10 LGBTQIA+-artister du bør bli kjent med

Jamaicansk romantikk av Felix d'Eon, 2020 (til venstre); med Kjærlighet på jakt av Felix d'Eon, 2020 (til høyre)

Gjennom historien og inn i nåtiden har kunst fungert som en kilde til solidaritet og frigjøring for folk i LGBTQIA+-samfunnet. Uansett hvor i verden kunstneren eller publikum kommer fra eller hvilke hindringer de kan ha møtt som LHBTQIA+-mennesker, er kunst broen for mennesker fra alle samfunnslag for å komme sammen. Her er et glimt av ti ekstraordinære LHBTQIA+-kunstnere som bruker kunsten sin for å koble seg til sitt skeive publikum og for å utforske sine egne unike identiteter.

La oss først se på fem avdøde artister som banet vei for dagens LHBTQIA+-artister. Uansett det sosiale eller politiske klimaet rundt dem, presset de seg forbi hindringene for å lage kunst som snakket til deres LGBTQIA+-identitet og publikum.

LHBTQIA+-artister fra 1800-tallet

Simeon Salomo (1840-1905)

Simeon Salomo , via Simeon Solomon Research Archive

Betraktet av noen forskere som den glemte prerafaelitten , Simeon Solomon var jødisk kunstner i England på slutten av 1800-tallet. Solomon var en bemerkelsesverdig person som til tross for de mange utfordringene han møtte, fortsatte å produsere vakker kunst som ville utforske hans unike og mangefasetterte identitet.

I Sappho og Erinna , et av Salomos mest kjente verk, den Den greske poeten Sappho , en legendarisk person som har blitt synonymt med hennes lesbiske identitet, deler et ømt øyeblikk med elskeren Erinna. De to deler eksplisitt et kyss - denne myke og romantiske scenen gir ikke mye rom for noen heteroseksuelle tolkninger.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Sappho og Erinna i en hage på Mytilini av Simeon Solomon , 1864, via Tate, London

Sensuell fysisk nærhet, androgyne figurer og naturlige miljøer er alle elementer som brukes av Prerafaelitter , men Salomo brukte denne estetiske stilen for å representere folk som ham og for å utforske homoerotisk begjær og romantikk. Solomon ville til slutt bli arrestert og fengslet for forsøk på sodomi, og ville på dette tidspunktet bli avvist av den kunstneriske eliten, inkludert mange av de prerafaelittiske kunstnerne han hadde kommet for å se opp til. I mange år levde han i fattigdom og sosialt eksil, men han laget kunstverk med LGBTQIA+-temaer og figurer frem til sin død.

Violet Oakley (1874–1961)

Fiolett Oakley-maleri , via Norman Rockwell Museum, Stockbridge

Hvis du noen gang har gått i gatene og besøkt de historiske stedene i byen Philadelphia, Pennsylvania, har du sannsynligvis stått ansikt til ansikt med en rekke verk av Violet Oakley . Oakley ble født i New Jersey og aktiv i Philadelphia ved begynnelsen av det 20. århundre, og var en maler, illustratør, veggmaler og glassmaler. Oakley ble inspirert av prerafaelittene og Kunst- og håndverksbevegelsen , og tilskriver hennes utvalg av ferdigheter.

Oakley fikk i oppdrag å lage en serie veggmalerier for Pennsylvania State Capitol-bygningen som ville ta 16 år å fullføre. Oakleys arbeid var en del av andre bemerkelsesverdige bygninger i Philadelphia, som Pennsylvania Academy of Fine Arts, First Presbyterian Church og Charlton Yarnell House. Charlton Yarnell House, eller Visdommens hus , som det ble kalt, inneholder en kuppel av farget glass og veggmalerier inkludert Barnet og tradisjonen .

Barnet og tradisjonen av Violet Oakley , 1910-11, via Woodmere Art Museum, Philadelphia

Barnet og tradisjonen er et perfekt eksempel på Oakleys tenke fremover perspektiv som var til stede i nesten alle verkene hennes. Veggmalerier som inneholder visjoner om en feministisk verden der menn og kvinner eksisterer likt, og hvor en hjemlig scene som denne er representert i et iboende queer lys. To kvinner oppdrar barnet, og er omgitt av allegoriske og historiske skikkelser som symboliserer en mangfoldig og progressiv utdannelse.

I Oakleys liv ville hun bli tildelt høye æresmedaljer, motta store oppdrag og undervise ved Pennsylvania Academy of Fine Arts, og bli den første kvinnen som gjorde mange av disse tingene. Hun gjorde alt dette og mer med støtte fra sin livspartner, Edith Emerson , en annen kunstner og foreleser ved PAFA. Oakleys arv er en som definerer byen Philadelphia til i dag.

LHBTQIA+-artister fra 1900-tallet

Claude Cahun (1894–1954)

Uten tittel (selvportrett med speil) av Claude Cahun og Marcel Moore , 1928, via San Francisco Museum of Modern Art

Claude Cahun ble født i Nantes, Frankrike, 25. oktober 1894 som Lucy Renee Mathilde Schwob. I begynnelsen av tjueårene ville hun ta navnet Claude Cahun, valgt for sin kjønnsnøytralitet. I 1800- og begynnelsen av 1900-tallet , Frankrike trivdes med folk som stilte spørsmål ved sosiale normer, som kjønnsidentitet og seksualitet, og ga folk som Cahun rom til å utforske seg selv.

Cahun drev først og fremst med fotografering, selv om hun også spilte i skuespill og forskjellige performancekunstverk. Surrealisme definerte mye av arbeidet hennes. Ved å bruke rekvisitter, kostymer og sminke, ville Cahun sette scenen for å lage portretter som ville utfordre publikum. I nesten alle Cahuns selvportretter ser hun direkte på betrakteren, for eksempel i Selvportrett med speil , hvor hun tar et stereotypt feminint motiv av et speil og utvikler det til en konfrontasjon om kjønn og selvet.

Claude Cahun [til venstre] og Marcel Moore [til høyre] ved lanseringen av Cahuns bok Aveux non Avenus , via Daily Art Magazine

På 1920-tallet flyttet Cahun til Paris sammen med Marcel Moore, hennes livspartner og medkunstner. Paret ville samarbeide resten av livet innen kunst, skriving og aktivisme. Under andre verdenskrig, da tyskerne begynte å okkupere Frankrike, flyttet de to til Jersey, hvor de kjempet utrettelig mot tyskerne ved å skrive dikt eller trykke britiske nyheter om nazistene og plassere disse løpesedlene på offentlige steder for nazistiske soldater å lese.

Beauford Delaney (1901–1979)

Beauford Delaney i studioet sitt , 1967, via New York Times

Beauford Delaney var en amerikansk maler som brukte arbeidet sitt til å forstå og takle sine indre kamper rundt hans seksualitet. Født i Knoxville, Tennessee, ville hans kunstneriske visjon ta ham til New York i løpet av Harlem renessansen , hvor han ville bli venn med andre kreative som ham, for eksempel James Baldwin.

Jeg lærte om lys fra Beauford, sier Delaney Baldwin i et intervju for magasinet Overgang i 1965 . Lys og mørke spiller store roller i Delaney's Ekspresjonistisk malerier som dette Selvportrett fra 1944. I den legger man umiddelbart merke til det slående blikket. Delaneys øyne, en svart og en hvit, ser ut til å vekke oppmerksomheten din og tvinge deg til å tenke på kampene og tankene hans, og avsløre for publikum et gjennomsiktig og sårbart sted.

Selvportrett av Beauford Delaney, 1944 via The Art Institute of Chicago

Delaney brukte kunsten sin til å diskutere universelle spørsmål også. Han laget malerier av nøkkelfiguren for borgerrettigheter Rosa Parks, i Rosa Parks-serien. I en tidlig skisse av et av disse maleriene sitter Parks alene på en bussbenk, og skrev ved siden av henne ordene Jeg vil ikke bli rørt. Dette kraftige budskapet går gjennom hele Delaneys verk og fortsetter å forme hans inspirerende arv.

Tove Jansson (1914-2001)

Trove Jansson med en av hennes kreasjoner , 1954, via The Guardian

Tove Jansson var en finsk artist mest kjent for henne Mumin tegneserier, som følger eventyrene til Mummitrollene. Selv om tegneseriene er mer rettet for barn, tar historiene og karakterene for seg en rekke voksne temaer, noe som gjør dem populære for lesere i alle aldre.

Jansson hadde forhold til menn og kvinner i livet hennes, men da hun deltok på et Julefest i 1955 , møtte hun kvinnen som skulle bli hennes livspartner, TuulikkiPietilä. Pietilä var selv en grafiker, og sammen ville de vokse muminenes verden og bruke arbeidet sitt til å snakke om forholdet deres og kampene med å være queer i en ikke så aksepterende verden.

Mummitroll og Too-ticky i Mummiland Vinter av Tove Jansson , 1958, via det offisielle Mumminettstedet

Det er mange paralleller mellom Mummidalens karakterer og menneskene i Janssons liv. Karakteren Mumintrollet [til venstre] representerer Tove Jansson selv, og karakteren Too-Ticky [til høyre] representerer hennes partner Tuulikki.

I historien Mummilandsvinter , de to karakterene snakker om den merkelige og uvanlige vintersesongen, og hvordan noen skapninger bare kan komme ut i denne stille tiden. På denne måten skildrer historien på en smart måte den universelle LGBTQIA+-opplevelsen av å være kledd, komme ut og ha friheten til å uttrykke sin identitet.

La oss nå se på fem uunnskyldende kunstnere som bruker kunsten sin i dag for å si sannhetene sine. Du kan oppdage mer og til og med støtte noen av disse menneskene i lenkene som er innebygd nedenfor.

Moderne LHBTQIA+-artister du bør kjenne

Mickalene Thomas (New York, U.S.A.)

Født i Camden, New Jersey og aktiv nå i New York, Mickalene Thomas ’ dristige collager, veggmalerier, bilder og malerier viser frem svarte LGBTQIA+-folk, spesielt kvinner, og forsøker å redefinere den ofte hvite/mannlige/heteroseksuelle kunstverdenen.

Lunsj på gresset: De tre svarte kvinnene av Mickalene Thomas , 2010, via Mickalene Thomas’ nettsted

Sammensetningen av De tre svarte kvinnene ser kanskje kjent ut for deg: Édouard Manets Lunsj på gresset, eller Lunsj på gresset , er et speilbilde til Thomas’ maleri. Å ta kunstverk gjennom historien som anses som mesterverk og skape kunst som taler til et mer mangfoldig publikum er en trend i Thomas’ kunst.

I en intervju med Seattle Art Museum, sier Thomas:

Jeg så på vestlige skikkelser som Manet og Courbet for å finne en forbindelse med kroppen i forhold til historien. Fordi jeg ikke så den svarte kroppen skrevet om kunst historisk, i forhold til den hvite kroppen og diskursen – det var ikke der i kunsthistorien. Og så jeg stilte spørsmål ved det. Jeg var bare veldig bekymret for den spesielle plassen og hvordan den var ugyldig. Og ønsket å finne en måte å hevde det rommet, for å samkjøre stemmen min og kunsthistorien og gå inn i denne diskursen.

Mickalene Thomas foran arbeidet sitt , 2019, via Town and Country Magazine

Thomas tar emner som den kvinnelige naken, en som ofte er under det mannlige blikket, og vender dem tilbake. Ved å fotografere og male venner, familiemedlemmer og elskere, skaper Thomas en ekte forbindelse til individene hun ser til for kunstnerisk inspirasjon. Tonen i arbeidet hennes og miljøet hun skaper det i er ikke objektivitet, men snarere frigjøring, feiring og fellesskap.

Zane Muholi (Umlazi, Sør-Afrika)

Somnyama Ngonyama II, Oslo av Zane Muholi , 2015, via Seattle Art Museum

An kunstner og aktivist , bruker Muholi intimfotografering for å skape bekreftende bilder og vekke ærlige diskusjoner om transpersoner, ikke-binære og interseksuelle mennesker. Enten scenen er en av latter og enkelhet, eller et rått portrett av individet som engasjerer seg i eksplisitt transkjønnede ritualer som binding, gir disse bildene lys til livene til disse ofte slettede og tausede menneskene.

Ved å se bilder av trans-, ikke-binære og intersex-folk som bare er seg selv og går rundt i hverdagsrutiner, kan andre LGBTQIA+-seere føle solidaritet og bekreftelse i sine visuelle sannheter.

ID-krise , fra Bare halve bildet serie av Zanele Muholi , 2003, via Tate, London

ID-krise viser en person som engasjerer seg i praksisen med binding, en som mange trans- og ikke-binære mennesker kan forholde seg til. Muholi fanger ofte denne typen handlinger, og i denne åpenheten belyser transpersoners menneskelighet for seerne, uansett hvordan de identifiserer seg. Muholi skaper i sitt arbeid ærlig, sann og respektfull representasjon, og den typen arbeid er kritisk. Zanele Muholis kunst har blitt stilt ut i store museer som Tate , den Guggenheim , og Johannesburg kunstmuseum.

Kjersti Faret (New York, U.S.A.)

Kjersti Faret working in her studio , via Cat Coven-nettstedet

Kjersti Faret er en kunstner som lever av å selge kunstverkene sine på klær, lapper og nåler og papir, alt silketrykk for hånd. Arbeidene hennes er i stor grad inspirert av middelaldermanuskripter, Art Nouveau , hennes norske arv, det okkulte, og ikke minst kattene hennes. Ved å bruke estetikk inspirert av fortidens kunstbevegelser, og med en magisk vri, skaper Faret scener med fortryllelse, humor og ofte queer representasjon.

I hennes maleri, Elskere , skaper Faret en finurlig eventyrscene av en harpy lesbisk romanse. Faret deler tankene sine om maleriet på Instagram-siden sin @cat_coven :

Det startet som et eksperimentelt papirklipp, av bare den gyllenbrune harpien. Når hun for det meste var ferdig, ønsket jeg å skape et miljø å sette henne inn i. Jeg har også følt behovet for å lage litt homofil kunst, og dermed ble kjæresten hennes født. Jeg lot min underbevissthet på en måte lede meg på reisen med å fullføre illustrasjonen. Spontant skapte jeg små skapninger for å bo i verden, for å heie på de elskende. Jeg ser for meg dette som øyeblikket etter deres episke kjærlighetshistorie hvor de til slutt ender opp sammen, det øyeblikket rett før de kysser og The End skribler over skjermen. En feiring av skeiv kjærlighet.

Elskere by Kjersti Faret , 2019, via Kjersti Faret’s Website

I fjor var Faret vertskap for et mote- og kunstshow i Brooklyn med andre skeive kreative artister kalt Mystisk menasjeri .Håndlagde plagg og kostymer inspirert av middelalderkunst ble vist frem på rullebanen, og det var også stander der dusinvis av lokale kunstnere kunne stille ut og selge arbeidene sine. Faret fortsetter å oppdatere henne kunstbutikk regelmessig, og lager alt fra den første skissen til den lunefulle pakken som kommer i postkassen din.

Sjokk McDaniel (Florida, U.S.A.)

Sjokk McDaniel , via Shock McDaniels nettsted

Shoog McDaniel er en ikke-binær fotograf som lager fantastiske bilder som omdefinerer fethet og feirer kropper i alle størrelser, identiteter og farger. Ved å ta med modeller inn i ulike utendørsmiljøer, som en steinete ørken, en Floridian sump eller en hage med blomster, finner McDaniel harmoniske paralleller i menneskekroppen og i naturen. Denne kraftige handlingen hevder at fett er naturlig, unikt og vakkert.

I en intervju med Teen Vogue deler McDaniel sine tanker om parallellen mellom fete/skeive folk og naturen:

Jeg prøver faktisk å jobbe med denne boken om kropper kalt Kropper som hav … Konseptet er at kroppene våre er enorme og vakre og som et hav er de fylt med mangfold. Det er i grunnen bare en kommentar om hva vi går gjennom hver dag og skjønnheten vi har og som ikke blir sett. Det er det jeg skal fremheve og delene av kroppen, jeg skal ta bilder fra undersiden, jeg skal ta bilder fra siden, jeg skal vise strekkmerkene.

Ta på av Shoog McDaniel , via Shock McDaniels nettsted

Ta på , et av McDaniels mange bilder med modeller under vann, viser gravitasjonsspillet til fete kropper som beveger seg naturlig i vann. Du kan se rullene, den myke huden og push and pull mens modellene svømmer. McDaniels oppdrag om å fange fete/skeive mennesker i naturlige omgivelser produserer intet mindre enn magiske kunstverk som gir solidaritet til fete LGBTQIA+-folk.

Felix d'Eon (Mexico City, Mexico)

Felix d'Eon , via Nailed Magazine

Felix d'Eon er en meksikansk kunstner dedikert til kunsten queer kjærlighet, (fra Instagramen hans bio) og virkelig, hans arbeid representerer det brede spekteret av LGBTQIA+-folk fra hele verden. Et stykke kan være av en Shoshone-person med to ånder , et homofilt jødisk par, eller en gruppe transsatyrer og fauner som boltrer seg i skogen. Hvert maleri, illustrasjon og tegning er unikt, og uansett bakgrunn, identitet eller seksualitet, vil du kunne finne deg selv i verkene hans.

Det er definitivt en bevissthet om kunsthistorie i d’Eons kunst. Hvis han for eksempel velger å male et japansk par fra 1800-tallet, vil han gjøre det i stil med Ukiyo-E treblokktrykk. Han lager også tegneserier i midten av århundret, med homofile superhelter og skurker. Noen ganger vil han ta en historisk figur, kanskje en dikter , og lag et stykke basert på et dikt de skrev. En stor fasett av d'Eons arbeid består av tradisjonell meksikansk og aztekisk folklore og mytologi, og han skapte sist en hel aztekisk tarotstokk.

Serenade av Felix d'Eon

Felix d'Eon skaper kunst som hyller alle LGBTQIA+-folk og plasserer dem i miljøer enten det er moderne, historiske eller mytologiske. Dette gjør hans LGBTQIA+-publikum i stand til å se seg selv innenfor kunsthistoriens fortelling. Dette oppdraget er viktig. Vi må undersøke fortidens kunst og redefinere nåtidens kunst for å skape en ærlig, inkluderende og aksepterende kunstnerisk fremtid.