De 9 mest ikoniske dokumentarfotografiene gjennom tidene

Shell-sjokkerte US Marine, The Battle of Hue av Don McCullin, 1968, trykt 2013; med Black Power Salute av John Dominis, 1968; og med A Man on the Moon av Neil Armstrong, 1969

Dokumentarfotografier er en av de mest direkte og konfronterende kunstformene, og tar et øyeblikksbilde før det forsvinner for alltid. I motsetning til andre typer fotografering, er dokumentarfotografier mer øyeblikkelige, og reagerer på hendelser uten iscenesettelse eller kunstgrep. Dette betyr at fotografen må være på rett sted til rett tid og vente på det den store fotografen Henri Cartier-Bresson kalte det avgjørende øyeblikket.

Place de l'Europe, Gare Saint Lazare, Paris, Frankrike av Henri Cartier Bresson , 1932, via Victoria & Albert Museum, London

I tillegg til å fange disse avgjørende øyeblikkene i historien, er det ofte en brutal ærlighet til dokumentarfotografier som kan gjøre det vanskelig å se. De avslører ubehagelige sannheter vi kanskje heller vil vende oss bort fra, og knytter det tett sammen med fotojournalistikk. Det er denne grove, glødende egenskapen som gjør mediet så viktig, og oppmuntrer oss til å tenke dypere på tilstanden til verden vi lever i. Nå og da dukker det opp et dokumentarfotografi som kortfattet fanger tidsånden, og det er disse bildene som blir en permanent markør for vår historie. Forfatter Susan Sontag beskriver disse fotografiene i sine radikale essays Om fotografering, 1977, da bilder (som) ikke ser ut til å være utsagn om verden så mye som deler av den.

Historien om dokumentarfotografier

Fotografi av interiøret til Crystal Palace på Sydenham av Philip Henry Delamotte , 1854, via Victoria & Albert Museum, London

Dokumentarfotografiets historie er nesten like gammel somfotograferingseg selv, som dateres tilbake til rundt midten av 1800-tallet da fotografer begynte å ta kameraer ut i den store verden som et verktøy for dokumentasjon. Den britiske fotografen Philip Delamotte blir ofte sitert som et tidlig eksempel på fotografi i dokumentarstil. Han fanget demonteringen av Crystal Palace i Hyde Park, London i 1852, og gjenoppbyggingen og utvidelsen av det i Sydenham i Londons forsteder i 1854. Arkivet hans med fotografier var en viktig oversikt over denne imponerende ingeniørbragden, spesielt etter ødeleggelsen av Crystal Palace i brann i 1936.

Den amerikanske fotografen Matthew Brady var en av de første som brukte fotografering som rekord for å fange opprivende politisk uro, og dokumentere amerikanske borgerkrigen i 1861 og skildrer noen av de mørkeste dagene i historien fra frontlinjen.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Banditter Roost av Jacob Riis , 1888, via National Endowment for Humanities

Noen tidlige fotografer tok i bruk dokumentarfotografering som en agent for sosial endring, og dokumenterte uhygieniske boliger eller dårlige levekår for å øke bevisstheten om kampene deres til et bredere publikum. Amerikansk fotograf Jacob Riis dokumenterte de trange, skitne levekårene i tidlig New York i sin publikasjon Hvordan den andre halvparten lever, 1890.

Lukk nr. 28, Saltmarket, Glasgow av Thomas Annan , 1868, via Christie's

Den skotske fotografen Thomas Annan skjøt i gatene, vinder og nærområder i gamle Glasgow på slutten av 1800-tallet, og avslørte hvor vanskelig livene til disse menneskene virkelig var. Fremkomsten av magasiner inkludert TID, Vanity Fair , og LIV tidlig på 1900-tallet gjorde mye for å fremme arbeidet til dokumentarfotografer som Annan, Riis og Cartier-Bresson; med jevnlige fotografiske og journalistiske innslag om dagens viktigste årsaker, spesielt gjennom de to verdenskrigene.

Siden denne tiden har fotografer fortsatt å utforske rollen til dokumentarfotografier som et potent verktøy for å fange historiske øyeblikk og øke bevisstheten om en politisk sak. La oss ta en titt gjennom noen av de mest varige fotografiene gjennom historien, som fortsatt er tankevekkende bevis på tiden de ble tatt.

1. Alfred Stieglitz, The Steerage, 1907

Styringen av Alfred Stieglitz , 1907, via TIME Magazine

Alfred Stieglitz The Steerage, 1907, er en kompleks bevegelsesmengde når passasjerer går ombord på et skip på vei mot Europa. På den ene siden vakte verket oppmerksomhet for sin kortfattede evne til å kontrastere de fuktige nedre styringsrommene der de fattigste passasjerene måtte gå med den rene orden og friluften til de førsteklassereisende over dem.

I tillegg har fotografiet også fått stor ros for sin evne til å formidle det komplekse språket Kubisme i fotografisk form ettersom uordnede former, linjer og teksturer blander seg og fanger den økende fragmenteringen av den modernistiske tidsalder.

2. August Sander, Murer, 1928

Murer av August Sander , 1928, via TIME Magazine

Den tyske fotografen August Sander's Murer, 1928 er et av de mest ikoniske bildene på 1900-tallet. Den formidler etterkrigsgenerasjonens målbevisste og urokkelige arbeidsinnsats i et enkelt, velkomponert portrett. Sander laget dette bildet som en del av sin enorme undersøkelsesserie Folk av de 20 th Århundre , som dokumenterte mennesker fra alle lag i det tyske livet. Han tok bevisst et lidenskapelig, objektivt blikk i serien, og fotograferte mennesker fra alle sosiale lag. Han inkluderte soldater, sirkusartister og politikere og fanget dem alle på samme måte for å gi lik vekt og betydning for alle hans undersåtter.

3. Ukjent fotograf, Lunsj på toppen av en skyskraper, 1932

Lunsj på toppen av en skyskraper, av Lewis W. Hine , 1932, via TIME Magazine

Det tyngdekraftstrosende Lunsj på toppen av en skyskraper, 1932, er et av tidenes mest reproduserte bilder, som pent innkapsler det himmelbundne bybildet i det modernistiske Amerika. Mennene stilte seg usikkert opp langs en bjelke og nøt lunsjen og var i ferd med å bygge Rockefeller Center . Bildet ble tatt som et reklameverktøy for å promotere skyskraperkomplekset. Fotografiet fremmet også en dristig ny amerikansk ånd, en som var vågal og motstandsdyktig i møte med krig og den store depresjonen.

4. Dorothea Lange, Migrant mor , 1936

Migrant mor av Dorothea Lange , 1936, via Detroit Institute of Arts

Dorothea Langes Migrant mor, 1936, forblir den dag i dag et universelt emblem for menneskelig lidelse. Fotografiet ble tatt på en migrantfarm i Nipomo, California, og skildrer Florence Owens Thompson som holder en baby med to av hennes små barn som klemmer seg tett. Thompsons ansikt er en mor til totalt syv barn, og ansiktet er etset med bekymringslinjer mens hun stirrer mot en usikker fremtid. Fra det øyeblikket det ble publisert i en avis i San Francisco i 1936, kom bildet til å innkapsle den fryktelige fattigdommen som mange migrantamerikanere utholdt. Under den store depresjonen slet mange med å jobbe på uproduktivt land etter ødeleggelsen av støvskålen .

5. Alfred Eisenstaedt, V-J Day på Times Square, 1945

Alfred Eisenstaedt, V-J Day på Times Square av Alfred Eisenstaedt , 1945, via LIFE Magazine

Alfred Eisenstaedts V-J Day på Times Square, 1945 er et verdensomspennende emblem som symboliserer den gledelige ånden av feiring ved slutten av krigen. Bildet ble tatt under en gatefest etter kunngjøringen om at andre verdenskrig offisielt var over, og en sjømann fra den amerikanske marinen griper og vipper tilbake en ung sykepleier og kysser henne på leppene.

På den tiden kapslet bildet inn øyeblikkets lidenskapelige og uhemmede glede. Men i senere tid har noen antydet at sykepleieren kanskje ikke var velkommen til hans fremskritt. Likevel er budskapet bak bildet et av håp og tro som stemmer i dag.

Folk forteller meg at når jeg er i himmelen, vil de huske dette bildet, sa Eisenstaedt.

6. John Lord Black Power Salute, 1968

Black Power Salute av John Dominis , 1968, via The Washington Post

John Dominis Black Power Salute, 1968, fanger øyeblikket da to afroamerikanske idrettsutøvere, Tommie Smith og John Carlos, vant gull- og bronsemedaljer ved de olympiske leker i Mexico City. Begge idrettsutøverne bøyde hodet og løftet knyttnevene høyt mens den amerikanske nasjonalsangen spilte ut, og iscenesatte en kraftig stille protest mot rasisme. Deres stille, undervurderte motstandshandling har blitt et universelt symbol for svart makt, med mange aktivister siden den gang som har replikert den samme posituren.

7. Don McCullin, Shell-sjokkerte US Marine, The Battle Of Hue, 1968, trykt 2013

Shell-sjokkerte US Marine, The Battle of Hue av Don McCullin , 1968, trykt 2013, via Tate Gallery, London

Mange dokumentarfotografer trosset Vietnamkrigens brutalitet for å fange de virkelige grusomhetene, men den engelske fotografen Don McCullins Shell-sjokkert US Marine, 1968, er en av de mer opprivende. Han vender kameraet bort fra handlingen og mot individuelle soldaters psykologiske traumer.

Dette bildet ble tatt under slaget ved Hue, en av de verste og mest ødeleggende konfliktene i Vietnamkrigen. Den lamslåtte, granatsjokkerte soldaten blir sett på riflen sin og stirrer inn i mellomdistanse, og demonstrerer krigens langvarige grusomheter som lever lenge etter at kampene er over.

8. Neil Armstrong, En mann på månen, 1969

En mann på månen av Neil Armstrong , 1969, via TIME Magazine

Den verdenskjente astronauten Neil Armstrong tok sitt ikoniske fotografi, En mann på månen, 1969, av hans medreisende Buzz Aldrin. Paret skrev historie ved å ta første skritt på månens overflate .

Selv om Armstrong teknisk sett var den første som tok disse viktige skrittene, har dette noe uiscenesatte, uformelle fotografiet av Aldrin bestått tidens tann, og fanget de støvete fotavtrykkene og ustø fotfeste til den uredde oppdageren. Samtidig kan man se Armstrong se tilbake i Aldrins reflekterende visir.

9. Nan Goldin Nan og Brian i sengen, 1983

Nan og Brian i seng, New York City av Nan Goldin , 1983, via Vogue Magazine

Nan Goldins tilsynelatende uformelle fotografi Nan og Brian i sengen, 1983, er fortsatt et av de mest berømte bildene i moderne tid, og innkapsler det smertefulle maktspillet mellom to elskere. Det er en rå intimitet i hjertet av bildet – Goldin er kvinnen på sengen, og ser på partneren Brian med en blanding av mistenksomhet og lengsel. I mellomtiden setter han seg bort fra henne og stirrer ut mot den gylne solnedgangen, og antyder at forholdet deres sakte og jevnt avtar.

Dokumentarfotografier og deres rolle i dag

Ved solnedgang av Boris Mikhailov , 1994, via Tate Gallery, London

På slutten av det 21. århundre har rollene som dokumentarfotografiet en gang spilte, i stor grad blitt erstattet av TV-reportasjer og digitale medier. Men det er fortsatt stor etterspørsel etter dokumentarfotografering i dag i magasiner, aviser og gallerivegger. Det er fortsatt et arresterende medium med makt til å påkalle sterke reaksjoner og politiske reformer. Mange dokumentarer nyere tids fotografer fortsette å spille inn konflikter som de skjer rundt om i verden, som den sørafrikanske artisten Guy Tillim, som dokumenterer de urolige regionene i Afrika sør for Sahara. Andre skaper en brennende kritikk av dagens samfunn, som den ukrainske kunstneren Boris Mikhailov, som skildrer marginaliserte mennesker som sliter med å klare seg på kantene av det post-sovjetiske samfunnet, og setter dem midt i et grublende, atmosfærisk blått lys for å forsterke deres følelsesmessige påvirkning.