistiske kongelige, så selvfølgelig Rivera benyttet anledningen til å sette kommunistisk propaganda i en av bygningene deres. Han kom ikke nødvendigvis tilbake på dem, men han beviste et poeng overfor media. Tilsynelatende, sa Rivera, hvis du vil ha kommunisme, vil jeg male kommunisme. Høres kjent ut, ikke sant? Manet gjorde definitivt det samme med hans Lunsj på gresset . Kunstneren snudde mediene og kapitalismen selv til den velkjente fuglen.

Selvfølgelig ville det fornærme Rockefellers siden kapitalismen er grunnlaget for deres rikdom og suksess, men han brydde seg ikke. De frekkhet Rivera hadde er forbløffende. I likhet med Manet fryktet han ikke konsekvensene, ettersom reaksjonene deres sannsynligvis bare beviste poenget hans. De fryktet kommunistisk ideologi, som var noe som Diego Rivera trofast trodde var en god ting, så han gikk videre og malte den i Mexico for å bevise at han aldri ville endre sin tro, og han angret ikke på avgjørelsen. For et krafttrekk.

4) Anne-Louis Girodet De Roussy-Trioson: Kunstnerens hevn

Frøken Lange som Venus av Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson, 1798, for tiden på visning på Museum of Fine Arts Leipzig

Nå, til inspirasjon for hele denne artikkelen, Girodet. Kunstneren fikk i oppdrag av Mademoiselle Lange å lage et portrett av henne. Han malte Frøken Lange som Venus og hun hatet det absolutt. Jeg antar at hun syntes det var usmakelig på grunn av hvordan hun virker nesten narsissistisk i stykket, cupid som holder speilet og hjelper moren sin, men også hjelper til med hennes egenkjærlighet og forfengelighet. Det er aldri en klar grunn til hvorfor hun misliker stykket, men det er bare min generelle antagelse.

Venus' fødsel av Sandro Botticelli , 1485, via The Uffizi Galleries, Firenze

For litt kontekst var Mademoiselle Lange en ung entertainer som var litt av en gullgraver. Hun jobbet i teater og på grunn av en produksjon som så ut til å ha royalistiske konnotasjoner, ble skuespillerne og forfatteren av stykket arrestert. Etter to år med fengsling slapp hun unna giljotinen på grunn av venner som hun hadde på høyere steder, noe som sannsynligvis skyldes hennes forførende natur og vilje til å lokke for penger.

The Toilet of Venus ('The Rokeby Venus') av Diego Velazquez , 1647, via The National Gallery, London

Girodet malte henne mens hun var inne hans øyne, ved hjelp av mesterverk som f.eks Venus fødsel av Sandro Botticelli og Venus toalett av Diego Velazquez som referanse. Han var en kunstner som hentet inspirasjon fra Klassisk kunst, pga treningen hans med nyklassisisten Jacques-Louis David ,mens du fortsatt er en frontløper i Fransk romantisk kunstbevegelse . Med en slik bakgrunn søkte han å gi stykket en følelse av lunefullhet samtidig som han beholdt en klassisk tone, og skapte et vakkert kunstverk. I hovedsak burde hun ha elsket dette stykket, men i stedet nektet hun å betale Girodet det han skyldte og beordret ham å få det fjernet. Som svar rev Girodet stykket fra hverandre og sendte det tilbake til henne, og malte deretter noe absolutt fantastisk.

Mademoiselle Lange som Danaë av Anne-Louis Girodet de Roucy-Trisson , 1799, via Minneapolis Museum of Art

Dette stykket var til tross for henne. Det var et satirisk maleri av hans Venus, og det drypper av symbolikk:

Han skildrer Lange som en prostituert som samler gullmynter til et ark. Gullmyntene er parallelle med historien om Danaë og Zevs, som er representativ for hennes mangel på troskap (hun var kjent for å gifte seg for penger).

Nederst til høyre er det en maske som har egenskaper som ligner på en elsker av henne, en herre, med en gullmynt i øyet, trenger jeg å si mer?

Deretter satiriserte han ektemannen Simmons – hennes siste elsker – som en Tyrkia som bærer en giftering som skal være Jupiter eller Zevs , men han prøvde å skamme hennes valg av elsker og at hun bare giftet seg med ham for penger.

Amor ser suggestivt på publikum som hjelper henne med å samle myntene, oppmuntrer hennes utroskap, inviterer publikum til å oppleve en enkel kvinne.

Så til slutt, det ødelagte speilet. Den formidler at hun ikke aksepterer seg selv for den hun er, ute av stand til å se seg selv, og hvordan Girodet ser på henne, en utroskap, forfengelig og grådig person.

Girodet holdt ingenting tilbake. Denne mannen var sint og fullstendig foraktet, noe som kulminerte i et fantastisk morsomt stykke som har så mange referanser og symboler i seg at jeg er sikker på at lånetakerne til salongens hoder snurret.

Dette er absolutt de eksempel på hva som skjer når en klient henter frem monsteret som lurer under overflaten til en foraktet artist, og hvorfor det er fantastisk .