10 av Arnold Böcklins mest berømte kunstverk

Arnold Böcklins kunstverk regnes som de paradigmatiske verkene til tysk symbolisme, som ga kunstneren en kultfølge i den tysktalende verden på 1800-tallet. Forfatteren Max Halbe nevner at mellom 1885 og 1890 hadde nesten alle overklassehjem i Tyskland en kopi av Isle of the Dead eller Villa ved havet av Böcklin. Masseforbruket av hans bilder bekrefter samtidens oppfatning om at Böcklin ble holdt over kollegene i offentlighetens sinn. Arnold Böcklins kunstverk, så vel som hans personlighet, påvirket yngre symbolistiske kunstnere i Tyskland og Europa. Maleriet Isle of the Dead hadde en kanonisk status utenfor grensene til tysktalende territorier, og bidro til Böcklins internasjonale berømmelse. Her er 10 av hans mest bemerkelsesverdige kunstverk.

1. Isle of the Dead , 1880-1886

Isle of the Dead er Arnold Böcklins mest kjente kunstverk, både i løpet av hans liv og i dag. Böcklin laget fem versjoner av dette skumle maleriet mellom 1880 og 1886.

Den imaginære øya på den sørlige halvkule gjenoppliver det eldgamle motivet med øybegravelse. Den stående figuren av den avdøde i hvitt og båtsmannen er i fokus for maleriet, som er et mystisk symbol ment for å styre skjulte ønsker og usagte lengsler. Som med mange av landskapene blant Arnold Böcklins kunstverk, er dette ikke et ekte sted, men en malt eller visualisert stemning.

Arnold Böcklins kunstverk er en subjektiv syntese av den indre og ytre verden. De er redigerte forestillinger om minner kunstneren hadde. Böcklin mente å representere sjelen, og lærte sine observasjoner av naturen utenat og materialiserte dem på lerretene sine. De Isle of the Dead beskrives av Böcklin som: 'Du vil drømmende kunne dykke inn i den mørke verdenen av skygger.'

2. Selvportrett med døden som spiller fele , 1872

Arnold Böcklin laget sitt mest kjente selvportrett i München i 1872. Temaet er det antitetiske forholdet mellom liv og død og betydningen av dette forholdet for kunstneren. Selv om det virker melankolsk, snakker komposisjonen om en økt bevissthet om livet. Fra hans tidligste år gjennomsyret utforskning av døden som en metafor Arnold Böcklins kunstverk. Hans hjemby, Basel, skrøt av mange varianter av Dødens dans , som kan ha inspirert kunstneren.

I Selvportrett med Death Playing the Fiddle, artisten lytter intenst til dødens melodi, og transformerer denne visjonen til en metafor for kunstnerisk inspirasjon. I tråd med datidens sensibiliteter ble kunstnerisk inspirasjon knyttet til ideen om grenseopplevelser. Hånden som holder børsten og paletten er basen som komposisjonen reiser seg fra i en pyramide som kulminerer i kunstnerens hode. Den aktive Døden er samtidig et malt attributt, kunstnerens verk. Betydningen av dette verket sees i versjonene utført av andre tyske kunstnere fra 1800-tallet, Hans Thomas , Lovis Corinth og Oskar Zwintscher.

3. Leker i bølgene , 1883

Malt i 1883, Leker i bølgene ble møtt med blandet mottakelse fra kunstkritikere, men entusiasmen for Arnold Böcklins kunst vokste raskt. På tidspunktet for den tredje internasjonale München-utstillingen i 1888 og absolutt i 1899, var manien for Arnold Böcklins arbeid i full gang. Kunsthistorikeren Cornelius Gurlitt (broren til Böcklins Berlin-forhandler Fritz Gurlitt) skrev at den tyske offentligheten betraktet dette maleriet som «en av de største bedriftene i vårt århundre».

I motsetning til den store delen av hans opus, minner maleriet om en hverdagslig hendelse Böcklin var vitne til under en ferie på den italienske kysten. Hans venn, zoologen Anton Dohrn, overrasket en gruppe kvinnelige badende, nærmet seg dem under vann og plutselig dukket opp igjen. Til tross for denne mer komiske varianten av gresk mytologi, er ikke bildet bare lekent. Fargepaletten er mørk og melankolsk, og frykten i kvinnens ansikt virker ekte nok. Vi som betrakter blir dermed konfrontert med en merkelig blanding av sensuell, skremmende og humoristisk energi.

4. Venus Anadyomene , 1872

Kort tid etter ankomst til München begynte Böcklin å jobbe med en ny versjon av Venus' fødsel i 1872. Den forrige versjonen han arbeidet med i Basel ble lagt til side, blant annet som en reaksjon på kritikken av kulturhistorikeren og vennen Joachim Burckhardt. Den lærde, som var kjent med gresk-romersk og renessansekultur , protesterte mot mangelen på delfiner og store bølger som er typiske for åstedet for Venus' fødsel.

Denne versjonen, med tittelen Venus Anadyomene , inkluderte en delfin, men en som var langt fra det Burckhardt så for seg. Sjømonsteret er kanskje en referanse til samtidens darwinistiske debatter i Europa. Venus selv motsier den tradisjonelle ikonografien til det klassiske temaet. Ifølge myten dukket hun opp fra bølgeskum eller fra et blåskjellskall. Cupids, en annen tradisjonell del av scenen, med sommerfuglvinger, kler henne i sjøskum og kroner henne med en krans.

5. Villa ved sjøen , 1865

Arnold Böcklin unnfanget denne komposisjonen i 1863, like etter at han kom tilbake til Roma, etter en vanskelig periode med arbeid i nord. Maleriet ble opprinnelig bestilt av Arnold Böcklins store støttespiller Grev Schack og ble populært. Til sammen produserte kunstneren fem versjoner av maleriet. Suksessen oppmuntret Böcklin til å fortsette å produsere lignende intensive landskap, som Isle of the Dead og Lenket Prometheus .

Scenen er klassisk, men den vekker en stemning av lengsel som minner om den nordromantiske landskapsmalertradisjonen. Dette var en tradisjon Böcklin hadde tatt til seg mens han studerte ved Düsseldorf Academy. Den tidligste skissen av komposisjonen viser et par som lener seg på en vegg i en mild kveldsdrøm. Denne senere versjonen, som alle de andre, har et mer tragisk og ensomt aspekt, med en enkelt innhyllet kvinne som ser ut mot havet. Det er en følelse av forvarsel, forsterket av vinden som blåser gjennom poplene over villaen.

6. Lenket Prometheus , 1885

Temaet for maleriet er Titan Prometheus fra gresk mytologi, som stjal ild fra gudene og ga den til mennesket. Han ble straffet for dette av Zevs, som fikk ham lenket ned til en stein, dit en ørn kom daglig for å spise leveren hans. Han ble til slutt løslatt fra denne fengslingen av Herkules .

I løpet av 1800-tallet ble Prometheus sett på som et symbol på frihet, en forkjemper for menneskeheten mot tyranni. Han ble også en prototype av kunstneren, som mottok ilden av kreativ inspirasjon fra himmelen. Bildet av Prometheus spilte en nøkkelrolle i dannelsen av tanken om Karl Marx og Friedrich Nietzsche , som begge så på seg selv som Prometheus-lignende figurer, som stjeler ny innsikt fra maktene for å inspirere menneskeheten til opprør eller selvbevissthet.

Arnold Böcklin modellerte sin egen Prometheus basert på et klassisk veggmaleri av Tityus, en gigant i gresk mytologi som led en lignende skjebne. Kunstneren ga en original tolkning av temaet ved å se for seg Prometheus i form av et undergangsfylt atmosfærisk landskap. En av Böcklins døtre hevdet at omgivelsene var inspirert av utsikten over skyene på åsene til Monte Morello ovenfor Fiesole.

7. Slaget ved Kentaurene , 1873

Et av de vanligste motivene og skapningene fra Arnold Böcklins bestiarium er halvt hest, halvt menneske, kentaur . Slaget om kentaurene , fullført i München, ble mye utstilt og ble raskt populær i den tysktalende verden. Maleriet er en hyllest til Michelangelos uferdige marmorrelieff fra 1492 Slaget ved Kentaurene , omarbeide den klassiske mytiske tropen av renessansekunst.

Storheten til temaet og stemningen talte til den tyske nasjonalismen på slutten av 1800-tallet. Enda viktigere, det gjenspeiler ideen om en kentaur som uttrykk for menneskehetens doble natur. Den viser menneskehetens dyriske impulser og ånden som driver den fremover.

Kentaurene i Arnold Böcklins kunstverk er massive, engasjert i kamp, ​​syder og spytter av raseri, med øyeepler som buler av raseri. Den moderne beskrivelsen av maleriet lyder:

'… tydeligvis i en tid da elementalkreftene fortsatt kjempet vilt med hverandre og jorden fortsatt ble holdt i kontinuerlig transformasjon av kreftene til ild og vann, ser vi levende skapninger fra denne forferdelige stormfulle perioden av planetens ungdom som står i fantastisk samsvar med skapelsen som dukker opp fra dette kaoset.»

8. Dianas jakt , 1896

Arnold Böcklins kunstverk vendte stadig tilbake til mytologiske emner. Med dette maleriet, datert til 1896, vendte Böcklin tilbake til et emne han hadde malt tidlig i sin karriere for museet i hjembyen Basel. Derfor refererer dette verket til hans ungdom, men er også en hyllest av en aldrende kunstner til den store tradisjonen med klassisk landskapsmaleri.

Inspirasjonen til dette arbeidet var en del av Ovids Metamorfoser . Episoden husker hvordan helten Actaeon blir borte under en jakt , støter på og overraskende gudinnen Diana mens hun bader naken i en vannbasseng. Gudinnen, rasende, forvandlet ham til en hjort, og han blir jaget og spist av sine egne hunder.

Böcklin bestemte seg for å male Diana bevæpnet med buen, akkompagnert av flere jegere og hunder, på jakt etter en såret hjort. De er satt i et nesten overnaturlig landskap der enkelte detaljer er behandlet med stor presisjon.

9. Idyll (Pan blant kolonner) , 1875

Den liderlige hedenske Den greske guden Pan er et av de mest repeterende motivene i Arnold Böcklins kunstverk. Med sin melankolske musikk, forstyrrer Pan den idylliske roen på en sommerdag på landet, som dukker opp blant de overgrodde og vinkransede søylene i et ødelagt tempel. Han spiller på et åttestammet sivrør, oppkalt etter arkadianeren Nymfe Syrinx, som ble reddet på flukt fra sine begjærlige fremskritt gjennom hennes transformasjon til et siv. For å trøste seg selv for sin skuffelse i kjærligheten, laget Pan et sivrør av anlegget. I hans visuelle skildringer har instrumentet fungert som Pans attributt.

Hovedelementene i komposisjonen blir behandlet som delene av et scenesett. Pan kikker ut på tilskueren over den mellomliggende sumpen og dens planteliv. Han er strippet bort fra sin mytologiske legemliggjøring av naturens krefter og antar en noe humoristisk kvalitet.

10. En taverna i det gamle Roma , 1867

Under sitt første opphold i Roma fra 1850 til 1857 deltok Arnold Böcklin på en dansefestival som inspirerte dette maleriet. I den kombinerer han fritt observerte topografiske detaljer med elementer som var ren oppfinnelse. Til høyre finner vi en av tavernaene som ligger ved Porta del Popolo, et viktig møtested for tyske malere i Roma på 1800-tallet. Til venstre er en liten rund struktur som minner om Vignolas tempel til Sant' Andrea . En ung kvinne går mot den ledet av en Amor. En hellig mann kledd i en lang hvit kappe akkompagnert av en naken ungdom har allerede nådd stedet for tilbedelse. I motsetning til dem står de dansende og syngende figurene, som symboliserer uhemmet begjær. Dikotomien minner om Apollonske og dionysiske prinsipper av Friedrich Nietzsche (som kunstneren var kjent med). Arnold Böcklins kunstverk kombinerer elementer fra en moderne sjangerscene med en hedensk festival til ære for Bacchus/Dionysius som feiret i antikken.