Hvordan Clement Greenberg formet modernistisk kunst

Newfoundland av Helen Frankenthaler , 1975, Privat samling

Den anerkjente kunstkritikeren Clement Greenberg var en av de mest innflytelsesrike og respekterte stemmene i de 20.thårhundre. I dag kjent som stemmen til amerikansk kunst, gjorde hans dristige og frittalende feiring av amerikansk abstrakt kunst på 1940- og 1950-tallet kunstnere bl.a. Jackson Pollock, Willem de Kooning og Barnett Newman inn i kjente navn. Ved å tro at kunst burde destilleres ned til sine reneste, enkleste og mest poetiske egenskaper av linje, farge og flat overflate, påvirket Greenbergs ideer en hel generasjon, og førte til at de skapte noen av de mest ikoniske kunstverkene gjennom tidene. Modernismen, skrev han, brukte kunst for å vekke oppmerksomhet til kunst.

Clement Greenbergs tidlige ideer

Clement Greenberg , 1982, Kunstavisen

Clement Greenberg ble født i Bronx av jødisk-litauiske immigranter, og studerte engelsk litteratur ved Universitetet i Syracuse. Etter endt utdanning drev han mellom jobbene før han fant veien inn i bandet av forfattere og kritikere som kalte seg New York Intellectuals , inkludert Susan Sontag og Harold Rosenberg. Mange var jødiske og tok til orde for venstreorientert politikk, og integrerte litteraturteori med marxistisk tro, men de avviste Stalin, og heller mot trotskismens liberalistiske ideer.

Mange av Greenbergs ideer kom opprinnelig fra Karl Marx, spesielt troen på at abstrakt avantgardekunst var et dristig og revolusjonært trekk bort fra undertrykkende politiske regimer ledet av nazistene eller kommunistene. En annen stor innflytelse på Greenbergs ideer var den tyske kunstneren og pedagogen Hans Hofmann. I 1938 og 1939 gikk Greenberg til flere av Hoffmanns forelesninger som understreket viktigheten av en formell kunstforståelse, hvor farge, linje, overflate og forholdet mellom plan på en flat overflate ble ansett som viktigere enn figurativt eller litterært innhold.

Vi feirer avantgarden

Nok av Hans Hoffman , 1960, Privat samling

Mye av Clement Greenbergs tidligste kritiske forfatterskap dukket opp i New Yorks liberale Partisan anmeldelse , og var sterkt påvirket av ideene til Hans Hoffmann. Det var i Partisan anmeldelse at Greenberg publiserte det første av sine mest innflytelsesrike essays, med tittelen Avantgarde og Kitsch, 1939, som dannet grunnlaget for mange av hans fremtidige ideer.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

I essayet argumenterer Greenberg for at avantgardekunsten på begynnelsen av 20-talletthårhundre var den eneste levende kulturen som fortsatt eksisterte, mens fremveksten av kitsch, populært eller masseprodusert materiale var en stor trussel mot dens eksistens. Ved å argumentere for at kitschbilder var et biprodukt av et klebrig, billig industrialisert samfunn, hevdet han sterkt at både kunst og litteratur skulle tilby en vei til en høyere sannhet utover dette fornedrede språket. Denne troen på den samfunnsmessige betydningen for en høy avantgardekunst fokusert på prosess og eksperimentering var nøkkelen i alle Greenbergs ideer om kunst, og kom til å informere hans fremtidige essays om kunstteori og -praksis.

En ny Laocoon

Bare ett år senere publiserte Clement Greenberg det andre av sine instrumentelt viktige essays: Mot en nyere Laocoon , 1940. Teksten var en fortsettelse av Gotthold Lessings berømte artikkel Laocoon: Et essay over grensene for maleri og poesi , utgitt i 1766. Lessing hadde begynt å skille mellom ulike kunstneriske medier, inkludert poesi, maleri og skulptur, og argumenterte for hvordan hver hadde sitt eget distinkte utviklingsspråk som vi burde gjenkjenne og verdsette.

Med utgangspunkt i Lessings essay skisserte Greenbergs ideer en historisk begrunnelse som beskrev hvor opprinnelsen til moderne maleri hadde kommet fra og hvor det nå var på vei. Han hevdet at maleriet hadde blitt stadig flatere siden historisk tid, og beveget seg utover narrativt eller litterært innhold mot en vektlegging av abstrakt mønster og overflate, skrift, men viktigst av alt, bildeplanet blir grunnere og grunnere, flater ut og presser sammen fiktive dybdeplan til de møtes som ett på det virkelige og materielle planet som er den faktiske overflaten av lerretet.

Abstrakt ekspresjonisme

Gule øyer av Jackson Pollock , 1952, Tate

Gjennom 1940-tallet bosatte Clement Greenberg seg i Greenwich Village-området i New York hvor han jobbet som redaktør for Partisan anmeldelse, assisterende redaktør for Kommentarmagasin og kritiker for Nasjonen . Han var en av de første som oppdaget og forkjempet arbeidet til den spirende abstrakte ekspresjonistiske skolen inkludert Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell og David Smith, og gjennom hans forfatterskap ble karrieren til disse artistene lansert i et internasjonalt søkelys. Etter hvert som karrieren deres vokste, ble det også Greenbergs, og han ble en gigant i den amerikanske kunstscenen, og begynte som foreleser ved Black Mountain College, Yale University, Bennington College og Princeton University hvor han hadde en markant innflytelse på neste generasjon kreative tenkere.

Uten tittel B av Robert Motherwell , 1970, Tate

The Crisis of the Staffeli Picture

Flere essays publisert i løpet av 1940-tallet tillot Greenberg å utvide sin argumentasjon for viktigheten av abstrakt maleri, bl.a. Abstrakt kunst, utgitt i 1944, og The Crisis of the Staffeli Picture, 1948. I sistnevnte tekst introduserte han det radikale og innflytelsesrike konseptet med helhetsbildet, og beskrev en forflatet, repeterende tendens i amerikansk kunst som praktisert av Jackson Pollock, Lee Krasner og Barnett Newman som et desentralisert, polyfonisk, all-over maleri, som smeltet inn i ren tekstur, ren sensasjon. Han argumenterte også for at all-over-maleri hadde kommet til som en logisk reaksjon på et industrialisert, kapitalistisk samfunn, der alle hierarkiske distinksjoner er uttømt … ingen områder eller erfaringsrekkefølge er verken iboende eller relativt overlegne noen andre.

Gotisk landskap av Lee Krasner , 1961, Tate

Greenberg mot Rosenberg

En av Clement Greenbergs største rivaler var hans medkunstkritiker Harold Rosenberg; ryktene sier at de noen ganger nesten havnet i håndjern under sine heftige debatter. Selv om det var mange overlappinger mellom ideene deres, berømmet Rosenberg det han kalte Action Painting, en tråd av abstraksjon basert på energiske, performative gester som ble praktisert av Jackson Pollock, Franz Kline og Arshile Gorky. Rosenberg støttet også forskjellige abstrakte ekspresjonistiske kunstnere som hadde brakt figurative eller narrative elementer tilbake til sine frie, uttrykksfulle malerier som Willem de Kooning og Philip Guston.

Kvinne av Willem de Kooning , 1952, Metropolitan Museum of Art

Derimot presset Greenberg frem sin støtte for en renere, renere abstraksjonsstil, og avviste aktivt de Koonings siste figurative studier. I stedet flyttet han støtten mot Washington Color School Painters som Barnett Newman, Kenneth Nolan og Anne Truitt, som praktiserte et avspent, minimalt språk basert på de optiske følelsene av flate fargemønstre. I sitt essay amerikansk maling, I 1955 argumenterte Greenberg for at denne nye malerskolen ledet en naturlig fremgang til ekte modernistisk kunst.

Modernistisk maleri

Etter hvert som Clement Greenbergs ideer utviklet seg, ble de stadig mer polariserte og ekstreme. Når fremveksten av kitsch, flerlags Pop Art ,og Neo Dada-stiler begynte å dukke opp gjennom New York-artistene Robert Rauschenberg og Jasper Johns, Greenberg kjempet enda hardere tilbake. Han kjempet høyrøstet mot argumentet om at modernistisk maleri må være en reduksjonsprosess som skiller det fra andre medier eller metoder. Han hevdet videre at abstraksjon var en logisk og nødvendig utvikling i moderne kunst som strippet kunsten tilbake til dens bareste, mest destillerte essens, som han beskrev som den naturlige progresjonen for formalismen, en teori først fremsatt av kunstkritiker Roger Fry tidlig på 20thårhundre.

Disse ideene ble eksemplifisert i Greenbergs mest ikoniske essay, Modernistisk maleri, 1961. Han argumenterte for at maleri til syvende og sist burde være en «ren» aktivitet, og avviste enhver form for referanse til omverdenen, inkludert følelsesmessige uttrykk, illusjonisme eller ethvert rom som gjenkjennelige objekter kan bebore. Greenberg fortsatte å forklare hvordan et maleri skulle være helt selvrefererende, bare forholde seg tilbake til seg selv og ingen andre eksterne referanser til den virkelige verden, eller til noe annet kunstnerisk medium som skulptur eller tegning.

Post-malerisk abstraksjon

Og av Morris Louis , 1961, Privat samling

Selv om de var ekstreme, reflekterte Clement Greenbergs ideer tidsånden og de hadde en markant innflytelse på den ledende kunstneriske utviklingen på 1960-tallet. De forenklede, mettede fargefeltmaleriene til Helen Frankenthaler, Morris Louis og Jules Olitski er synonyme med Greenbergs ideer i dag, og definerer toppen av den modernistiske æra med en hensynsløst streng, analytisk holdning til form, farge, tekstur, skala og komposisjon. Greenberg kuraterte en utstilling tittelen Post-malerisk abstraksjon i 1964 på Los Angeles County Museum of Art som inkluderte verk av trettien forskjellige kunstnere; den var så vellykket at Post Painterly Abstraction nå er anerkjent som en bevegelse i seg selv.

Arnolfini Baby! av Jules Olitski , 1964, Privat samling

Innflytelse på kunstkritikk

Bygger på både hans egne ideer om formalisme og teoriene til de 18thårhundres tyske filosof Immanuel Kant, argumenterte Greenberg i Modernistisk maleri for en ny, objektiv måte å se kunst på. Han mente kunst burde sees og skrives om den på en helt løsrevet måte, bare observere de fysiske egenskapene til selve objektet. Disse ideene hadde en dyp innflytelse på en ny generasjon av modernistiske kunstkritikere som ble kjent som School of Greenberg, inkludert Rosalind Krauss, Michael Fried og Barbara Rose, som hver tok i bruk en lignende analytisk tilnærming når de dissekere et kunstverk.

Tilbakeslaget mot Clement Greenberg

På midten av 1960-tallet beveget kunstnere og kritikere seg allerede utenfor ytterpunktene til Clement Greenbergs ideer. Mange så på hans standpunkt som for polarisert og dogmatisk, mens hans avskjæring av illusjonisme, fortelling og følelser i maleriet fikk mediet tilbake i et hjørne, uten noe sted å gå. Og som kunstkritiker Rosalind Krauss innså, utryddet Greenbergs overforenkling av modernistisk, formalistisk kunst mye av livets særegenheter og irrasjonaliteter. De forstyrrende skolene for popkunst og Strømme som oppsto i Greenbergs kjølvann brakte mange av de komplekse mangfoldene i det vanlige livet tilbake til kunstpraksis gjennom 1960- og 1970-tallet, og ristet fra hverandre mye av det han hadde argumentert så heftig for.

Uten navn, Legevakten av Fiona Raw , 1996, Royal Academy of Arts, London

Selv om tilbakeslaget mot Greenbergs ideer rundt ren Modernisme og formalismen fortsatte i flere generasjoner, vekten han la på selvreferensialitet og kunstgjenstandenes materialitet er en holdning som fortsatt vedvarer i dag. Mange av dagens mest eksperimentelle og spennende samtidsmalere har i bakhodet en bevissthet om et maleri som et fysisk objekt, selv om de nå har oversvømmet det med referanser til det moderne liv, som demonstrert i kunsten til Callum Innes, Tomma Abts. , Fiona Rae og Peter Doig.

Mens Greenbergs noe forenklede syn på kunsthistorien som en enestående marsj mot abstraksjon i stor grad er omskrevet i dag, er argumentet hans om at vi først skal se maleriene som seg selv først, uten å relatere dem til noe annet, en holdning som fortsatt henger i bakgrunnen i dag. farger måten så mange av oss ser på kunst, spesielt hans tro på kunst som en unik opplevelse som er uoppnåelig fra noen annen kilde.