7 viktige barokkmalerier du bør kjenne til

Barokk er fortsatt en av de mest populære og gjenkjennelige stilene gjennom tidene. Kunstbevegelsen oppsto på 1600-tallet etter at renessansestilen og manerismen gikk av moten. Den antikkens inspirerte kunsten fra renessansen var avhengig av balanse, harmoni og streng symmetrisk komposisjon, mens barokk representerte kaos og rask bevegelse. I sine barokkmalerier eksperimenterte kunstnere med uvanlige vinkler og komplekse komposisjoner, med sikte på å fange publikums oppmerksomhet.

1. Høyden på barokkmaleriet: Jomfruens død, Caravaggio

Caravaggios mørke og emosjonelle arbeid provoserte en opphetet og intens debatt på tidspunktet for opprettelsen. En advokat Laerzio Cherubini bestilte arbeidet for en karmelittkirke i Roma, men han endret hjerte i siste øyeblikk. Selv om maleriet nå blir sett på som en udiskutabel skatt, nektet kommissæren å betale for det, og fant avbildningen av Jomfru Maria som skandaløs og uanstendig. Mange mente at Caravaggio betalte en sexarbeider for å sitte for maleriet, mens andre klaget over at Jomfruens ankler så ut som de til et druknet lik.

Avvisningen av Caravaggios naturalisme hadde også sitt teologiske resonnement. Den katolske kirke mener at antagelsen om jomfru Maria skjedde uten at hun døde, noe som betyr at hun steg opp til himmelen i live. Caravaggio gikk imot denne troen, og malte Maria død, omgitt av de sørgende apostlene. Dessuten fjernet Caravaggio bevisst scenen for alle markører for hellighet. Det eneste elementet som indikerte Marys status var en tynn glorie rundt hodet hennes. Naturalisme, sorg og sorg fungerte i samsvar med barokkens idé om å fremkalle medfølelse og emosjonell respons fra betrakteren. Kirkens embetsmenn mente det imidlertid var overdrevet.

2. Piken med en perleøredobb av Johannes Vermeer

Et av de viktigste mesterverkene i den nederlandske barokken, Vermeer's Jenta med perleørering ble ignorert i nesten to århundrer. Den ble nesten ødelagt på grunn av de dårlige lagringsforholdene. Vermeer døde i fattigdom i 1675 og ble gjenoppdaget av kunstsamlere og kjennere først på 1880-tallet. Selv om det er fascinerende og fascinerende, Jenta med perleørering vakte mye mistanke siden den var så kompositorisk forskjellig fra resten av Vermeers oeuvre. Flere kunstforfalskere produserte falske Vermeers basert på dette bildet, som snart ble identifisert av kunsteksperter. Et av de mest kjente eksemplene var maleriet Den smilende jenta , malt av en venn av den legendariske kunstforfalskeren Han van Meegeren .

Vanligvis malte Vermeer hjemlige scener, mens Jenta med perleørering er et beskåret nærbildeportrett i halvprofil, der modellen ser direkte på betrakteren. Noen Vermeer-eksperter mener at modellen var Vermeers datter, Maria, mens andre går enda lenger, og antyder at hun var den bak lerretet. Selv om bevisene om Vermeers familie er begrenset, vet vi med sikkerhet at han lærte Maria å male. En versjon antyder at de mest eksperimentelle maleriene til Johannes Vermeer faktisk ble malt av datteren hans.

3. Las Meninas av Diego Velazquez

Den spanske barokkkunstneren Diego Velazquez ble den ledende maleren av det spanske kongelige hoff. Hans verdensberømte maleri Las Meninas ble bestilt av kongefamilien og ble raskt kjent i hele Europa for sin komplekse og intrikate komposisjon.

Den spanske grenen av Habsburg familien ble så skadet av århundrer med innavl, at det virket nesten umulig å oppdra et sunt barn som var i stand til å leve lenge nok til å arve foreldrenes rikdom og makt.

Den blonde jenta malt av Velazquez var Infanta Margaret Theresa, det femte og eneste overlevende barnet til den spanske dronningen Mariana av Østerrike og hennes onkel, kong Filip IV. Til tross for at hun delte de deformerte Habsburg-ansiktstrekkene, var Margaret Theresa ved ganske god helse og representerte alle håp og drømmer for familien hennes.

Infantas foreldre er også til stede i maleriet, men de er ikke umiddelbart synlige. Kongen og Dronningen som står side om side, reflekteres i speilet i bakgrunnen. Dermed finner seerne seg selv i stedet for kongelige, som var en del av habsburgernes forsøk på å demokratisere deres image. Velazquez portretterte også seg selv mens han malte portrettet deres.

4. Judith halshugger Holofernes av Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi var et sjeldent eksempel på en etablert kvinnekunstner i sin tid. Mens velstående og privilegerte kvinner spilte en viktig rolle i å bestille kunstverk siden renessansen, var det svært få som hadde muligheten til å male. Gentileschis oeuvre er sentrert rundt kvinner og deres erfaringer, ofte omhandler aspekter av vold, raseri og hevn. Snill var en overlevende etter voldtekt som måtte gjennom en lang og dehumaniserende rettssak og til og med tortur for å dømme overgriperen hennes. Voldtektsmannen, også en artist ved navn Agostino Tassi, ble funnet skyldig, men ble snart løslatt fra varetekt uten noen forklaringer.

Judith var en populær patriotisk heltinne på Gentileschis tid, og representerte heltemot og vilje til å ofre seg selv for andres sikkerhet. I følge historien i Det gamle testamente var hun en jødisk enke som forførte en assyrisk general Holofernes, og myrdet ham for å redde Jerusalem fra invasjon. Men etter hvert som årene gikk, endret representasjonen av karakteren seg. På slutten av det nittende århundre hadde bildet av Judith en uventet vri: i stedet for et symbol på feminin patriotisme, ble hun en annen dødelig kvinne , et emblem av utspekulert kvinnelig natur og blodtørst. Et slikt dramatisk skifte hadde muligens sine røtter i den overfladiske likheten til Judith og Salome, en annen gammeltestamentlig karakter som beordret halshugging av døperen Johannes.

5. Den angrende Magdalena av Georges de La Tour

Den franske barokkmesteren Georges de La Tour var en tilhenger av Carravagio, og brukte sin karakteristiske kontrast av lys og skygge. I motsetning til Caravaggio foretrakk han enkle former, og gjentok ofte det samme emnet flere ganger, helt til arbeidet hans oppnådde den perfekte, nesten minimalistiske tilstanden.

Maria Magdalena var Kristi disippel som ga avkall på sin syndige livsstil og viet livet sitt til tro. I motsetning til hva mange tror, ​​beskrev Bibelen henne aldri som en prostituert. Denne tolkningen dukket opp først på det sjette århundre, mest sannsynlig som et resultat av en feil gjort av Pave Gregor I . I sin bot viser ikke La Tours Magdalene noen overdrevne og overdramatiske følelser. Hennes bot er en personlig, indre handling av noen som angrer dypt på sine handlinger. I sin tro trenger hun ikke høylytt å fordømme sine tidligere synder. Gjenstander rundt henne kan tolkes som referanser til forfengelighet malerier som var populære på den tiden. Hodeskallen på Marias fang representerer dødeligheten mens speilet som reflekterer levende lys minner oss om den jordiske forfengeligheten hun etterlater seg.

6. Den døde Kristus sørget av Annibale Carracci

Barokkkunst var ikke en plutselig og revolusjonerende kunstnerisk oppfinnelse, men et propagandaverktøy, godkjent og designet av den katolske kirke. Mens den protestantiske reformasjonsbevegelsen hensynsløst kjempet mot religiøs kunst, bestemte katolske embetsmenn seg for å komme nærmere sine tilhengere. Kunsten måtte være relaterbar og iøynefallende, og provosere frem en følelsesmessig respons. I følge datidens katolske lære hadde sann tro ingenting med fornuft og logikk å gjøre og baserte seg utelukkende på følelser og følelser. Barokkkunst ga dette emosjonelle drivstoffet.

Annibale Carracci var en av pionerene innen italiensk barokk som utforsket den følelsesmessige rekkevidden til den til fulle. Hans maleri Den døde Kristus sørget er ikke en stoisk og stille Pieta , men en høylytt, smertefull og hjerteskjærende scene av tap og sorg. Jomfru Maria kollapset bevisstløs mens hun holdt sønnens kropp i armene, mens Maria Magdalena, Maria Kleophas og Maria Salome jamret og gråt rundt dem. I følge evangeliene var Maria Cleophas og Maria Salome de kvinnelige disiplene til Jesus som var til stede ved hans korsfestelse. De oppdaget senere den tomme graven hans.

7. Det sekulære barokkmaleriet: Rembrandts Anatomi leksjonen

Mens de italienske og spanske barokkkunstnerne fokuserte på religiøse og mytologiske scener, fokuserte tysk og nederlandsk kunst på sekulær kunst, portretter og scener fra dagliglivet. Grunnen til det lå mest i protestantismen som var en dominerende religion i disse områdene. Siden kirken forbød å ære malte bilder, måtte kunstnerne søke etter nye emner, ny ikonografi og nye beskyttere.

Rembrandt van Rijn var en av de mest berømte kunstnerne i den nederlandske barokken, anerkjent for sin unike behandling av lys og skygge. Kommisjonærene hans representerte ofte laug eller organisasjoner med flere medlemmer, som ba om å bli avbildet i et gruppemaleri. Rembrandts bemerkelsesverdige sans for komposisjon tillot ham å arrangere flere figurer uten å kompromittere noens synlighet. Det grusomme maleriet Anatomi leksjonen til Dr. Nicolaes Tulp ble bestilt av Amsterdam Guild of Surgeons. Arkivene bevarte navnene til hver person i maleriet, til og med navnene på en død mann som ble dissekert av doktor Tulp. Mannen ved navn Aris Kindt var en forbryter dømt til døden for et væpnet ran. Praksisen med å overlate kropper av avdøde kriminelle til medisinstudenter var populært, og det fant stort sett sted om høsten og vinteren for å unngå raskt forfall.