6 skumle malerier av kjente kunstnere som vil sjokkere deg

Detalj av Dante og Virgil av Willian-Adolphe Bouguereau, 1850 (til venstre); med The Face of War av Salvador Dalí, 1940 (til høyre)

Det ligger i menneskets natur å la seg fascinere av det makabre. For noen mennesker er avslappende illustrasjoner en realitetssjekk – en påminnelse om at livet ikke bare er regnbuer og enhjørninger. For andre er de en lidenskapelig interesse, en spennende besettelse eller bare noe fascinerende å se. Uansett din tilbøyelighet, er all stor kunst verdig debatt og ros. Disse opprivende skumle maleriene av kjente kunstnere vil få deg til å føle deg forstyrret, men samtidig rørt av motivet.

Hvorfor laget kjente kunstnere skumle malerier?

Judith halshugger Holofernes av Artemisia Gentileschi , 1620, via The Uffizi Galleries, Firenze

Gjennom historien har kunstnere skildret det makabre i kunsten, og utforsket temaer som død, vold og det overnaturlige. I antikken brukte kunstnere sine talenter til å regne med temaer om død og vold sett i liv og krigføring. I det europeiske Renessanse , stilte kunsten spørsmålstegn ved den strenge, overbærende kristne ideologien. I middelalderens Europa ble mørk kunst brukt for å utforske effekten av pest, alt fra det overnaturlige til det daglige. moderne billedkunst bruker urovekkende bilder for å konfrontere ubehagelige sannheter i samfunnet. Her er 6 skumle malerier som viser denne bruken av det makabre i dem.

6. Ansiktet til krigen Av Salvador Dali

Krigens ansikt av Salvador Dali , 1940, via Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam

Selv om det er rangert som #6, er dette maleriet ikke bare hederlig omtale. Faktisk, jo nærmere du undersøker Krigens ansikt , av den kjente artisten og surrealistisk maler Salvador Dali , jo mer kommer dens grusomme, men grusomme detaljer frem i lyset. Maleriet skildrer et kroppsløst hode, satt mot en ørkenbakgrunn, med et avmagret ansikt - omtrent som et lik - under angrep fra slanger. Uttrykket er dystert og forlatt, noe som var Dalís intensjon: å vise krigens styggehet. Inne i munnen og øyehulene er det identiske hoder, og i dem er det mer identiske hoder, noe som gjør dette aspektet av det uendelig — et annet ganske deprimerende konsept.

Dalí malte verket i California, 1940, og det antas å være mer stemningsfullt for den spanske borgerkrigen enn Andre verdenskrig . Den dominerende fargen er brun, med en dempet blågrønn himmel i det fjerne. Uten tvil representerer de brune nyansene krig, mens de blågrønne tonene representerer fred.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Alt i alt, Krigens ansikt er en sterk påminnelse om menneskehetens brutale og uendelige hang til konflikt.

Interessante fakta :

Håndavtrykket som er synlig i nedre høyre hjørne er faktisk SalvadorDali sin.

Gjelder også Krigens ansikt ,dalibekreftet at mye av kunstverket hans stammet fra forutanelser om fremtidige kriger.

dalihevdet at to ting inspirerte ham: libidoen hansog en generell uro når det gjaldt døden.

5. Avkuttede hoder Av Theodore Gericault

De avkuttede hodene av Theodore Gericault , 1810-årene, via Nasjonalmuseet, Stockholm

Théodore Géricault er en annen kjent kunstner kjent for sine skumle malerier. Denne grufulle illustrasjonen, merket Avkuttede hoder , bokstavelig talt skildrer dødeligheten i sin mørkeste time. Forfallet til hodene er tydelig. Til venstre har en kvinne lukkede øyne og dødelig hvit hud, mens til høyre har en mannlig hode åpne livløse øyne med munnen på gløtt. Det som er ytterligere fascinerende med komposisjonen er Géricaults bruk av mørke og lyse toner for å formidle hans intensjon – overgangen fra liv til død.

Géricault var så besatt av forestillingen om dødelighet at han var kjent for å beholde ekte parterte kroppsdeler og kadaver i studioet hans. Som flere av hans andre malerier, Avkuttede hoder ga ham et middel til å øve på å tegne de fineste detaljene til et lik.

Interessant fakta :

Halsen på de avkuttede hodene antyder at disse tidligere sjelene møtte slutten via halshugging. Men i virkeligheten er dette bare tilfellet for en av dem. Géricault skaffet seg det mannlige giljotinerte hodet fra en tyv som tidligere ble holdt i Bicêtre (et sykehus som også fungerte som dødsdømte fengsel), mens det kvinnelige hodet ble hentet fra en levende modell. Av denne grunn har det blitt utledet at Géricaults andre formål med maleri Avkuttede hoder skulle synliggjøre hvordan både menn og kvinner ofte ble ofre for halshugging via giljotinen.

Fire. Dante og Virgil Av William-Adolphe Bouguereau

Dante og Virgil av William-Adolphe Bouguereau , 1850, via Musée d'Orsay, Paris

Kommer inn på #4 er en hjemsøkende representasjon av den berømte kunstneren og franske akademiske maleren William-Adolphe Bouguereau . Først, Dante og Virgil kan ikke virke som et ekstremt skummelt maleri, men når det kobles sammen med bakhistorien, blir det en sykelig visuell opplevelse. Lerretet skildrer en scene fra poeten Dantes Guddommelig komedie . Her, Dante og hans guide, Virgil , har våget seg inn i helvete og blir stoppet ved den åttende sirkelen. Denne delen av helvete er reservert for de som begikk svindel på menneskeheten. Dante og Virgil vitner om to fordømte sjeler som er engasjert i evig kamp – en kamp til døden! En av dem er Capocchio, en alkymist og kjetter; den andre er Gianni Schicchi, en luring og bedrager. Det er Schicchi som har overhånden, biter Capocchios nakke samtidig som han knærer på ryggen.

Hva er mest imponerende med dette kunstverk – foruten det urovekkende bakteppet av demoner, et inferno og nakne skikkelser som vrir seg i smerte – er den vakre skildringen av krigerens kropper. Bouguereau har på en briljant måte fanget øyeblikkets hete, og viser frem Schicchis voldsomme styrke, flyten i mennenes positurer og den rå desperasjonen i uttrykkene deres.

Alt i alt, Dante og Virgil er en kunstnerisk jukseark , som fremhever hvordan individer alle er like i Guds øyne, og at når man blir forvist til helvete, blir man verken menneske eller dyr, men noe midt i mellom de to.

Interessant fakta :

Når det gjelder temaet for maleriet, var det en engangstilfelle av Bouguereau, noe som antydet at det mørke innholdet kanskje var for urovekkende for ham til å gjengi. . .

3. Marat IIs død Av Edvard Munch

Marat IIs død av Edvard Munch , 1907, via Munchmuseet, Oslo

Dette neste skumle maleriet trekker på mørket i den menneskelige opplevelsen, spesielt når det gjelder avslutningen av et forhold. Marat IIs død ble født fra sinnet til den norske kjente kunstneren Edvard Munch og har en helvetes historie bak seg - vel, to faktisk. Det hele startet da Munch slo opp med sin forlovede, Tulla Larsen i 1902. Kilder hevder at paret kranglet i sommerhuset hans iAagaardsstrand, og under kampen gikk en revolver av og såret Munchs hånd. Denne hendelsen traumatiserte kunstneren – som insinuerte at Larsen hadde feil – og fungerte som inspirasjon for to malerier: Marats død og Marat IIs død .

Emnet i begge titlene, Marat, refererer til Jean-Paul Marat, en fransk revolusjonær som ble myrdet i et badekar av radikale Charlotte Corday i 1793. I Marat IIs død , i stedet for at Marat og Corday er i fokus, forstås det å være Munch som ligger død på sengen, med en naken Larsen stående oppreist ved siden av seg. Hun blir sett på som morderinnen hans av to primære årsaker: såret på mannens arm – et symbol på Munch som skjøt sin egen hånd under sitt forrige tiff med Larsen – og de fysiske likhetene mellom kvinnen i maleriet og Larsen selv.

Interessant fakta :

Munch maltemens han testet ekspresjonistisk teknikker. Han utviklet en unik metode: distinkte horisontale og vertikale penselstrøk som var emblematiske for hans aggresjon og uhengslede mentale tilstand - som til slutt førte til hans sammenbrudd i 1908.

to. Elektrisk stol Av Andy Warhol

Elektrisk stol av Andy Warhol ,1967, via National Gallery of Australia, Parkes

Dette bildet skiller seg noe ut fra det nevnte, men det er et med rette skummelt maleri som burde sende en kald ranke oppover ryggraden. Elektrisk stol er ideen til den kjente artisten Andy Warhol og representerer hans begynnelse med å håndtrykke bilder på lerret og deretter oversette teknikken til papir.Det originale svart-hvitt-kunstverket fra 1964 (bildet nedenfor) var basert på et pressefotografi (1953) av dødskammeret ved Sing Sing State Penitentiary i New York og ble skjermtrykt med sølvakrylmaling.

De monokrome fargetrykkene (som den som er avbildet ovenfor) ble utviklet noen år senere da Warhol begynte å eksperimentere med komposisjon og farge.I 1980 beskrev Warhol sin nye utskriftsprosess som en betydelig endring i praksisen hans: Du plukker et fotografi, blåser det opp, overfører det i lim på silke, og ruller deretter blekk over slik at blekket går gjennom silken, men ikke gjennom limet. På den måten får du det samme bildet, litt forskjellig hver gang. Det hele var så enkelt – raskt og tilfeldig. Jeg var begeistret for det.’ (Warhol og Hackett 2007, s.28.)

Liten elektrisk stol av Andy Warhol ,1964-65, via SFMOMA, San Francisco

Hva er det mest forvirrende med Elektrisk stol serien er den politiske kontroversen rundt dødsstraffen i Amerika på den tiden, spesielt i New York City, hvor de to siste henrettelsene på Sing Sing var planlagt via elektrokusjon. Dermed gir Warhol en dyster, men svært gripende metafor for døden. Bildet er blottet for all menneskelig tilstedeværelse. Som kunsthistorikeren Neil Printz observerte, trykket er bemerkelsesverdig for sin visuelle nøkternhet og emosjonelle underdrivelse, mens tomheten og stillheten i rommet representerer døden som fravær og stillhet. (Printz in Menil Collection 1989, s.17.) I hovedsak er opuset døden som viser døden, som burde gi gjenklang hos alle som er bevisste på menneskelig dødelighet.

Interessant fakta :

Inspirasjonen bak Warhols Elektrisk stol serien var en lunsjdate med kurator Henry Geldzahler. Warhol uttalte:Vi spiste begge lunsj en dag sommeren [1962] … og han la Daglige nyheter ute på bordet. Overskriften var «129 DIE IN JET», og det var det som startet meg på dødsserien – bilulykkene, katastrofene, elektriske stoler … (Andy Warhol og Pat Hackett, POPism: The Warhol '60 s, Harcourt Brace Jovanovich, New York og London, 1980, s 75.)

1. Det øverste skumle maleriet: Massakren av de uskyldige Av Peter Paul Rubens

Massakren på de uskyldige av Peter Paul Rubens , 1610, via Art Gallery of Ontario

Kommer inn på #1 er et skummelt maleri som definitivt ikke er for sarte sjeler. Vær spesielt advart mødre: motivet er ikke bare grafisk, men ekstremt urovekkende. Massakren på de uskyldige av den kjente kunstneren Peter Paul Rubens har fått sin førsteplass på grunn av sin hensynsløse fremstilling av barnemord, som – i følge Bibelens Matteusevangelium – var en virkelig hendelse.

Enten fakta eller fabel, kunstverket har en urovekkende evne til å trekke betrakteren inn i scenen. Hvis du tar Det nye testamentes beretning, var det Judas kong Herodes den store som beordret slakting av alle de mannlige Betlehem-barna på to år og under. Hans umenneskelige rasjonalisering for kommandoen var, ikke overraskende, ego-relatert – uansett hvilken versjon av historien du kommer over. Herodes myrder enten spedbarnene på grunn av hans sinne over å bli hånet av magiene – også kjent som de tre vise menn/tre konger – eller fordi han er advart om at den forestående fødselen til et guttebarn vil tilrane seg kronen hans.

I hovedsak er dette et bevegelig lerret, med kanskje det mest fremtredende fokuspunktet som dødpunkt: moren, barnet hennes og soldaten. Kampen mellom de tre er brutalt dramatisk. Vil morens skjæring av soldatens ansikt redde sønnen hennes? Eller vil det være for intet?

Et sekundært vektområde er ytterst til høyre: soldaten klar til å drive en baby mot en allerede karmosinrød søyle, og de to kvinnene strekker seg opp for å stoppe ham. Kan de også redde den unge babyen, eller har skjebnen allerede bestemt vinneren av dette blodbadet gitt mengden livløse og blodige lik av spedbarn som er spredt rundt dem. . .

Marerittet av Henry Fuseli , 1781, via Detroit Institute of Arts

Interessant fakta :

I 1923 arvet en kvinne Massakren på de uskyldige men nektet å beholde den. Hun syntes maleriet var for grusomt - tross alt passer slakting av nyfødte og småbarn nesten ikke som vanlig hjemmeinnredning. I stedet lånte hun det til Reichersberg Abbey-klosteret i Østerrike. Den ble senere solgt kl auksjon for hele 76,7 millioner!

Oppsummert, Massakren på de uskyldige er en nøktern skildring av noe som faktisk skjeri dag. Små barn blir fortsatt massakrert, misbrukt og utnyttet, og uansett hvor mye vi måtte ønske å blokkere dette faktum, er det ugjenkallelig at: faktum . En vi ikke bør ignorere, men belyse og endre. For først da kan vi bryte syklusen av historien som gjentar seg. Først da kan vi kalle oss menneskehetens høydepunkt. Først da kan vi redde de uskyldige, de som fortjener fremtiden som vi var så heldige å ha.

De forfatter Elie Wiesel sa det feilfritt:Det kan være tider hvor vi er maktesløse til å forhindre urettferdighet, men det må aldri være en tid da vi unnlater å protestere.