Kubistisk kunst for dummies: en nybegynnerguide

Flaske med Vieux Marc, glass, gitar og avis av Pablo Picasso, 1913, via Tate, London

Kubistisk kunst dukket opp i løpet av det første tiåret av det tjuende århundre, pioner av Pablo picasso og Georges Braque. Det begynte som en eksperimentell kunstform som stilte spørsmål ved måten vi oppfatter objekter på, og hvordan vi kommer til å forstå dem. Kubismebevegelsen, som mange andre bevegelser i denne perioden i historien, vendte ryggen til de tradisjonelle ideene om maleri som hadde blitt innpodet siden renessansen.

Definere kubistisk kunst

Flaske og fisk av Georges Braque , 1910-12, via Tate, London

Kubistisk kunst kan sees på som en leken samtale med kunsten, både i dens posisjon i samfunnet og dens metoder for å skildre virkeligheten. I denne samtalen ber kubismen betrakteren om å tenke, ikke bare å svare på sanseligheten av farger og linje som vi kan finne i for eksempel et impresjonistisk maleri. Faktisk, på den første visningen av en Braque eller en Picasso i løpet av deres kubistiske år, blir den forvirrede seeren slått av deres monokromatiske, uordnede komposisjoner.

Selv om kubismebevegelsen var relativt kortvarig, ville de spille en integrert rolle i historien til modernistisk kunst . Kubistisk kunst ble en innflytelse på mange andre kunstbevegelser, som f.eks Stilen og Ekspresjonisme , i sin søken etter representasjon gjennom abstraksjon. For å forstå kubistisk kunst, og for å svare på spørsmålet om ‘hva er kubisme?’ må vi fordype oss i kunsthistorien og den modernistiske bekymringen for å finne en kunstform som nøyaktig viser moderniteten.

Dannelsen av kubismebevegelsen

Åsside i Provence av Paul Cézanne , 1890-92, via National Gallery, London

Siden renessansen,det vesteuropeiske maleriet var blitt opptatt av hvordan man kan skape et rasjonelt, tredimensjonalt bilde på en flat, todimensjonal overflate; mot naturalisme og vekk fra abstraksjon . Det var selvfølgelig et mangfold av metoder for å gjøre det, og debatter om hvilket emne som skulle skildres, men faktum gjensto at kunstnere trengte å skape en illusjon av rom for betrakteren. Denne illusjonen av rom dannet synspunktet der en betrakter kunne forstå maleriet.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Naturalismen ville holde maleriets styre til slutten av det nittende århundre da kunstnere begynte å stille spørsmål ved maleriets kunstighet. Malere som f.eks Édouard Manet hadde begynt å male i en stil vi nå ser som en tidlig form for impresjonistisk maleri; Vincent van Gogh forvandlet det han så til hvordan det påvirket ham følelsesmessig. Disse kunstnerne eksperimenterte og prøvde å forstå hvordan vi oppfatter verden: er det gjennom et inntrykk av en scene, eller hvordan vi føler om en scene? Et ytterligere spørsmål vil bli stilt av Paul Cézanne : hvordan maler vi et objekt når det endrer seg hele tiden mens vi beveger oss rundt det? Objekter kommer ikke til oss fra ett perspektiv, men fra mange.

Stilleben med ingefærkrukke og auberginer av Paul Cézanne, 1893-94, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Det var Paul Cézanne som skulle starte dette prosjektet for å forstå hvordan man gjengir objekter fra flere perspektiver. Naturalismen var altså kunstig og falsk til livet; den gjengav objekter fra ett synspunkt på ett tidspunkt. Kubismebevegelsen var på utkikk etter et nytt visuelt språk som nøyaktig ville uttrykke virkeligheten.

Grunnårene

Viadukt ved L'Estaque av Georges Braque , 1908, via Smarthistory; med Horta d'Ebre av Pablo Picasso , 1909, via MoMA, New York

Picassos Damene i Avignon (1906) er ikke bare et av de mest innflytelsesrike kunstverkene i det tjuende århundre, men begynnelsen av kubismebevegelsen. Den er brå, skurrende, sammensatt av skår, og det er ikke plass for betrakteren å se inn i. Figurene er deformerte og abstraherte, og minner oss om den flate overflaten som maleriet er laget på. Imidlertid ville det være Georges Braque og hans hyllestmalerier til Cézanne som ville formulere de sentrale ideene til tidlig, også kalt analytisk, kubistisk kunst.

Braques malerier av området L’Estaque fra 1908 viste hus og trær strippet til sine nakne former – formene som utgjør objektet – på en kaotisk måte. Plassen er fortettet og lyskilden tvilsom. Braque ønsket å gjøre unna maleriets illusjonisme og konfrontere betrakteren med hva et maleri var; et todimensjonalt lerret av tegn. Da de møtte Picasso, forsøkte de å eksperimentere med denne ideen gjennom sjangeren stilleben.

Damene i Avignon av Pablo Picasso , 1906, via MoMA, New York

De ønsket å stille spørsmål ved maleriets illusjonisme og hvordan en kunstner kan skildre det de ser – for det er det grunnleggende spørsmålet for en kunstner – uten å fryse et øyeblikk. Det stillebenet ga var en måte å eksperimentere med å dekonstruere objekter, begrense plass og vise flere synspunkter. Analytisk kubistisk kunst ville blitt en unnfangelseskunst i stedet for persepsjon. Det var en intellektuell idé om hvordan vi kommer til å forstå gjenstandene rundt oss.

Det vi finner i analytisk kubisme er et kaotisk lerret av former som betegner objekter. Tittelen på maleriet vil gi en pekepinn på hva vi bør se etter. For eksempel i Braque's Mandora , vi kan tydelig se lydhullet og strengene til mandoraen, men strengene skifter konstant som om vi beveger oss mens vi ser på dem. Lerretet er bygget opp av mange overflater, vilkårlig skyggelagt for å gi betrakteren ingen innsikt i hvor lyskilden er; formene i maleriet forsvinner, og skaper en effekt av et skiftende blikk gjennom tiden. Dette maleriet leker med illusjonen av maleri, mens det undergraver den illusjonen.

Mandora av Georges Braque, 1909, via Tate, London; med flasker og briller av Pablo Picasso, 1912, via Guggenheim-museet, New York

De senere årene

Flaske rom og avis av Juan Gris , 1914, via Guggenheim-museet, New York; med Skål med frukt, fiolin og flaske av Pablo Picasso , 1914, via Tate, London

Kubismebevegelsen ville bli forvandlet i 1912 da Georges Braque bestemte seg for å feste et stykke oljeduk på maleriet hans. Dette var begynnelsen på syntetisk kubisme. Syntetisk kubistisk kunst ga Picasso og Braque en ytterligere dimensjon i leken med forestillingen om kunst. Den sene perioden med analytisk kubistisk kunst hadde integrert bruken av stensilerte bokstaver på lerretet for å minne betrakteren om dets flathet, men nå bruk av limt papir ga en inkongruent spenning på lerretet som forstyrret kunstens rike.

Braques bruk av oljeduken i komposisjonen hans signaliserte kollapsen av 'fine art.' Oljeduken ble mekanisk laget og masseprodusert, og krever derfor ingen kunstnerisk dyktighet. Faktisk sa Braque implisitt at kunst var en saga blott; en virkelig moderne uttalelse. Ferdigheten til å male naturlig var nedlagt nå som man kunne feste seg på et billig stykke materiale som så ekte ut; i Braques tilfelle var det en oljeduk som så ut som trekorn.

Bruken av collage i syntetisk kubistisk kunst var bemerkelsesverdig i måten den skapte spenning på lerretet. Ved å plassere en ekte gjenstand på lerretet ved siden av skisserte former, lekte det med forestillingen om illusjonisme og virkelighet. Denne tvetydigheten trakk oppmerksomheten til falskheten i tradisjonelt maleri og pekte mot epistemologisk forskjellen mellom kunst og representasjon. Ved å bruke en 'lav' kunstform utfordret collage, Braque og Picasso kunsten i sin kraft til å representere virkeligheten.

Den kubistiske salongen

Landskap av Albert Gleizes , 1912, via Guggenheim-museet, New York

Selv om Braque og Picasso blir sett på som pionerene i kubismebevegelsen, var de ute av offentligheten og skapte stykker for privat beskyttelse. Imidlertid dyrket andre artister som Jean Metzinger, Fernand Leger og Robert Delaunay en stil på kubistisk måte. Disse artistene var medlemmer av en gruppe kalt Seksjon D'Or og var de ledende malerne i å gjøre publikum oppmerksom på kubistisk kunst.

Disse kubistiske kunstnerne skilte seg fra Braque og Picasso på flere måter. De malte større lerreter med større temaer som motiv; bylandskap, portretter og åndelige påvirkninger var alle temaer for salongkubistene. Vi kan se i deres arbeid en okkupasjon av modernitet og skape en ny form for kunst for deres tid. De var også mye mer filosofisk tilbøyelige, og tok ideer fra den innflytelsesrike og samtidige filosofen Henri Bergson med sin idé om Duree; alt liv eksisterer i en enhet av minne og visjon.

Det røde Eiffeltårnet av Robert Delaunay, 1911-12; med Byen av Robert Delaunay , 1911, via Guggenheim-museet, New York

Denne gruppen tilbød kanskje en mer logisk tilnærming til kubistisk kunst, mens Braque og Picasso fokuserte på å leke med kunst og dens tradisjon mens de gjorde stilistiske nyvinninger. Malerne av Section D'or var opptatt av hvordan et individ ser virkeligheten i opplevelsen av modernitet, og de var opptatt av å trekke publikums oppmerksomhet mot denne opplevelsen.

Kubistisk kunst og det tjuende århundre

Kunstkritikeren av Raoul Hausmann , 1919-20; med Z 105 portaler eller Hus av Kurt Schwitters , 1918, via Tate, London

Braque og Picassos demonstrasjon av kubistisk kunst ville ha en varig effekt på modernistisk kunst. Deres utforskning av formelle uttrykk førte til at de stilte spørsmål ved kulturelle antakelser om kunst og virkelighet, en teknikk som ville bli plukket opp av Dadaisme og Surrealisme . De undersøkte den kulturelle forskjellen mellom 'høy' og 'lav' kunst, og skapte en syntese som ville åpne dører til nye kreative utforskninger.

Etter første verdenskrig ble det oppfordret til å vende tilbake til orden i maleriet; kaoset og ødeleggelsen av så mange liv førte til en revisjon av kunsten; bruke den til å undersøke kultur, ikke for å granske virkeligheten – selv om dette i det hele tatt ikke ville være vellykket fra å stoppe ulykken i årene frem til andre verdenskrig.

Guernica av Pablo Picasso , 1937, via Reina Sofia National Art Center Museum, Madrid

Dette betydde ikke tap av anerkjennelse for den kubistiske eksperimenteringen. Ved slutten av første verdenskrig hadde den kubistiske kunsten etablert seg som et nytt visuelt språk for moderniteten, og blitt en kunst. De kaotiske lerretene var nå en anvendelig metode for uttrykk. I 1937, da de nazistiske styrkene bombet byen Guernica, fikk gruen Picasso til å male sin egen gjengivelse av hendelsene for å øke bevisstheten om ødeleggelsene. Han brukte selvfølgelig også den kubistiske metoden for å uttrykke den virkeligheten; for hva var ødeleggelse annet enn pulverisering av mennesker, bygninger og landskapet til spredte skår?