The Wonders of Optical Art: 5 definerende funksjoner

Peter Kogler installasjonsvisning på Galerie Mitterand , 2016; med Epoff av Victor Vasarely, 1969; og Relativt av M.C. Escher, 1953

Optiske illusjoner har fascinert kunstnere i århundrer, men det er først siden 1960-tallet at begrepet Optical Art, eller Op Art, ble anerkjent som en etterprøvbar kunstbevegelse i seg selv. Denne delen av kunstpraksis utforsker de magiske underverkene til optiske illusjoner, pirrer sansene og forstyrrer våre fysiologiske og psykologiske oppfatninger med rare mønstre som induserer hevelse, vridning og uskarphet, eller skaper skremmende illusjoner av dybde, lys og rom. Å se disse kunstverkene kan være en virkelig tankevekkende opplevelse, og løfte oss ut av den vanlige verden og inn i rikene av det surrealistiske og fantastiske. I denne artikkelen undersøker vi fem av de vanligste funksjonene som har definert optisk kunst i moderne og samtidige tider. Men først, la oss ta en titt på den historiske utviklingen av optisk kunst og kunstnerne som banet vei for dagens utøvere.

Historien om optisk kunst

Ambassadørene av Hans Holbein den yngre , 1533, via The National Gallery, London

Selv om vi kanskje tenker på Optical Arts vanvittige mønstre og farger som et samtidsfenomen, har optiske effekter vært en viktig del av kunsthistorien siden renessansen. Noen vil kanskje til og med si at oppdagelsen av lineært perspektiv i den tidlige renessansen var den første optiske effekten som dukket opp i kunsten, og tillot kunstnere å skape optisk illusjon av dybde og rom som aldri før. Camera obscura var også et populært verktøy blant Renessansekunstnere , slik at de kan oppnå forbløffende nivåer av realisme ved å projisere det virkelige liv på lerretet gjennom et nålhullsobjektiv. Noen eksperimenterte til og med med hvordan en mørkerom kunne skape merkelige, anamorfose effekter i arbeidet sitt, som f.eks Hans Holbein den yngre berømt gåtefull maleri Ambassadørene, 1533, der en forvrengt hodeskalle strukket over forgrunnen bare kan sees riktig fra en side-på-vinkel.

Inngang til havnen av Georges Seurat , 1888, i Lillie P. Bliss Collection og Museum of Modern Art, via The New York Times

I det 19. århundre, Pointillist kunstnere Georges Seurat og Paul Signac eksperimenterte med de optiske effektene av farger, og utforsket hvordan mønstre av bittesmå prikker i ren, ublandet farge plassert side ved side kunne 'blandes' i øyet sett på avstand. I Seurats malerier dannet disse skimrende prikkene en svimlende og hypnotiserende 'varmedis' som løste opp grensene mellom objekter og rommet rundt dem.

Andre kunstnere og illustratører fra samme tid lekte med surrealistiske dualiteter, der et enkelt bilde kunne inneholde to forskjellige referansepunkter, som f.eks. VI. Bakker Ung kvinne gammel kvinne , og Edgar Rubins Vase, 1915 – Bilder som disse var populære salongspill, snarere enn seriøse kunstverk. Men en av de mest fascinerende kunstnerne til å bringe slike ideer inn i kunstverdenen var den nederlandske grafikeren M.C. Escher, hvis dyktige og umulig surrealistiske kunstverk illustrerer et svimlende komplekst univers av tessellerte mønstre og alternative virkeligheter.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Relativt av M.C. Escher , 1953, via New Hampshire Public Radio

På midten av det 20. århundre så en eksplosjon av interesse for optisk kunst i hele Europa og utover; kunstnere ble i økende grad tiltrukket av verdener innen vitenskap, farger og optikk i en tid da fremskritt innen databehandling, romfart og TV ble gjort. På 1960-tallet hadde optisk kunst dukket opp som en kunstbevegelse i seg selv, med kunstnere inkludert Bridget Riley, Victor Vasarely og Jesus Rafael Soto som gjorde dristige eksperimenter innenfor optikkens rike, hver med sine egne distinkte språk for abstrakt geometri.

Optical Art oppsto i tråd med Kinetisk kunst, med begge stiler som delte fascinasjoner for teknologi og bevegelse, men optisk kunst var mer fokusert på todimensjonale i stedet for tredimensjonale kunstformer. I moderne tid har alt dette endret seg ettersom dagens kunstnere har utvidet svimlende optiske effekter til et bredt spekter av sammenhenger, fra gallerirom til bygater. Så, hvordan ser egentlig optisk kunst ut? Her er fem av de definerende funksjonene som utgjør denne fascinerende arenaen, sammen med noen av verdens mest berømte kunstverk.

Merkelig geometri

Epoff av Victor Vasarely , 1969, via Christie's

Geometriske mønstre er en viktig komponent i mye optisk kunst, og lar kunstnere eksperimentere med hvordan komplekse arrangementer av linjer, farger og mønstre kan pulsere eller svelle av en flat overflate. Som påvirket av de alternative virkelighetene til M.C. Escher, forskjellige Op-artister fra 1960-tallet spilte også med gjentatte tessellerte mønstre, og trakk eller strakte dem i dristige nye retninger. Den banebrytende franske maleren Victor Vasarely laget blendende design gjennom 1960- og 1970-tallet som ser ut til å utvide seg utover fra flat overflate og utover i rommet utenfor, som sett i Epoff, 1969. Noen ganger kjent som 'bestefaren' til Op Art, er hans banebrytende maleri nå verdenskjent for sin tekniske og oppfinnsomme oppfinnsomhet. Han sa berømt: Å oppleve tilstedeværelsen av et kunstverk er viktigere enn å forstå det.

Progresjon polykrom av Jean-Pierre Yvaralh , 1970, via Christie's

Vasarelys sønn Jean-Pierre Yvaral fulgte i sin fars fotspor på 1970- og 1980-tallet, og skapte komplekse farger og lys som ser ut til å nynne med glødende energi. Flytende horisontale og vertikale linjer antyder rislende bevegelsesbølger, mens subtile, flimrende modulasjoner i lys skaper skimrende, svimlende visuelle effekter, som sett i Progresjon, polykrom, 1970.

Bevegelse

Skifte av Bridget Riley , 1963, via Sotheby's

Bevegelse har vært et sentralt trekk ved optisk kunst siden 1960-tallet, med ulike kunstnere som har utforsket hvordan man kan indusere bevegelse på en flat overflate gjennom dynamiske arrangementer av form og farger. Den britiske kunstneren Bridget Riley er en av de mest kjente – gjennom 1960- og 1970-tallet ble hun fascinert av den slående optiske effekten av høy kontrast, svart-hvitt design, og utforsket hvordan svaiende bølgete linjer og nære, gjentatte mønstre kunne fremkalle den rislende følelsen av bevegelse. Maleriene hennes var så visuelt kraftige at de kunne forårsake hevelser, vridninger, blinking, vibrasjoner eller til og med ustabilitet, etterbilder og besvimelse. Riley fortsatte senere med å eksperimentere med farger, og hentet inspirasjon fra Georges Seurats 'heat-haze'-effekter laget ved å plassere komplementære farger side om side, en praksis som hun inkorporerte i sine varemerke geometriske mønstre.

Spirales 1955 (fra Sotomagie Portfolio) av Jesus Rafael Soto , 1955, via Christie's

Den venezuelanske kunstneren Jesus Rafael Soto var også fascinert av påkallelsen av bevegelse i kunsten, og eksperimenterte med hvordan kryssende former og linjer kunne indusere disige, desorienterende visuelle effekter i både to- og tredimensjonale former. I serien hans spiraler, 1955, bevegelse skapes ved å overlappe konsentriske hvite sirkler over en rekke svarte. Motstående svarte, flate ovaler med hvite, høye avlanger forårsaker friksjon og en radiell bluras hvis sirklene har begynt å snurre i bevegelse.

Illusjonen av dybden

Marion Gallery, Panama veggmaleri innen 1010 , 2015, via Arch Daily

En annen populær trope for Op-artister er illusjonen av dybde, en effekt som noen ganger er så ekstrem at den fremkaller kraftige følelser av svimmelhet. Denne grenen av optisk kunst er et nyere fenomen som har dukket opp i en rekke sammenhenger, fra gatehjørner til gallerivegger. Anonym tysk graffitikunstner kjent som 1010 arresterer installasjoner på offentlige kunststeder som utvider Vasarelys forvrengte geometri. På flate vegger skaper han en illusjon av huletunneler eller huler som trekker oss mot dem med stablede lag med strålende lyse farger og dramatisk chiaroscuro-belysning, som trekker oss mot deres mørke og mystiske sentrum.

Vantage av Aakash Nihalani , 2014, via Colossal Magazine

Den amerikanske kunstneren Aakash Nihalani lager også dristige, blendende lyse installasjoner som ser ut til å åpne opp plass på et ellers flatt plan. Ved å jobbe med enkle, geometriske former malt med tegneserieaktige konturer og syresterke fargepaneler, skaper hans imaginære lyn, bokser, vinduer og lysbrytere nye inngangsporter til hvite vegger. Disse elementene liver dem opp med en leken, latterlig og grovt overdimensjonert følelse av moro. Noen ganger bringer han tredimensjonale, konstruerte elementer inn, som sett i Vantage, 2014, hvor en strek av likelektrisitet laget av malt tre binder sammen de to motstående galleriveggene.

Sammenstøtende farge og trykk

Dimensjon (bakside) av Jen Stark , 2013, via Installation Magazine

Bygger på arven til Bridget Riley og Victor Vasarely, og mange av dagens Op-artister leker med den skurrende dissonansen som skapes ved å sette sammen motstridende farger og trykk i ett enkelt kunstverk. Den amerikanske kunstneren Jen Stark er anerkjent for sine fantastisk lyse arrangementer av mønster og farger, som tar innflytelse fra de visuelle systemene plantevekst, evolusjon, uendelighet, fraktaler og topografier. Bygget opp i tredimensjonale lag inviterer verkene hennes til visning fra flere vinkler, og oppmuntrer oss til å bevege oss rundt dem for å skape flimrende og skimrende visuelle effekter, som sett i Dimensjon (bakside), 2013.

Romlig kromointerferens av Carlos Cruz Diez , 2018, ved Buffalo Bayou Park Cistern, via The Houston Chronicle

Den latinamerikanske kunstneren Carlos Cruz Diez har også brakt optisk kunst inn i tredimensjonale riker, og utforsket hvordan kaleidoskopiske visninger av mønstrede farger kan transformere vår forståelse av rommet. Samt å skape ekspansiv malte offentlige kunstinstallasjoner med livlige Op Art-mønstre har han også laget labyrinter av farget lys som han kaller kromaturasjoner, og kastet gallerirom inn i prismatiske utstillinger av glødende mønster. Forfatter Holland Cotter beskriver å se på verkene: Følelsen er lett desorienterende, svimlende, som om tyngdekraften var blitt tuklet med.

Lys og rom

La Villette i suiter av Felice Varini , 2015, via Colossal Magazine

Unnvikende kvaliteter av lys og rom har blitt innlemmet i mange av dagens kraftigste Op Art-verk, spesielt i praksisen til den sveitsiske kunstneren Felice Varini. Akkurat som Op-artister fra tidligere generasjoner, leker han med de geometriske språkene til konsentriske sirkler, bølgete linjer og gjentatte mønstre, men han tar disse forestillingene ut i den virkelige verden, og utvider seg utover over enorme, vidåpne rom. Malt med levende, syntetisk lyse farger på grå, industrialiserte rom, bringer hans flimrende mønstre lys, farger og liv inn i ellers kjedelige eller triste oversett rom. I likhet med Hans Holbeins anamorfose fra 1500-tallet, kommer Varinis nøye malte fargestriper bare sammen når de sees fra et bestemt utsiktspunkt, som sett i La Villette in Suites, 2015.

Fremtiden for optisk kunst

Peter Kogler installasjonsvisning på Galerie Mitterand , 2016, via Galerie Mitterand, Paris

Ser på fremtiden, mange av dagens samtidskunstnere undersøker hvordan digital teknologi kan forbedre omfanget og spekteret av optisk kunst samtidig som den fortsetter å utvide seg til tredimensjonalt rom. Et godt eksempel er den østerrikske kunstneren Peter Kogler, som bringer forbløffende komplekse, skjeve linjer og mønstre inn i oppslukende og altomfattende miljøer som ser ut til å svelle og pulsere inn og ut av flate vegger. Designet på en datamaskin, har hans unike mønstre tatt et bredt utvalg av formater, inkludert trykk, skulptur, møbler, tapeter, lysarmaturer, collager og digitale installasjoner i romstørrelse. Hans fantastisk surrealistiske visjoner er som å kikke inn i en ukjent fremtid, hvor vi kan gå rett inn i den virtuelle virkelighetens rike.