Hva er performancekunst og hvorfor betyr det noe?

Av alle kunstformene som finnes i samtiden, må performancekunsten være en av de mest vågale, subversive og eksperimentelle. Fra dekker nakne kropper med maling og bryting med en vill coyote, til å gjemme seg under gulvplankene i galleriet eller rulle i rått kjøtt , har performancekunstnere flyttet grensene for aksept, og testet bredden av menneskelig utholdenhet, og utfordret oss til å stille spørsmål om kunstens natur og vårt kroppslige forhold til den. Vi ser gjennom noen av nøkkelideene rundt performancekunst, og årsakene til at det betyr så mye i dag.

1. Performance Art fokuserer på live-arrangementer

Paul McCarthy, maler, 1995, via Tate

Performancekunst er utvilsomt en vidtfavnende og mangfoldig kunststil som involverer en slags utspilt begivenhet. Noe performancekunst er en liveopplevelse som kun kan skje foran et aktivt publikum, som f.eks Marina Abramovic er svært kontroversielt Rytme 0, 1974, der hun la ut en serie gjenstander og ba publikum om å påføre kroppen hennes skade. Andre artister spiller inn forestillingene sine, og suspenderer dem for alltid, som f.eks Paul McCarthy 's Maler, 1995, der kunstneren spiller ut den overdrevne rollen som en ekspresjonistisk maler i et mock-atelier, mens han har på seg protetiske kroppsdeler. Begge kunstnerne utfordrer oss på ulike måter til å tenke på kroppens forhold til kunstverket.

2. Performance Art er en av de mest radikale kunstformene

Radikal musiker og performancekunstner John Cage på scenen i 1966, via North Country Public Radio

Fra de tidligste dagene har performancekunst vært en av de mest radikale og grensesprengende kunstformene. Performancekunstens historie spores ofte tilbake til Dadaisme og Futurisme tidlig på 20thårhundres Europa, da artister begynte å iscenesette anarkiske, voldelige forestillinger rettet mot å sjokkere våkne publikum i kjølvannet av krigen. Men det var ikke før på 1950-tallet at performancekunst ble anerkjent som en kunstform i seg selv.

Black Mountain College i North Carolina er allment anerkjent som fødestedet til performancekunst. Ledet av den revolusjonære musikeren John Cage , samarbeidet lærere og studenter om en serie tverrfaglige arrangementer som smeltet sammen musikk, dans, maleri, poesi og mer til en enkelt helhet, og utvidet sine praksiser på nye og enestående måter gjennom lekende samarbeid. De kalte disse eksperimentelle hendelsene «Happenings», og de ga opphav til performancekunst gjennom 1960- og 1970-tallet.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

3. Performance Art har nære bånd med feminisme

Hannah Wilke, Gestures, 1974, via Landmarks College of Fine Arts, Texas

I løpet av 1960-årene var performancekunst en spesielt populær kunstform blant feministiske kunstnere, inkludert Carolee Schneeman , Yoko Ono , Hannah Wilke, Linda Montano og Tehching Hsieh. For mange feministiske artister, performancekunst var en sjanse til å gjenvinne kroppen deres fra århundrer med mannlig objektivering, og for å uttrykke deres raseri og frustrasjon over undertrykkelsessystemer. For eksempel i bevegelser, 1974, Wilke dytter, drar og strekker huden i ansiktet hennes, og gjenvinner huden hennes som sin egen lekeplass.

4. Det bryter ned barrierer mellom kunstformer

Performancekunst av Marvin Gaye Chetwynd, som slår sammen elementer fra teater, kostyme, dans og skulptur til ett, via Artsy

Performancekunst er en av de mer inkluderende kunstformene, som inviterer til flerfaglige måter å lage kunst på, og oppmuntrer kunstnere fra ulike disipliner til å samarbeide. Kryssbestøvningshandlinger og deling av ideer har åpnet opp for et helt nytt vell av kreative muligheter, som vist i Marvin Gaye Chetwynd sine overdådige og altomfattende arrangementer som kombinerer teater- og kostymeforestillingen med skulptur og dans.

Dan Graham, utøver, publikum, speil, 1975, via MACBA Barcelona

Noen artister inviterer også publikum til å spille en aktiv rolle i forestillingen, for eksempel Dan Grahams Utøver, publikum, speil, 1975, der han spilte inn seg selv mens han opptrådte foran et speil, mens han ble overvåket av en fanget folkemengde.

5. Det tester menneskelig utholdenhet

Joseph Beuys, I Like America and America Likes Me, 1974, MoMA, New York

En av de mest fascinerende, men likevel urovekkende aspektene ved performancekunst er når kunstnere presser kroppene sine inn i ekstreme liv- eller dødssituasjoner, og tester styrken til menneskelig utholdenhet. Joseph Beuys spilte med fare i sin legendariske forestilling fra 1974 Jeg liker Amerika og Amerika liker meg , ved å stenge seg inne i et galleri i tre dager med en vill prærieulv. Her ble coyoten et symbol for det ville, pre-koloniale terrenget i Amerika, som Beuys hevdet fortsatt er en utembar naturkraft. Beuys beskyttet seg mot coyoten ved å pakke kroppen inn i et filtteppe og holde en kroket stokk.

6. Det er ofte en form for politisk protest

Pussy Riot, Punk Prayer: Mother of God, Drive Putin Away, 2012, via The Atlantic

Mange kunstnere har visket ut grensene mellom performancekunst og politisk protest, og iscenesatt kontroversielle hendelser som vekker ubehagelige sannheter om klimaet de lever i. En av de mest profilerte, politiserte handlingene innen performancekunst varPussy Riot's Punk bønn, 2012. Tre medlemmer av gruppen fremførte en punkbønn i Kristus Frelserens katedral i Moskva, og kritiserte russiske myndigheters undertrykkende natur og deres tvilsomme forbindelser med den katolske kirken, mens de hadde på seg deres varemerke i fargerike klær og balaklavaer. Selv om russiske myndigheter arresterte og fengslet kunstnerne, har deres innflytelse på kunstneraktivister vært dyp, noe som viser hvordan performancekunst kan være et kraftig verktøy for selvuttrykk i de mest utfordrende tider.