6 ikoniske kvinnelige artister du bør kjenne

Mamma , en skulptur av kunstneren Louise Bourgeois

Maman, en skulptur av kunstneren Louise BourgeoisKunsthistoriens Walk of Fame er brolagt med navn på mannlige kunstnere, men begynner å samle flere kvinnelige kunstnere. Den generelle oppfatningen av en maskulin mester og mesterverk er sterkt preget av at deres kvinnelige kolleger nesten mangler i våre skolebøker og i de viktigste museumsgalleriene.

Kvinnelige artister i dag

I filmindustrien har underrepresentasjonen av kvinner i ledende roller som regissører og som produsenter forårsaket mange bølger av forargelse de siste par årene. Hashtags som vokser opp på sosiale medier som f.eks #OscarsSoMale viser at det er stor etterspørsel etter mer kvinnelig synlighet.

Det samme gjelder for kunstindustrien, selv om ropet ikke er like høyt som i Hollywood. En årsak til det kan være at det, i det minste innen moderne og samtidskunst, har vært en langsommere og jevnere overgang mot å representere flere kvinner. Så tidlig som i 1943, Peggy Guggenheim organiserte en kvinnelig utstilling i hennes beryktede New York-galleri Dette århundrets kunst , inkludert bidrag fra Dorothea Tanning og Frida kahlo . Dette banebrytende foretaket, kalt 31 kvinner , var den første i sitt slag utenfor Europa. Siden den gang har mye endret seg. I dag er det mange gallerier som representerer stadig flere kvinnelige kunstnere. Dessuten er det flere kvinner som bidrar på prestisjetunge kunstfestivaler, og de vinner viktige priser.

Big Fatigue, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Kvinnelige kunstnere er imidlertid fortsatt underrepresentert i museumslandskapet. Kunstmarkedsinformasjonsselskapet Artnet avslørte i en analyse at mellom 2008 og 2018 var bare 11 prosent av alt arbeid anskaffet av de beste amerikanske museene av kvinner. Når det gjelder en historisk kunstforståelse, er det derfor fortsatt mye arbeid som gjenstår for å øke synligheten for kvinnelige kunstnere og deres arbeid.

Her er en oversikt over mine favoritt kvinnelige kunstnere gjennom hele kunsthistorien, frem til i dag, som jeg setter pris på for deres mestring av flere medier, for deres konseptuelle tenkning, for deres behandling av kvinnesentrerte emner og dermed for å skape et bemerkelsesverdig og unikt œuvre .

Camille Henrot

Franskfødt, samtidskvinnekunstner Camille Henrot er kjent for å jobbe med ulike medier, fra film til assemblage og skulptur. Hun har til og med våget seg på Ikebana, en tradisjonell japansk blomsteroppsatsteknikk. Selv om det som gjør arbeidet hennes virkelig bemerkelsesverdig, er hennes evne til å kombinere tilsynelatende motstridende ideer. I sine komplekse kunstverk setter hun filosofi mot popkultur og mytologi mot vitenskap. Den underliggende, altomfattende ideen til kunstverkene hennes er aldri så tydelig. Camille Henrot er en mester i å pakke ting elegant inn, skape subtile og mystiske atmosfærer. Det er først etter å ha fordypet deg i dem at du vil kunne koble sammen prikkene.

For å illustrere det best, la oss ta et eksempel: Mellom 2017 og 2018 stilte Camille Henrot ut en Carte Blanche på Palais de Tokyo i Paris, med tittelen Dager er hunder . Hun stilte spørsmål ved relasjonene mellom autoritet og fiksjon som bestemmer vår eksistens, og tok en av de mest grunnleggende strukturene i livene våre – uken – for å organisere sin egen utstilling. Mens år, måneder og dager er strukturert av en naturlig gitt, er uken derimot en fiksjon, en menneskelig oppfinnelse. Likevel reduserer ikke narrativet bak dens følelsesmessige og psykologiske virkninger på oss.

The Pale Fox, Camille Henrot, 2014, fotografi av Andy Keate via camillehenrot.fr

I et av rommene stilte Camille Henrot ut installasjonen sin The Pale Fox , som tidligere hadde blitt bestilt og produsert av Chisenhale Gallery. Hun brukte den for å representere den siste dagen i uken – søndag. Det er et oppslukende miljø bygget på Camille Henrots forrige prosjekt Grosse Fatigue (2013) – en film belønnet med Sølvløve på den 55. Venezia-biennalen. Mens Grosse Fatigue forteller historien om universet på tretten minutter, er The Pale Fox en meditasjon på vårt felles ønske om å forstå verden gjennom gjenstandene som omgir oss. Hun akkumulerte personlig materiale og overlagret det i henhold til et overskudd av prinsipper (kardinalretningene, livets stadier, Leibniz’ filosofiske prinsipper), og skapte den fysiske opplevelsen av en søvnløs natt, en katalogiserende psykose. På nettsiden hennes uttaler hun at jeg med The Pale Fox hadde til hensikt å håne handlingen med å bygge et sammenhengende miljø. Til tross for all vår innsats og gode vilje, ender vi alltid opp med en rullestein inni den ene skoen.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Haris Epaminondas

Fokuset til den kypriotiske kunstnerens arbeid sentrerer seg om ekspansive collager og flerlagsinstallasjoner. For den internasjonale utstillingen på 58. Venezia-biennale , kombinerte hun funnet materialer som skulpturer, keramikk, bøker eller fotografier, som hun brukte til å nøye konstruere en av sine karakteristiske installasjoner.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografi av Tony Prikryl

I likhet med Camille Henrot avslører ikke komposisjonene hennes deres underliggende betydning umiddelbart. Det som imidlertid skiller arbeidet hennes fra Camille Henrots er at hun ikke legger inn objektene sine i komplekse fortellinger og konseptuelle teorier. I stedet er installasjonene hennes organisert på en langt enklere måte, og fremkaller en følelse av minimalistisk orden. Det er først etter å ha sett nærmere på de enkelte objektene at du vil legge merke til motsetningene bak en tilsynelatende perfekt estetikk. For sine komposisjoner bruker Haris Epaminonda funnet gjenstander som i en tradisjonell forståelse ville vært helt merkelige for hverandre. For eksempel kan du finne et bonsai-tre som står ved siden av en gresk søyle på en nesten naturlig måte. Kunstneren vikler inn objektene sine i et nett av historiske og personlige betydninger som er ukjente for publikum, og sannsynligvis også for henne selv. Selv om Haris Epaminonda ikke ignorerer de implisitte historiene om objektene hennes, foretrekker hun å la dem utøve sin egen kraft.

VOL. 27., Haris Epaminonda, 2019, via moussemagazine.it

For sin tretti minutter lange video Chimera vant Haris Epaminonda den 58. Veneziabiennalen Sølvløve pris som lovende ung deltaker og siden den gang er en av samtidskunstens internasjonale stjerneskudd.

Akunyili Crosbys grep

Njideka Akunyili Crosby ble født i Nigeria og bor og jobber for tiden i Los Angeles. Som tenåring vant moren grønt kort-lotteriet, noe som gjorde det mulig for hele familien å flytte til USA. I sine malerier reflekterer Akunyili Crosby hennes erfaringer som medlem av den moderne nigerianske diasporaen. På gigantiske papirflater påfører hun flere lag for å avbilde portretter og hjemlig interiør, ved å sette dybde og flathet sammen.

Denne kvinnelige kunstneren arbeider med en blandet media-teknikk som inneholder blant annet fotografiske overføringer, maling, collage, blyanttegning, marmorstøv og stoff. På denne måten lager kunstneren ekstraordinære malerier som illustrerer ganske vanlige, hjemlige temaer der hun skildrer seg selv eller sin familie. Arbeidene hennes handler egentlig om kontraster, både formelt sett og innholdsmessig. Når du ser nærmere på detaljene i maleriene hennes, vil du finne gjenstander som en støpejernsradiator som indikerer New Yorks kalde vintre eller en parafinlampe satt på et bord, for eksempel, som er hentet fra Akunyili Crosbys minner fra Nigeria.

Mama, Mummy and Mama (forgjengere nr. 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, via njikedaakunyilicrosby

Kontrastene er imidlertid ikke bare begrenset til det ovennevnte: I 2016 oppveide en plutselig høy etterspørsel etter Akunyili Crosbys arbeid, som hun produserer sakte, tilbudet. Dette førte til at prisene på kunstverkene hennes eksploderte i markedet. Det kulminerte med at et av maleriene hennes ble solgt på Sotheby's samtidskunstauksjon i november 2016 for nesten 1 million dollar, og satte ny artistrekord. Bare seks måneder senere ble et verk solgt av en privat samler for rundt 3 millioner dollar Christie’s London og i 2018 solgte hun et annet maleri for rundt 3,5 millioner dollar Sotheby's New York .

Louise Bourgeois

Den fransk-amerikanske kunstneren er mest kjent for sine store skulpturer, den mest kjente er en gigantisk bronseedderkopp 'Louise Bourgeois Spider' med tittelen Maman som stadig reiser verden rundt. Med en høyde på ni meter har hun skapt en overdimensjonert, metaforisk representasjon av sin egen mor, selv om kunstverket slett ikke handler om å avsløre et tragisk mor-og-datter-forhold. Tvert imot: Skulpturen er en hyllest til hennes egen mor som jobbet som billedvev i Paris. Akkurat som edderkopper, fornyet Bourgeois' mor vev - igjen og igjen. Kunstneren oppfattet dermed edderkopper som beskyttende og hjelpsomme skapninger. Livet består av opplevelser og følelser. Gjenstandene jeg har laget gjør dem håndgripelige, sa Bourgeois en gang for å forklare sitt eget kunstverk.

Mamma, Louise Bourgeois, 1999, via guggenheim-bilbao.eus

Bortsett fra å lage skulpturer, var hun også en produktiv maler og trykkeri. I 2017 og 2018 ble Museum for moderne kunst i New York (MoMA) viet et retrospektiv av kunstnerens mindre kjente œuvre, kalt An Unfolding Portrait, hovedsakelig med fokus på hennes malerier, skisser og trykk.

Mitt indre liv, Louise Bourgeois, 2008, via moma.org

Uansett hvilket medium den multitalenterte artisten brukte, fokuserte Bourgeois stort sett på å utforske temaer som dreide seg om husholdning og familien, seksualitet og kropp, samt død og det ubevisste.

Gabriele Munter

Hvis du vet Wassily Kandinsky , Gabriele Münter bør ikke være noe mindre navn for deg. Den ekspresjonistiske kvinnelige artisten sto i spissen for gruppen Den blå rytteren (The Blue Rider) og jobbet sammen med Kandinsky, som hun hadde møtt under undervisningen på Phalanx-skolen i München, en avantgarde-institusjon grunnlagt av den russiske kunstneren.

Portrett av Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, via Wikimedia Commons

Kandinsky var den første som la merke til Gabriele Münters maleevner på begynnelsen av 1900-tallet. Deres profesjonelle forhold – som til slutt også ble til et personlig – varte i nesten et tiår. Det var i løpet av denne tiden Gabriele Münter skulle lære å jobbe med en palettkniv og tykke penselstrøk, ved å bruke teknikker som hun hentet fra franskmennene. Store katter .

Med sine nyervervede ferdigheter begynte hun å male landskap, selvportretter og hjemlige interiører i rike farger, forenklede former og dristige linjer. Etter en tid utviklet Gabriele Münter en dypere interesse for å male den moderne sivilisasjonens ånd, et vanlig tema for ekspresjonistiske kunstnere. Akkurat som livet i seg selv er en samling av forbigående øyeblikk, begynte hun å fange øyeblikkelige visuelle opplevelser, vanligvis på en rask og spontan måte.

Det gule huset (Det gule huset), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

For å vekke følelser brukte hun livlige farger og skapte poetiske landskap som er rike på fantasi og fantasi. Gabriele Münter og Kandinskys forhold påvirket den russiske kunstnerens arbeid sterkt. Han begynte å adoptere Gabriele Münters bruk av mettede farger og hennes ekspresjonistiske stil i sine egne malerier.

Forholdet deres tok slutt da Kandinsky måtte forlate Tyskland under første verdenskrig og dermed måtte han reise tilbake til Russland. Fra det tidspunktet fortsatte både Gabriele Münter og Kandinsky med et liv atskilt fra hverandre, men deres gjensidige innflytelse på hverandres verk forble.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp er trolig en av de mest multitalentfulle kvinnelige kunstnerne i kunsthistorien. Hun jobbet blant annet som maler, skulptør, tekstil- og scenograf og som danser.

Scenografi for König Hirsch (Stagkongen), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografi av E. Linck Den sveitsiske kunstneren startet som instruktør for broderi, veving og tekstildesign ved kunstuniversitetet i Zürich. I 1915 møtte hun sin fremtidige ektemann Jean Hans Arp , som hadde flyktet fra den tyske hæren under første verdenskrig og som hadde sluttet seg til Dada-bevegelse . Han introduserte henne for bevegelsen, og deretter deltok hun i forestillinger som ble organisert av Dadaister i Cabaret Voltaire. Hun bidro som danser, koreograf og dukkespiller. Videre designet hun dukker, kostymer og kulisser for egne og andre artisters opptredener på Kabaret Voltaire .

Bortsett fra å opptre på Dada-arrangementer, skapte Sophie Taeuber-Arp tekstil- og grafiske verk som er blant de tidligste konstruktivistiske verkene i kunsthistorien, sammen med de av Piet Mondrian og Kasimir Malevich.

Gleichgewicht (Balanse), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, via Wikimedia Commons. Hun var også en av de første kunstnerne noensinne som brukte prikker i verkene sine. Sophie Taeuber-Arp hadde en utpreget forståelse for sofistikerte geometriske former, for abstraksjon og for bruk av farger. Arbeidene hennes ble ofte betraktet som banebrytende og samtidig gledelige.

I 1943 døde Sophie Taeuber-Arp på grunn av en ulykke ved Max Bills hus. Hun og mannen hadde bestemt seg for å overnatte etter at det var blitt sent. Det var en kald vinternatt og Sophie Taeuber-Arp skrudde på den gamle komfyren på det lille gjesterommet sitt. Dagen etter fant ektemannen henne død på grunn av karbonmonoksidforgiftning.

Sophie Taeuber-Arp og ektemannen Jean Arp hadde jobbet veldig tett sammen under ulike gjensidige prosjekter. De var et av få par i kunsthistorien som ikke passet de tradisjonelle rollene til kunstneren og hans muse. I stedet møttes de i øyehøyde og ble like respektert og verdsatt av sine kunstnervenner – Marcel Duchamp og Joan Miro være to av dem – og av kunstkritikere for sine verk