Hva er minimalisme? En gjennomgang av den visuelle kunststilen

2000-skulpturen av Walter DeMaria , 1992, via LACMA

Minimalismen forvandlet moderne kunst slik vi nå kjenner den. I stor grad fokusert på musikk og estetikk siden 1960-tallet, satte dens skulpturelle forfedre Donald Judd, Robert Morris og Sol LeWitt ballen i gang for en flere tiår lang søken etter kreativ frigjøring. Denne historiske oversikten beskriver dens metamorfose gjennom tidene.

Hvem inspirerte minimalisme?

nr. VI / Sammensetning nr. II av Piet Mondrian , 1920, via Tate, London

Modernismens reduksjonistiske tendenser la et minimalistisk grunnlag lenge før begrepet materialiserte seg. Selv om New York City til slutt inkuberte sjangerens popularitet på midten av 1900-tallet, dateres dens opprinnelse så tidlig som i 1915, da avantgardekunstneren Kasimir Malevich malte sin egensindige Svart firkant . Sammen med Vladimir Tatlin interesserte de russiske lederne seg spesielt for å smelte sammen ny teknologi med hverdagen, og kompilere vanlige gjenstander for å barbere kunst ned til sin sanneste form. Malerier tjente ikke lenger som objektive speil av et tredimensjonalt samfunn, men snarere selvrefererende objekter, som utforsker måtene en overflate kan overvinne sine egne fysiske begrensninger på. Andre banebrytere som den nederlandske abstraksjonisten Piet Mondrian, hvis enkle, men kraftige malerier belyste flathet på lerret, fortsatte denne praksisen gjennom 1920-tallet. Tidlige abstrakte komposisjoner som hans nr. VI (1920) avsløre dette generasjonsønsket om å eliminere figurative teknikker, og redusere virkeligheten til en rekke geometriske former.

Homage To The Square av Josef Albers , 1959, via Guggenheim-museet, New York

Disse forløperne katalyserte en objektiv revurdering av hva det innebar å være kunstner. Dette kan i stor grad tilskrives 1920-tallets anerkjennelse av Marcel Duchamp, som korstog mot ideen om at kunst bare skulle være følelsesmessig motivert. Han mente all revolusjonær kunst burde tvinge seerne til ytterligere å avhøre maktsystemer, og dermed avdekke en dypere mening. I 1937 testet proto-minimalistisk billedhugger Constantin Brancusi denne forestillingen ved å reise til Romania og reise sin 98 fot høye Endeløs kolonne , et rombisk tårn som hyller falne lokale soldater. Maleren Josef Albers sementerte deretter minimalistiske ideer innen moderne kunstutdanning ved å understreke illusjonær billeddybde gjennom hele sin stilling i Black Mountain College. Hans Homage To The Square (1950) eksemplifiserer disse nøkkelprinsippene gjennom kontrasterende farger, former og skygger, forankret i empiriske designstudier. Følgende fulgte Color Field-malerne Ad Reinhardt og Mark Rothko snart ledet en ny visuell stil, som understreket estetisk enkelhet og pigmenterte paletter.

Når begynte minimalismen?

Installasjonsvisning av 16 amerikanere av Soichi Sunami , 1959, via MoMA, New York

Originale minimalister hadde til hensikt å produsere enda mer bokstavelige skildringer av verden rundt dem. Ved å tro at kunst bare skulle referere til seg selv, flyttet mange fra billedmaleri til skulptur eller trykking for å forbedre teknikkene sine. Frank Stella, generelt ansett som den første amerikanske minimalisten, brøt ut på New York-scenen med et dundrende klang i 1959 takket være hans berømte Svarte malerier. Vist frem på MoMAs seminal 16 amerikanere utstilling, denne serien med stripete lerreter strukket over taggete trerammer, ved siden av presedenser fra Willem de Kooning og Franz Kline. Fravær av noe menneskelig preg, antok Stellas abstraksjon også egenskapene til dens gitte plass, mens den forble helt flat, deadpan og vågal, blottet for subjektiv beslutningstaking. Han sikret disse grunnleggende svarte maleriene slurvete, men likevel med overbevisning, og bekjente at de var gjenstander stolt. Hans ikoniske 1964 sitat senere utviklet seg til et teoretisk mantra for minimalister over hele verden: det du ser er det du ser.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Green Gallery-utstillingen fra 1964

Uten navn av Donald Judd , 1963, via The Judd Foundation, New York

I løpet av året blomstret en visjonær kreativ lineup på New Yorks Green Gallery. Kurator Richard Bellamy koordinerte en sentral utstillingsserie Ny jobb å paradere kommende stemmer på tvers av en rekke medier. Konstruert av kommersiell kryssfiner, svingte Robert Morris sin Uten tittel (Corner Piece) (1964), innrammer rommet fra et nytt utsiktspunkt. I mellomtiden, Og Flavin avduket hans legendariske fluorescerende situasjoner, reaksjonen som beviste at dagligdagse materialer veltalende kunne infiltrere høysamfunnet. Flavins gull, rosa og rødt, rødt (1964), Minimalistens første gulvverk noensinne, sto blant andre elektriske kunstverk som ble utstilt. Rabberi Donald Judd debuterte også som seriøs billedhugger her mindre enn ett år tidligere med sitt slående Uten tittel (1963) , med i totalt fem show i løpet av den korte belegget. Til tross for sammenblanding på Green, stemplet imidlertid ingen av disse pionerene seg selv som minimalister. Ledende forskere forpliktet seg til å utarbeide et nytt vokabular for å beskrive denne monumentale bevegelsen.

Essays publisert om minimalisme

En og tre stoler av Joseph Kosuth , 1965, via MoMA, New York

Kritiske essays publisert gjennom midten av 1960-tallet etablerte til slutt et utbredt minimalistisk paradigme. I 1965 ga Donald Judd ut sin avhandling Spesifikke objekter , gjennom hvilken han faktisk avviste kirkesamfunnet minimalisme. I stedet hevdet han at sjangeren burde anerkjennes som spesifikke objekter, ergo en kunstnerisk kategori som ikke lett kan klassifiseres som kun maleri eller skulptur. Vanligvis smeltet minimalister disse to mediene på skrå, og snudde tradisjonelle europeiske konvensjoner til fordel for fenomenologi . (Denne filosofiske studien veide subjektiv erfaring fremfor objektiv sannhet, og understreket hvordan responsene på et kunstverk varierer mellom kontekster.) De fleste fokuserte også på å replikere tredimensjonale objekter så nært som mulig, utrydde forfatterskap gjennom industrielle verktøy og klumpete, ikke-konformistiske konfigurasjoner. På grunn av denne økte bekymringen med unnfangelse i motsetning til prosedyren, dukket også minimalisme opp i samsvar med Konseptuell kunst. Milepæler som Joseph Kosuths En og tre stoler (1965) proklamerte tiårets spørsmål : er det kunst, en gjenstand eller ingen av delene?

Primære strukturer På det jødiske museet

Installasjonsvisning av primære strukturer: yngre amerikanske og britiske skulptører , 1966, via The Jewish Museum, New York

Minimalismen traff sin storhetstid i 1966. Det året var The Jewish Museum vertskap Primære strukturer, en storfilm med over 40 fremtredende artister. Organisert i ti gallerirom atskilt av en undergang, fikk utstillingen også positiv mediesuksess fra tidlig i sin funksjonstid. Nøye kuraterte vegger presenterte nylige resultater av den relativt eminente Tony Smith sammen med Sol LeWitt, som avduket sin Uten tittel (1966) , en tregulvskulptur som profeterer hans senere arbeid. Primære strukturer lanserte også spirende kreative som Anne Truitt i søkelyset med Sea Garden (1964) , senere kjent for sine store installasjoner. Malerier på kanten av minimalisme og fargefelt, som Ellsworth Kellys Blue Disc (1963), også dukket opp. Ved å gjøre dette, Primære strukturer for alltid forvandlet ideen om et gallerirom, og satt i forgrunnen for et sammenhengende konsept i stedet for å undersøke dets individuelle deler. Den ideelle kunstneren skapte ikke lenger bare. Nå setter disse drømmerne ut for å designe.

Systemisk maling På Guggenheim

Lawrence Alloway installerer systemisk maling , 1966, via Guggenheim-museet, New York

Andre institusjoner etterlignet raskt denne tradisjonen. I september 1966 feiret The Guggenheim Systemisk maling , en sammensmelting av amerikanske kunstformer som Hard-Edge og formede lerreter. Geometrisk abstraksjon ble foretrukket ved denne presentasjonen av New Yorks beste talent, selv om en beskrivelse av minimalisme manglet i hele katalogen. Uansett hvor målbevisst denne avgjørelsen ble, virket kunstnerne som ble vist utvilsomt minimalistiske. Neil Williams Sartorial Habits of Billy Bo (1966) hang vinkelrett på Frank Stellas Wolfeboro IV (1966) i High Gallery, to perler blant en gjensidig avhengig lineup. Vestlige utstillingsrom endret seg generelt rundt denne tiden også, med klassiske museer som utvidet pliktene. kunsthaller, en tysk versjon av et moderne gallerirom, begynte å dukke opp over hele Europa, regimentert basert på rotasjon. Co-ops som New Yorks Artists Space ga kontinuerlig plattformer for innovatører for å uttrykke unike hypoteser. De resulterende anmeldelser rabbet, og fremmet offentlig oppfatning av hva minimalisme virkelig kan bli til.

Et skifte mot post-minimalisme

Uten tittel (L-Beams) av Robert Morris , 1965, via The Whitney Museum, New York

På slutten av 1960-tallet divergerte minimalismen til ulike teorier. Robert Morris ledet an med Notater om skulptur 1-3 , hans essays fra 1966 som angir et formelt rammeverk for jevnaldrende å forfølge. Spesielt evaluerte han Gestaltpsykologi, som angir en ordnet helhet er større enn summen av dens komponenter. Morris artikulerte fullt ut denne implikasjonen ved å stresse deler bundet sammen [for å] skape en maksimal motstand mot perseptuell separasjon, og krever ingen regulerte enheter eller symmetriske intervaller. Ved å teste dette premisset tidligere, hadde han aktualisert sin mest bemerkelsesverdige skulptur til dags dato, (Uten tittel) (L-Beams). Tre identiske L-formede polyeder balansert i distinkte posisjoner, avhengig av hverandre mens de lurer seerne til å oppfatte varierende størrelser. (Den hadde en annen samling hver gang.) Senere ville han også postulere hvordan et arrangement av deler er et bokstavelig aspekt av tingens fysiske eksistens. Denne økte tiltrekningen til kompromissløse materialer satte scenen for det som senere skulle bli kalt post-minimalisme.

Nedgravd kube som inneholder en gjenstand av betydning, men liten verdi av Sol LeWitt , 1968, via The No Show Museum, Zürich

Mens minimalismen blomstret inn i en annen fase, avslørte disiplene sine røtter. Sol LeWitt tok Morris modell videre i 1967 da han sirkulerte essayet sitt Avsnitt om konseptuell kunst. Ansett av de fleste for å være bevegelsens offisielle manifest, bekreftet han at hvordan kunstverket ser ut ikke er så viktig. Snarere, mente LeWitt, uansett hvilken form den til slutt måtte ha, må den begynne med en idé, og forkynte herved at det er prosessen med unnfangelse og realisering som kunstneren er opptatt av. Disse prinsippene fulgte ham gjennom hele hans betydningsfulle førti år lange karriere, men han hevdet å forlate minimalismen helt i 1968. For å markere sitt farvel, komponerte han deretter Nedgravd kube som inneholder en gjenstand av betydning, men liten verdi , bokstavelig talt begrave en kube i en lokal hage. I dag er det bare fotografier igjen fra denne flyktige begivenheten, som varsler bortgangen til en svunnen epoke. LeWitt døpte det døden til forfatterens holdning.

En ny generasjon av post-minimalister

Spiralbrygge av Robert Smithson , 1970, via The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

På begynnelsen av 1970-tallet utviklet minimalismen seg til flere separate artistavleggere. Forfedre Judd og Morris inspirerte Process artist Richard Serra, hvis stedsspesifikke skulptur Shift (1972) demonstrerer en post-minimalistisk nysgjerrighet med å blande utendørs og innendørs konvensjoner. Selv om hans første inntog i villmarken noensinne, oppfant han ikke helt hjulet. Landsmannen Robert Smithson kompilerte Spiralbrygge to år tidligere, en virvellignende struktur laget av seks tusen tonn svarte steiner. Andre landartister, som Walter De Maria, hoppet på denne vognen også. I mellomtiden, den begynnende Bruce Nauman hyllet Flavin ved å delta i lysinstallasjoner utenfor med neon La Pitch (1972) . Ikke alle kritikere gledet seg over denne kreative kjepphest. Historiker Michael Fried skrev en skarp analyse for Kunstforum på slutten av 1960-tallet , anklager minimalister for å drive ideologi fremfor kunst. Mens han erkjente dens betydning, avviste Fried også Minimalismens iboende teatralitet. Et nødvendig oppgjør gikk opp i horisonten.

En feministisk revolusjon innen kunst

Alene er vi maktesløse Sammen er vi sterke av Se Red Women's Workshop , 1976, via The Victoria and Albert Museum, London

Et opprør oppsto snart i løpet av 1974. Fremme en utstilling kl Leo Castelli-galleriet , en naken Robert Morris pustet brystet dekket av gullkjeder, fotografert ta på seg en hjelm fra nazitiden. Demonstranter som tidligere deltok i Civil Rights Movement, tok med rette over dette fordomsfulle portrettet, og ba om tilbakekalling av bildet. Spesielt var mange motstandere kvinner som deretter dreide seg om å fokusere på det bredere spørsmålet om kjønn og raselikhet. Det som fulgte kan bare beskrives som en fenomenal dominoeffekt, som snurrer hvert hjørne av den moderne industrien. Kvinnelige artister som sluttet seg til feminismens andre amerikanske bølge tok til gatene til stakittgallerier eller museer antas å fremme urettferdig praksis. Snart grunnla alle kvinnelige mastheads magasiner som f.eks kjetterier, og avhandlinger som Linda Nochlins Hvorfor har det ikke vært noen store kvinnelige artister sirkulerte kloden. Feministiske løpesedler som erklærer at vi er sterke, malte en fremtid rik på mangfold.

Middagsfesten av Judy Chicago , 1974, via Brooklyn Museum

Snart manifesterte denne feministiske styrken seg i kunsten. Vanguards aksjonerte mot det mannsdominerte post-minimalistiske feltet ved å ta sikte på å detronisere makt ubalanser og brutalitet. Judy Chicago var kaptein for denne jakten The Dinner Party (1974) , en keramisk skulptur som viser en seremoniell bankett. Her hviler gullbeger og porselenmalt porselen ved siden av dekkebrikker som representerer fremtredende kvinner fra historien, og gjenbruker den stereotype hjemlige sfæren. (Chicago satte opp Feministisk studioverksted og Kvinnebygget også.) Håndlagde, håndverksbaserte og symbolske komposisjoner vokste også fra et ønske om å undergrave status quo. Lynda Benglis eksperimenterte samtidig med å helle harpiks for å fremstille Eat Meat (1975) , samtidig som Eva Hesse oppnådd en lignende uttelling gjennom lateks, glassfiber og plast. Nancy Graves brukte rester av dyreskinn og bein i sin anerkjente serie Kameler (1968) og Out Of Fossils (1977), skulpturer så naturtro at de nesten er uhyggelige. Økt innsats for å dekonstruere den minimalistiske monolitten tok tak i løpet av de kommende tiårene.

Minimalisme i senere år

Uten navn av Donald Judd , 1991, via MoMA, New York

Likevel falt ikke jomfruminimalister helt av radaren. Judd arbeidet til sin død i 1994, og forstørret bruken av ikke-konvensjonelle verktøy til både aluminium og emalje. I Uten tittel (1980) , han regenererte et tidligere stabelmotiv gjennom stål, aluminium og plexiglas, og passet nøye på hver detalj. Deretter arrangerte Judd fem fargerike søyler i emaljegulvskulpturen sin Uten tittel (1991), utslette spor av et kompositorisk fokuspunkt. Walter De Maria installert 2000-skulpturen et år senere i Zürich, og plasserte to tusen polygonale gipsstenger over Kunsthaus. LeWitt vendte seg deretter til skriblerier som Veggtegning #1268 (2005), gjengitt direkte på en gallerivegg for å ligne en skulptur. Selv om Morris byttet figurativt arbeid på 1970-tallet, vendte han uunngåelig tilbake til skulptur med Bronseport (2005), en kor-ti stålbue som deler en hagepaviljong i Italia. Han minnet en siste forestilling på Leo Castelli Gallery før han døde i 2018.

Minimalisme i visuell kunst i dag

Veggtegning #1268 av Sol LeWitt , 2005, via The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

I dag brukes minimalisme oftest som et dagligdagsord for å betegne enkelhet. Strippet ned til dets essensielle, strekker sjangerens ettervirkninger seg fra hjemmeinnredning til biler, filmskaping og til og med skriving. Innenfor kunstsfæren fremkaller minimalisme unektelig minner fra en radikal tid i menneskets historie, en fremadrettet kamp for frihet mange fortsatt kjemper i dag. Uansett hvor utilsiktet dette måtte ha vært, innledet det en mer demokratisk kunstnerisk æra, en der kvinner, fargede og andre marginaliserte grupper faktisk hadde råd til en plass ved bordet. Minimalisme brøt også ned barrierer mellom typiske medier og revolusjonerte samtidig både kunstner- og seeropplevelsen. Ved å gjøre det demonterte dets etterfølgere effektivt etterkrigstidens amerikanske kunstneriske hierarki, en gang kommandert av innflytelsesrik kritiker Clement Greenberg. Disse konsekvensene kan aldri reverseres. Men for de frafallne minimalistene som søkte et første opprør på 1960-tallet, er kanskje dette akkurat poenget.