Bridget Riley: Den kvinnelige artisten som skaper optiske illusjoner

Bridget Rileys verk ble et kjent eksempel på Op-kunst på 1960-tallet. Kunsten hennes er preget av geometriske former, høy kontrast, svimlende optiske illusjoner, svarte og hvite former og levende farger. Til tross for at maleriene hennes er mye ansett som abstrakte, fremhever Riley selv sin rolle som maler og ikke som abstrakt kunstner. Fra barndommen av brukte Riley mye tid på å se på verden og naturen rundt seg. Kunstverkene hennes representerer hennes fokus på visuell opplevelse. Selv i dag skaper Riley fortsatt kunst som oppmuntrer betrakteren til å samhandle med den.

Bridget Rileys Oeuvre: What Is Op Art?

Blaze av Bridget Riley , 1964, via Tate, London

Begrepet Op art er en forkortelse for optisk kunst . Bevegelsen ble populær på 1960-tallet gjennom verkene til kunstnere som Victor Vasarely, Bridget Riley , og Richard Anuszkiewicz. Kunstnere fra bevegelsen brukte geometriske former for å skape optiske illusjoner i sine abstrakte kunstverk. Malerier assosiert med Op-kunst er også kjent for sin tematisering av persepsjon og hvordan farger påvirker betrakteren. Ved å manipulere linjene, fargene og formene til maleriet, skaper kunstnere illusjoner, tvetydighet eller følelsen av bevegelse og flimring i maleriene. Bridget Rileys verk Blaze er ett eksempel på de visuelle illusjonene skapt i Op-kunst. Spiralen genererer en følelse av bevegelse etter at betrakteren ser på kunstverket over lengre tid.

Hvem er Bridget Riley?

Bilde av Bridget Riley av Ida Kahr , 1963, via Phillips

Bridget Riley ble født i 1931 i Norwood, London. Hun studerte kunst ved Goldsmiths College og Royal College of Art. Fra 1957 til 1958 jobbet hun som kunstlærer i Harrow. Hun underviste senere også ved Loughborough School of Art, ved Hornsey School of Art og ved Croydon School of Art.

I begynnelsen av karrieren skapte Riley figurative malerier i en semi-impresjonistisk stil. Rundt 1958 byttet hun til pointillist landskap. Det var først i 1960 at Bridget Riley skapte sine første abstrakte op-art-verk som hun er mest kjent for i dag. Påvirket av kunstnere som Victor Vasarely begynte Riley å eksperimentere med geometriske former, abstrakte former, svarte og hvite linjer og forskjellige farger for å skape optiske illusjoner og bevegelser i verkene hennes. Hun ble kjent ved å vise arbeidet sitt ved siden av kunstnere som Victor Vasarely og Josef Albers i den berømte utstillingen Det responsive øyet på New Yorks Museum of Modern Art i 1965.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Gala av Bridget Riley , 1974, via Sotheby's

Mens optiske illusjoner fortsatte å være et viktig kjennetegn ved Bridget Rileys arbeid, begynte kunstneren å bruke mer farger i 1967. De geometriske formene til verkene hennes ble noen ganger erstattet av buede linjer som skapte en bølgelignende bevegelse. Et eksempel på disse fargerike og bølgelignende maleriene med en nesten svimlende effekt heter Gala fra år 1974.

Noen år senere bearbeidet Riley sine inntrykk av reiser til steder som Egypt og India gjennom kunsten sin. Hennes maleri Achæan fra 1981 er inspirert av gamle gravmalerier og landskap som kunstneren så i Egypt. Et annet verk kalt Nataraja fra 1993 er en referanse til hinduistisk mytologi og guden Siva som ofte er avbildet som dansens herre.

I tillegg til sine vanlige malerier, har Bridget Riley også fått i oppdrag å lage flere veggmalerier, inkludert interiøret til Royal Liverpool Hospital i 1983, et veggmaleri for Chinati Foundation i 2012, og et veggmaleri kalt Budbringere for National Gallery i London i 2019.

Optiske opplevelser og måten vi ser på

Fall av Bridget Riley , 1963, via Tate, London

En av de viktigste aspektene ved Rileys arbeid er undersøkelsen av persepsjon og hvordan vi ser. Kunstneren er kjent for å utforske optiske opplevelser i sine malerier. Arbeidene hennes er inspirert av hennes egen oppfatning av verden rundt henne, naturen og kunstverkene. I en intervju med Sir John Leighton , sa Riley, men før jeg begynte å tegne, begynte jeg å se. Hun la til at hun faktisk ikke tenkte på å være kunstner i det hele tatt, men at hun trengte å gå på en kunstskole for å fortsette å bruke vanen sin med å se ut. De optiske illusjonene i Bridget Rileys malerier minner ofte betrakteren om måten de ser på, hvordan øyet deres behandler visuelle stimuli, og at tingene vi oppfatter ikke alltid er det de ser ut til å være.

Kopi av Seurats bro i Courbevoie av Bridget Riley , 1959, via The Guardian

Sammenhengen mellom Bridget Rileys kunst og dens utforskning av visuell persepsjon kan delvis forklares gjennom hennes engasjement med impresjonistiske og pointillistiske ideer og metoder for maleri. Utstillingen Bridget Riley: Lær av Seurat fant sted fra 2015-2016 på Courtauld Gallery og undersøkte dette forholdet mellom Seurats pointillisme og Bridget Rileys På kunst . Arbeidet hennes ble betydelig påvirket av Georges Seurat og hans vekt på den optiske opplevelsen av kunstverk.

I 1959 kopierte Riley Seurats Bro ved Courbevoie som var avgjørende for hennes forståelse av farge. Ved å se på Seurat, lærte Riley å bruke farger for å indusere visse effekter eller illusjoner i kunsten hennes. Pointillist-teknikken er basert på maling av små og forskjellig fargede prikker som er plassert ved siden av hverandre. De forskjellige fargene på prikkene som ble plassert veldig nær hverandre resulterer i utseendet til én levende og lysende farge. Denne illusjonistiske tilnærmingen til farger og kunst finnes også i Rileys verk.

3 uventede malerier som inspirerte Bridget Rileys arbeid

Uten navn av Bridget Riley , 1964, via Tate, London

Til tross for at Bridget Riley er kjent for sine geometriske og repeterende former, optiske illusjoner, og det som kan beskrives som svært abstrakt kunst, henter hun inspirasjon fra kunstnere som malte i helt andre stiler. Riley sa en gang at hun ikke ville beskrive seg selv som en abstrakt kunstner, men som en maler først og fremst, som gjør disse påvirkningene mindre uventede enn de kan virke ved første øyekast.

Diana og Actaeon av Titian , 1556 – 1559, via National Galleries Scotland, Edinburgh

Maleriet Diana og Actaeon av Titian skildrer en myte fra Ovids Metamorfoser. Den viser øyeblikket i historien der jegeren Actaeon oppdager gudinnen Diana under badet hennes. Rasende over Actaeons inntrenging gjør Diana ham til en hjort. Ute av stand til å gjenkjenne Actaeons tidligere jeg, jakter og dreper hans egne hunder ham.

Bridget Riley, som følger nøye med på de visuelle påvirkningene rundt henne og er veldig interessert i å utforske farger, skrev : Titians legendariske mestring av paletten hans, fargeblandingen og håndteringen av hans crimsons, blues og gule oker, er her ansvarlig for det Delacroix senere kalte den første verdien av et maleri, for å forberede en fest for øyet.

Dedham Vale av John Constable , 1828, via National Galleries Scotland, Edinburgh

Kjent for å vise romantiske landskap, John Constable gitt et viktig bidrag til sjangeren landskapsmaleri. Constable ble født i Suffolk og skildret ofte miljøet rundt ham. I likhet med Bridget Riley fulgte han nøye med på sine naturlige omgivelser. Konstabelens maleri Dedham Vale viser et av favorittmotivene hans og skildrer utsikten mot Dedham-kirken som lå nær farens vannmølle. Riley beskrevet maleriet som en vekselvirkning mellom motstridende og motstridende naturkrefter og en vakker og helt spesiell omhylling av lys.

Maletimen eller maleøkten av Henri Matisse , 1919, via National Galleries Scotland, Edinburgh

Tittelen på Henri Matisse maleri, Maletimen eller maleøkten kan oversettes som Maletimen eller Malerøkten. Den viser en ung jente bøyd over en bok og en kunstner, muligens Matisse selv, som maler på et lerret. Riley, tilsynelatende lokket av det mystiske forholdet mellom de to motivene i maleriet, beskrevet scenen på en nesten poetisk måte: Båndet er umerkelig, et mysterium som er lett synlig for alle å se og som på denne måten øker i tetthet og ugjennomtrengelighet. Seeren fortsetter å se, gransker hele situasjonen – ingenting avsløres. Bridget Riley nevnte at Matisses kunst og måten han tegnet alltid tiltrakk henne oppmerksomhet.

Bridget Rileys politiske arbeid: Motstå kommersialisering og integrering av seeren

Bilde av Bridget Riley ved siden av kunstverkene hennes , 1963, via BBC

Bridget Riley begynte å motsette seg det kommersielle aspektet av kunst- og moteverdenen tidlig i karrieren. Da arbeidet hennes ble brukt som trykk for moteartikler, ble hun plaget av utnyttelsen av Op-kunsten hennes til kommersielle formål. Keith Moon, trommeslageren til bandet The Who, hadde på seg en T-skjorte med et trykk av Rileys arbeid Blaze for et fotografi foran unionsflagget i 1966. På den tiden var det ingen opphavsrettslig beskyttelse for artister i USA.

Bridget Riley dedikerte seg også til problemet med uoverkommelige arbeidsplasser for unge kunstnere i London. Sammen med medkunstner Peter Sedgley , Riley grunnla ROM , som står for Space Provision Artistic Cultural and Educational, i 1968. Da Sedgley og Riley besøkte de postindustrielle loftene i New York som kunstnere brukte til både arbeid og opphold, tenkte de at de tomme varehusene i London kunne brukes i en lignende vei.

Movement in Square av Bridget Riley , 1961, via The Guardian

I motsetning til kunst som for mange føles som om den kun er laget for en liten og elitistisk krets, inkluderer Riley seerne i arbeidet sitt og tilbyr dem en umiddelbar optisk opplevelse. Bridget Rileys kunst er ment å være en sosial handling . Den integrerer betrakteren og fullføres av alles erfaring og tolkning av verket. Arbeidene hennes trenger både skaperen og tilskueren samt samspillet mellom dem for å være kunst.

Riley sa at unge mennesker som ser på arbeidet hennes kan se at kunsten hennes handler om måten hun tenker på. I følge Riley er det derfor de liker arbeidet hennes så mye siden de vet at de er en del av kunstverket. Kunstneren la til at hun er det veldig begeistret over at de føler seg inkludert. Når du går inn i en utstilling med Rileys verk, blir du som tilskuer en viktig del av selve kunstverket.