Popkunst: amerikansk vs. britisk (berømte kunstnere og ikonisk kunst)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's

En av de mest kjente kunstbevegelsene gjennom tidene, Pop Art definerte den forbrukeristiske ungdomskulturen på 1950- og 60-tallet, og gjorde kunsten Pop! som aldri før. Popartister så til populærkulturens rike for inspirasjon, og tok lekne, fargerike og respektløse bilder fra reklame, tegneserier, magasiner og filmer og inkorporerte det i spennende nye former for kunst.

Eksperimenterer med klipp-og-lim-språket til Dadaist og Surrealisme , utforsket mange artister collaging på nye, ferske måter. De refererer til den industrialiserte verden av kapitalisme og forbrukerisme med spottende alvor. Andre omfavnet den stigende teknologien til nye teknikker, inkludert trykking, fotografering ,og filmskaping, som tillot kunstnere å produsere multipler og gjenta mønstre, og fjerne pretensjonene rundt det individuelle, isolerte kunstverket. Noen fortsatte med tradisjonelle medier for maleri og skulptur, men fant måter å inkorporere fotografiske eller trykte elementer, eller stiler som etterlignet digitale effekter.

Marilyn Monroe Series, Andy Warhol, 1967 og A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Overveiende et britisk og amerikansk fenomen gjennom 1950- og 60-tallet, hadde Pop Art utbredt innflytelse i tiårene som fulgte, og inspirerte millioner av verdensomspennende copycats. Faktisk giftet pop seg med kunst så vellykket med handel at fagforeningen deres fortsatt står sterkt i dag. Den fortsetter å inspirere og informere utallige kreative tenkere.

Visste du at popkunst begynte i London, England?

Eduardo Paolozzi, I was a Rich Man's Plaything, 1947

New Yorks Andy Warhol er Pops mest kjente ikon, men mange vet kanskje ikke at bevegelsen faktisk begynte i 1940-tallets London. Den uavhengige gruppen var et band med likesinnede artister som møttes regelmessig i Londons Institute for Contemporary Art for å dele ideer. De var forent i sin fascinasjon for amerikanske filmer, reklame og merkevarebygging som hadde kommet seg inn i britisk kultur. Medlemmene inkluderte Eduardo Paolozzi og Richard Hamilton, nå anerkjent som de første popartistene noensinne. I en frekk collage av Paolozzi, med tittelen Jeg var en rikmanns leketøy, 1947, ordet Pop! kommer skytende ut av en lekepistol, et nikk mot den kreative teksten til tegneserier. Mange ser nå dette kunstverket som opprinnelsen til begrepet Pop Art, som Paolozzi brukte som en forkortelse av ordet populær, og refererer til gruppens fascinasjon for populærkultur.

Richard Hamilton, Bare hva er det som gjør dagens hjem så annerledes, så tiltalende?, 1956

Richard Hamiltons berømte collage Hva er det som gjør dagens hjem så annerledes, så tiltalende? 1956, gjorde narr av det nye, idealiserte amerikanske livet som infiltrerte det vestlige samfunnet. Det var et latterlig overdrevet bilde av den perfekte mannen og kvinnen som vises med alle de nyeste gadgetene. Men de er hule, overfladiske symboler på forbrukerisme. I motsetning til sin senere amerikanske motpart, ble britisk popkunst preget av denne bitende satiriske kanten som observerte amerikansk kultur på avstand. Hamilton kalte spøkefullt den nye stilen deres, populær, forbigående, forbrukbar, rimelig, masseprodusert, ung gimmicky, glamorøs og Big Business.

Neo-Dada og pop i New York

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Jasper Johns, White Flag, 1955, The Met

I 1950-tallets New York dukket det opp en Neo-Dada-kultur som utforsket den vilt eksperimentelle, klipp-og-lim-absurdismen fra tidlig på 20-talletthårhundre Dada-bevegelse . Fremtredende artister begynte å dukke opp på scenen, inkludert Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein og Andy Warhol . I landemerkeutstillingen kl Sydney Janis Gallery i 1962 med tittelen Nye realister , kunstverk ble gruppert i flere tilbakevendende temaer, inkludert det daglige objektet, massemedier og repetisjon. Den britiske Amerika-baserte kuratoren Lawrence Alloway oppdaget en kobling mellom britisk og amerikansk kunst. Han var den første som brukte begrepet Pop Art for å definere begynnelsen av en ny æra. I motsetning til den britiske popstilen levde amerikanske artister blant massekommunikasjon og reklame ved å observere det fra et innsideperspektiv med et mindre kritisk blikk.

Mange kunstkritikere i både USA og Europa var forferdet over bruken av 'lavt' emne innen 'høy' kunst, og kunstnere møtte hard kritikk mens bevegelsen var i sine tidlige dager. Men på midten av 1960-tallet hadde mange flere gallerier, kunstnere og kjøpere tatt opp den stigende trenden, og det var tydelig at en ny stil var kommet for å bli.

Warhol og Lichtensteins Americana

Andy Warhol, Campbells suppebokser, 1962

I 1960-tallets New York var Andy Warhol plakatgutten for amerikansk popkunst. Han benyttet seg av populære, kjente bilder fra amerikansk kultur, inkludert Coca Cola, Campbell's Soup og ikoniske kjendiser som Marilyn Monroe, Jackie Kennedy og Elizabeth Taylor. Favorittmediet hans var silketrykk, som tillot ham å produsere slående, dristig fargede bilder som multipler og gjenta mønstre, men han eksperimenterte også med et bredt spekter av andre medier, inkludert maleri, fotografi og filmskaping. Etablering av sitt verdensberømte verksted i New York kjent som Fabrikken, han ansatte et team med assistenter for å hjelpe ham med å ta over kunstscenen i New York. Selv om Warhol ofte blir sett på som et glanset symbol på USAs overfladiske glamour, var det også en uhyggelig kant som lurte under mange av kunstverkene hans, og fremhevet den mørkere siden av kjendis og berømmelse, spesielt når hodeskaller begynte å vises i kunstverkene hans.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Den amerikanske maleren Roy Lichtenstein tok seg også inn i den kommersielle verdenen for emne. Opprinnelig inspirert av hans barns Mikke Mus tyggegummi-innpakninger, som sett i hans tidlige maleri Se Mikke, 1961, han begynte å lage store malte versjoner av enkle tegneserierammer, som han la til og overdrev for å understreke en enda større dramatisk effekt. Noen verk la vekt på den teatralske virkningen av onomatopoeiisk tegneserietekst, inkludert ord som Blam, Pop, Whaam og Varoom. De var alle tegnet med overdrevne bokstaver og omgitt av vilt bølgende røyk, ild og flammer, eller linjer som antydet rask bevegelse. Disse maleriene var øyeblikkelig kraftige og hadde en langvarig innflytelse på tekstkunst på 1970-tallet.

Roy Lichtenstein, Drowning Girl, 1963

Men Lichtenstein skrev virkelig historie med sin serie med scener basert på tegneserien med tenåringsdrama Jenteromanser , fange angstfylte unge kvinner som blir revet med av skumle unge menn, eller faller ned i bassenger av fortvilelse som scenen i Druknende jente, 1963. Lichtenstein understreket og overdrev det følelsesmessige dramaet til disse unge kvinnene i en slik grad at de blir latterlige ved å fremheve det trykte bildets overfladiske natur. Replikerer blekkbesparelsen Ben-day prikk trykketeknikk som ble brukt til tegneserier tjente samme formål og trekker vår oppmerksomhet til det flate bildet. Lichtenstein malt med flat, akryl Magna-maling gjennom en perforert grill for å skape denne syntetiske depersonaliserte estetikken, med et sluttresultat som ser helt maskinlaget ut.

Andre typer popkunst

Arman, Langtidsparkering, 1982

I andre deler av Europa dukket det opp variasjoner av amerikansk og britisk popkunst under forskjellige navn. I Frankrike kom en gruppe kunstnere sammen og kalte seg Nouveau Realistes (New Realists), med medlemmer inkludert Arman, Cesar, Christo, John Tinguely og Yves Klein. Inspirert av amerikansk og britisk popkunst, brakte de elementer av populærkultur inn i kunsten deres, men de utforsket også det mindre glamorøse detritus av dagliglivet, og ga kunsten deres en skitnere, mindre polert kant. Skulptør Arman brakte knuste eller forlatte biler inn i sine enorme, monumentale samlinger, som sett i totemikken Langtidsparkering, 1982, mens Tinguely laget søppelbutikkmaskiner av gamle hjul, muttere og bolter, og injiserte dem en klumpete, klingende ny giv.

Gerhard Richter, Party, 1963

En gruppe kunstnere i Tyskland reagerte også på Pop Art-fenomenet på 1960-tallet, bl.a. Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg og Manfred Kuttner. Spøkende annonserte seg selv som tyske popartister for å fange oppmerksomhet, i virkeligheten var arbeidet deres mer komplekst og kritisk. Ved å slå sammen elementer av sosialistisk realisme fra Øst-Tyskland med den amerikaniserte kapitalismen i Vest-Tyskland, oppfant de det sammenslåtte begrepet Kapitalistisk realisme for å beskrive deres mellomliggende holdning. Ved å løfte bilder fra nyhetsreportasjer, annonser og kjendiskultur, hadde bildene deres ofte en bitende, satirisk kant. Hos Richter Parti, 1963, for eksempel blir en gruppe kjendiser forvandlet til hjemsøkende ghouls som siver blod inn i vinglassene deres, mens de er i Sigmar Polkes Kaniner, 1966, Playboy's Bunny Girls er redusert til en pikselert, uskarphet av mønstrede og flekkete prikker, som gjenspeiler det prikkede språket til Roy Lichtenstein.

Sigmar Sigmar Polke, Bunnies, 1966

Postmodernisme, neo-pop og superflaten

Siden fremkomsten av popkunst på 1960-tallet har kunstnere fortsatt å reagere på stadig mer eventyrlystne måter på massemedienes ekspanderende verden, ofte med en kritisk holdning. Gjennom 1970-tallet lekte postmoderne kunstnere med eller omarbeidet bilder fra offentligheten, noen ganger skapte de oppblåste versjoner av virkeligheten for å understreke de destruktive egenskapene til forbrukerisme.

Cindy Sherman, Uten tittel, 2010-12

Den amerikanske fotografen Cindy Shermans feministiske holdning gjorde skarpe observasjoner om samfunnets overfladiske, idealiserte arketyper rettet mot kvinner gjennom filmer og magasiner. Utkledd som en rekke karikaturer med parykker, falske brunfarger, forsterket sminke og falske neser, kritiserer hun det latterlige ved feminine idealer ved å avsløre den mørke underbuken til plastisk kirurgi og kosmetisk forbedring.

Jeff Koons, Lips, 2000, fra serien 'Easyfun-Ethereal'.

Amerikansk artist Jeff Koons reagerte på kapitalistisk kultur på 1980-tallet med falske magasinannonser og overdrevne skulpturer, forstørret kitsch, søte minner til skremmende overdimensjonerte kopier. Serien hans med enorme «Easyfun-Ethereal»-malerier er blandinger av reklamesnutter. De har blanke kvinners lepper og saftig våt frukt som flyter over tropiske landskap som fremhever reklamens overbærende, seksualiserte natur. Dette glatte fotorealistiske språket er en stil som nå er kjent som Neo-Pop. I likhet med Warhol driver han et enormt verksted som sysselsetter team med assistenter som gjør arbeidet hans for ham. Mike Kelleys grovt overdimensjonerte samlinger er enda mer groteske, og klumper sammen skummelt fargede kosedyr til opphengte pelskuler som snakker om masseforbruk, avfall og overskudd.

Den japanske artisten Takashi Murakami poserer med sin 'Superflat'-serie

Hvis postmoderne og neo-popartister tok en kritisk holdning til populærkultur, japansk samtidskunstner Takashi Murakami har injisert moro tilbake i. Kunstkritikere kaller ham til og med Japans svar på Andy Warhol. Hans latterlig optimistiske verden er fylt med berusende blomstertrykk og smilende ansikter i godterisøte pastelltoner. Ved å bruke begrepet Superflat for å definere hans syntetiske, dekorative språk, trekker han paralleller mellom eldgamle japanske treblokker og moderne anime- eller manga-tegneserier. Han uttaler at flate, dekorative og blomsterdesigner har vært i det japanske samfunnet i århundrer. Han bringer språket til popkunsten full sirkel, og kombinerer sine glorete, smilende blomster og frekke, vennlige skapninger til kommersielle objekter. Fra joggesko og håndvesker til telefonvesker og skateboards beviser han hvor tett sammen kunst- og handelsspråkene fortsetter å være.