Hvor mye skylder Picasso afrikansk kunst?

Den spanske mesteren Pablo Picasso regnes som en av de største kunstnerne på 1900-tallet. Arbeidene hans har forandret kunsthistoriens gang for alltid. Men hvor mye av Picassos modernisme ble bygget på kunst fra den afrikanske diasporaen, og hvorfor er dens udiskutable innflytelse på kunstnerens arbeid fortsatt ikke allment anerkjent? Les videre for å lære mer om forholdet mellom afrikansk kunst og Picassos verk.

Afrikansk kunst og Picasso

Pablo picasso , via Atlanterhavet

På slutten av 1800-tallet og som et direkte resultat av imperialismen hadde tusenvis av afrikanske gjenstander ankommet Europa. Langt fra å bli betraktet som kunstverk, ble de ansett som gjenstander av koloniale erobringer og hadde liten eller ingen økonomisk verdi. Men i løpet av begynnelsen av 1900-tallet medPicassoledende an, afrikansk kunstestetikk ble en kilde til dyp inspirasjon for Skolen i Paris , som hadde søkt etter nye og radikale måter å representere på. Picasso så i afrikansk figurasjon en religiøs dybde og rituell hensikt som både skremte og rørte ham. Den sofistikerte bruken av flate plan og dristige konturer var ulikt noe kunstneren hadde møtt før.

Men mens innvirkningen afrikansk kunst hadde på Picasso, og på fødselen av Kubisme som helhet, har blitt undersøkt utrettelig, blir verkene som inspirerte en hel bevegelse sjelden undersøkt i seg selv. I stedet blir ikke-vestlig kunst ofte sett på som verktøyet som gjorde det mulig for europeiske kunstnere som f.eks Gauguin , Braque , og Picasso for å bringe frem en billedrevolusjon, et verktøy som raskt ble ignorert så snart dette ble oppnådd. Afrikanske håndverkere hadde abstrahert menneskefiguren i århundrer. Så hvor mye av det som etablerte Picasso som en av grunnleggerne av moderne kunst, ble lånt fra et kontinent han visste veldig lite om?

Afrikansk kunst i Europa: Intriger og forakt

Etnografiske gallerier , British Museum, 1908. Fotografi av Donald Macbeth, via The British Museum, London

Inntil ganske nylig ble den vestlige kunstverdenens tilpasning av tradisjonell afrikansk visuell kultur omtalt som Primitivisme , et begrep som nå anses som utdatert på grunn av dets problematiske konnotasjoner. På begynnelsen av 1900-tallet trodde den europeiske eliten at Afrika og Oseania var primitive land fulle av mystikk og villskap. Samtidig tilegnet mange seg disse kulturene for sin egen kunstneriske og sosiale vinning, fascinert av en eksotisk fantasi om det ikke-vestlige . Men svært få hadde en sofistikert forståelse av kulturene og for det meste navnløse afrikanske kunstnere som de lånte fra.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Trocadero-palasset , sete for Museum of Ethnography mellom 1878 – 1935. Postkort, rundt 1900, via The Museum of European and Mediterranean Civilizations

Franske kolonier inkluderte Fransk Sudan, Senegal, Elfenbenskysten, Dahomey og Niger. Plyndrede gjenstander fra disse territoriene ble brakt over og vist dårlig i de notorisk snuskete og nedslitte galleriene til museer som Trocadero Museum of Ethnology, nå Menneskets museum , i Paris og Britisk museum i London. De seremonielle maskene, skulpturene og totemiske utskjæringer som ble spredt over hele Europa stammet fra flere regioner spredt over et helt kontinent, men ble generalisert som stamme Kunst. De kunne bli funnet på loppemarkeder og i pantelånerbutikker, men lite var kjent om deres skapere eller meningen bak skapelsen deres.

Europa var både fascinert og sjokkert over afrikanske gjenstander , ser på deres spiritualitet med en blanding av intriger og forakt. Det er viktig å merke seg at i motsetning til vestlig kunst, hadde disse gjenstandene blitt skapt med funksjon, snarere enn kunst i tankene. Mens funksjonen deres varierte avhengig av region og religion, spilte de (og i mange tilfeller fortsetter å spille) en viktig rolle i seremonier og ritualer som feirer religion, sosial status og overgangsritual.

Picassos afrikanske kunstmøte

Henri Matisses kjøp, en figur skapt av Vili-folket i Kongo , 1800-begynnelsen av det 20. århundre, via BBC

Våren 1907 Henri Matisse var på vei for å besøke den amerikanske forfatteren og samleren Gertrud Stein i hennes hjem i Paris da han stoppet i det som pleide å bli referert til som en 'kurioshop' for å kjøpe en liten afrikansk skulptur. Picasso, som også var på besøk hos Stein da Matisse ankom, ble umiddelbart betatt av skulpturen som senere ble identifisert som en Vili-figur fra det som nå er Den demokratiske republikken Kongo. Kunstneren, som var kjent for å være ekstremt overtroisk, trodde på den magiske og transformative kraften til gjenstander. I følge Max Jacob , fransk poet og livslang venn av Picasso, spanjolen holdt den lille skulpturen i hendene hele natten , inspirert av dens langstrakte funksjoner, strømlinjeformede former og åndelige formål.

Møtet antente noe dyptgående i den tjuefem år gamle Picasso, som nylig hadde kommet ut av sin Blå- og roseperioder og søkte oppriktig etter en inspirasjonskilde som ville kaste ham til forkant av avantgarden. Noen dager etter å ha oppdaget Vili-skulpturen, besøkte kunstneren Trocadero-museet sammen med en annen kunstner og venn Andre Derain .

Picasso ville senere erkjenne dette besøket som et sentralt vendepunkt i hans kunstneriske bane: En lukt av mugg og omsorgssvikt grep meg i strupen. Jeg var så deprimert at jeg ville ha valgt å gå umiddelbart, sa Picasso om Trocadero. Men jeg tvang meg selv til å bli, for å undersøke disse maskene, alle de gjenstandene som folk hadde skapt med en hellig og magisk hensikt, for å tjene som mellomledd mellom dem og de ukjente og fiendtlige kreftene som omringet dem, og derved forsøke å overvinne frykten deres, gi dem farge og form. Og da forsto jeg hva det å male egentlig betydde. Det er ikke en estetisk prosess, det er en form for magi som står mellom oss og det fiendtlige universet, et middel til å ta makten, påtvinge en form for både våre redsler og våre ønsker. Den dagen jeg forsto det, fant jeg veien.

Damene i Avignon og kubismen

Damene i Avignon av Pablo Picasso , 1907, via MoMA, New York

Enhver kunsthistoriker vil fortelle deg at Picassos ikoniske 1907 Damene i Avignon var avgjørende for utviklingen av kubismen. Rett etter at kunstneren besøkte Trocadero, besøkte han en komposisjon han hadde jobbet med i sitt Montmartre-studio. Arbeidet som pågår portretterte nakne sexarbeidere på et bordell han besøkte på Carrer d'Avinyó i Barcelona, ​​Spania. Det siste oljemaleriet, som er nesten to og en halv meter høyt og litt over to meter bredt, viser fem kvinner med fasetterte, kantete kropper som ser ut til å være nesten uvitende om hverandres tilstedeværelse.

Ansiktene til de to sentrale figurene var inspirert av Picassos interesse for det frosne, arkaisk-lignende skulpturelle byster av hjemlandet Iberia , mens kvinnen i øverste høyre hjørne ligner de sterkt stiliserte maskene til Dan-stammen fra Elfenbenskysten . Vanligvis brukt for beskyttelse og som en måte å kommunisere med ånder på, anses Dan-masker som hellige og kan kjennetegnes ved deres høye panner, spisse haker og tutende munn. Nederst til høyre i maleriet maler Picasso en kvinne hvis ansikt er definert av dens trekantede nese og omvendte øyenbryn. Hennes geometriske trekk viser slående likhet med en Mbuya Mask of the Pende folk , vanligvis brukt for å markere slutten på omskjæringsritualer.

Damene i Avignon , 1907, detalj av kvinnens ansikt øverst til høyre, via MoMA, New York; ved siden av Dan ansiktsmaske av tre , 1800-midten av det 20. århundre, via The Metropolitan Museum of Art, New York; ved siden av Damene i Avignon , 1907, detalj av kvinnens ansikt nederst til høyre, via MoMA, New York; og Mbanga maske , Central Pende, Bandundu, Den demokratiske republikken Kongo via Apollo Magazine

Damene i Avignon betydde et radikalt brudd fra naturalismen som hadde definert vestlig kunst siden renessansen, og avsporet forestillinger om hvordan kunst skulle se ut. Picassos todimensjonale kvinner ble sett på som ufeminine, deres konfronterende oppførsel en fullstendig avvik fra den tradisjonelle fremstillingen av kvinnelig skjønnhet. Verket ble mottatt negativt av både kunstnere og kritikere, og dets truende sexarbeidere ble sett på som promiskøse og uegnet for Paris-salonger. Picasso rullet opp lerretet, ansett som skandaløst selv i sin innerste krets, og lagret det i atelieret hans i årene som kommer.

I løpet av de neste årene fortsatte Picasso å låne fra afrikansk kunst, og produserte en serie tegninger, akvareller og skulpturer der han fortsatte å redusere ansiktstrekk til enkle geometriske former i stil med vestlig og sentralafrikansk estetikk. I Head of a Woman (Studie for naken med draperi ), for eksempel konturerte han motivets ansikt kraftig og skapte volum ved å bruke tung, skyggefull kryssskravering i flere retninger.

Disse eksperimentene ledet Picasso, sammen med George Braque , til kubismen — den radikale bevegelsen som la vekt på skillet mellom maleri og virkelighet. Afrikansk kunsts bruk av forenklede former og fragmenterte perspektiver inspirerte kunstnerne til å forlate den realistiske modelleringen av figurer, og tilbakeviste langvarige forestillinger om at kunstens formål var å etterligne den naturlige verden. Kubismen var monumental i sin innvirkning, og ble utgangspunktet for mange abstrakte bevegelser som futurisme, konstruktivisme og nyplastisisme.

Fornekter afrikanske påvirkninger og Picassos kunst

Studie for leder av naken med draperi av Pablo Picasso, 1907, via Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid, ved siden av Fang Ngil maske , Gabon, via Christie's; ved siden av Byste av en kvinne av Pablo Picasso , 1932, via MoMA, New York; og Lwalwa Mask, Den demokratiske republikken Kongo , via Sotheby's

Ifølge Nasher kunstmuseum, Picasso begynte å samle afrikanske masker, skulpturer og musikkinstrumenter like etter sitt første besøk i Trocadero, og samlet over hundre verk da han døde. Et fotografi tatt av sønnen Claude i 1974, et år etter kunstnerens død, viser omfanget av hans afrikanske kunstsamling. Denne samlingen ble senere spredt til forskjellige familiemedlemmer, solgt på auksjoner og donert til museer.

Mens kunsthistorikere har en tendens til å være enige om at det er slående likheter mellom Picassos verk og kunst som kommer fra det afrikanske kontinentet, beholder mange at hans lån fra disse kulturene ikke nødvendigvis var med vilje. Mens Picasso erkjente den første innvirkningen afrikansk kunst hadde på hans visjon som kunstner, benektet han senere at arbeidet hans var inspirert av det.

Når det kom til å forklare de stilistiske valgene han tok da han malte Damene i Avignon, for eksempel, Picasso sørget for å fremheve den iberiske, snarere enn afrikanske, karakteren til verket. Selv om dette delvis skyldtes kunstnerens ekstremt patriotiske natur, reiser det også spørsmålet: Egnet Picasso bare afrikansk visuell kultur for sin egen kunstneriske vinning, med liten eller ingen hensyn til kulturene han hentet inspirasjon fra?

Picasso i 1908 i verkstedet sitt i Montmartre, Paris, via The Guardian

I følge den postkoloniale lærde Simon Gikandi , Picasso ble forelsket i ideen om hva han anså som primitiv og stamme, men det er svært lite som tyder på at han viste interesse for afrikanere som mennesker og kulturprodusenter. Selv om kunstneren var åpen om den åndelige kraften han opplevde da han første gang møtte afrikanske gjenstander ved Trocadero, uttrykte han også sin irritasjon over innflytelsen kontinentet hadde på ham.

Gikandi hevder at mens kunsthistorien erkjenner at Afrika spilte en rolle i utviklingen av modernismen, sendes den like raskt til primitivismens rom, et sted der den ikke utgjør noen fare for renheten til moderne kunst.

Bidraget Picasso ga til utviklingen av kubismen og modernismen er ubestridelig. Men når vi undersøker disse kritiske øyeblikkene i kunsthistorien, er det avgjørende å tenke på de utallige måtene afrikanske håndverkere ga enestående oppfinnsomhet og monumentalitet til kunstnerens arbeid. Picassos radikale bruk av todimensjonalitet, voldsom geometri og flate plan var bare mulig fordi afrikanske skulptører og utskjærere hadde mestret abstraksjonskunsten i århundrer. I stedet for å studere Europas vedtak om afrikanisitet som bare en annen avantgarde-gest i tidslinjen til vestlig kunsthistorie, er det kanskje på tide at vi lar kunstverkene som inspirerte en bevegelse stå i sentrum.