4 ikoniske kunst- og motesamarbeid som formet det 20. århundre

Tre cocktailkjoler, hyllest til Piet Mondrian av Eric Koch , 1965, via Vogue Frankrike

Forbindelsene mellom kunst og mote definerer spesifikke øyeblikk i historien. Begge disse mediene gjenspeiler de sosiale, økonomiske og politiske endringene fra det brølende tjuetallet til det flamboyante på åttitallet. Her er fire eksempler på kunstnere og motedesignere som har vært med på å forme samfunnet gjennom sitt arbeid.

1. Halston And Warhol: A Fashion Fellowship

Fire portretter av Halston , Andy Warhol, 1975, privat samling

Vennskapet mellom Roy Halston og Andy Warhol er en som definerte den kunstneriske verden. Både Halston og Warhol var ledere som banet vei for å gjøre kunstneren/designeren til en kjendis. De strippet bort det pretensiøse stigmaet fra kunstverdenen og brakte mote og stil til massene. Warhol brukte silketrykk for å produsere bilder flere ganger. Selv om han absolutt ikke oppfant prosessen, revolusjonerte han ideen om masseproduksjon. Halston brukte stoffer og design som var enkle og elegante, men glamorøse med sin bruk av paljetter, ultrasuede og silke. Han var en av de første som gjorde amerikansk mote tilgjengelig og ettertraktet. Begge satte et definitivt preg på kunst og stil hele veien gjennom 1960-, 70- og 80-tallet som fortsatt varer i dag.

Samarbeid og kommersiell suksess

Blomster av Andy Warhol , 1970, via Princeton University Art Museum (til venstre); med Liza av Andy Warhol , 1978, via Christie's (sentrum); og Blomster av Andy Warhol , 1970, via Tacoma Art Museum (til høyre)

Både Halston og Warhol samarbeidet om mange forskjellige prosjekter. Warhol ville lage annonsekampanjer som inneholdt Halstons klær og til og med Halston selv. I et mer direkte samarbeid brukte Halston Warhols blomstertrykk på noen av plaggene hans fra en aftenkjole til et loungewear-sett.

Halston ville bruke enkle design i plaggene sine, noe som gjorde dem svært vellykkede. De var enkle og lette å ha på seg, men føltes likevel luksuriøse med bruken av stoffer, farger eller utskrifter. Warhol ville også forenkle materialene og prosessene hans, noe som gjorde det lettere å reprodusere verkene hans og gjøre dem mer salgbare.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Kjole av Halston , 1972, via Indianapolis Museum of Art (til venstre); med Kjole og matchende kappe av Halston , 1966, via FIT Museum, New York City (sentrum); og Lounge Ensemble av Halston , 1974, via University of North Texas, Denton (til høyre)

Kommersiell suksess hadde sine utfordringer for begge designere. Halston ville være den første til å samarbeide med en detaljhandelskjede, JCPenney, i 1982 som var ment å gi kundene et billigere alternativ for designene hans. Dette var ikke vellykket for merket hans, da det så ut til å gjøre det billigere, men det banet vei for fremtidige designere til å gjøre det samme. Warhol ble også møtt med kritikk med at produksjonen hans ble sett på som grunn og overfladisk. Begge moderniserte imidlertid bruken av detaljhandel og markedsføring i sine respektive områder for å lage merkevarer for å selge til massemarkedet.

Glitter og glamour

Diamond Dust Sko av Andy Warhol , 1980, via Monsoon Art Collection, London (til venstre); med Damekjole, paljett av Halston , 1972, via LACMA (til høyre)

Både Warhol og Halston var hyppige besøkende på Studio 54. De festet, designet og produserte arbeid for kjendiser som Liza Minnelli, Bianca Jagger og Elizabeth Taylor. Disse utfluktene gjenspeiles i verkene deres ettersom de inspirerte og definerte 1970-tallets disco-æra.

Halston er kjent for å lage kveldstøy i hel paljett. Han ville legge paljetter på stoffet horisontalt. Dette skaper en glitrende effekt av materialet, som han ville brukt til å lage ombre eller patchwork-design. Hans design var enkle silhuetter som skapte letthet og bevegelse for dans. Hans bruk av paljetter var veldig populær blant stjerner, inkludert Liza Minnelli som ville ha på seg designene sine for forestillinger og utflukter til Studio 54 .

Warhols Diamond Dust Shoes-serie eksemplifiserer også nattelivet til Studio 54 og kjendisinnflytelse. Diamond Dust er det han brukte på toppen av silketrykk eller malerier, og skapte et ekstra element av dybde til stykket. Warhols skoavtrykk var opprinnelig ideen til en annonsekampanje for Halston. Han brukte til og med noen av Halstons egne skodesign som inspirasjon.

Designeren som ble en kjendis startet med Warhol og Halston. Det handlet ikke bare om hvilke typer kunst og plagg de skapte, men deres sosiale liv også. I dag er det motedesignere og artister som er kjendispersonligheter, og det bidrar til suksessen til merkevarene deres.

2. Sonia Delaunay: Where Art Becomes Fashion

Sonia Delaunay med to venner i Robert Delaunays studio, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paris

Sonia Delaunay ikke bare revolusjonerte en ny form for Kubisme men så også for seg sammenhengene mellom kunst og mote. Både Delaunay og mannen hennes var pionerer Orfisme og eksperimenterte med ulike former for abstraksjon i kunsten. Hun var den første av sitt slag som brukte sin egen kunstneriske stil og gikk over til moteverdenen ved å bruke sine originale tekstildesign, trykk eller mønstre. Hun blir mer husket for kunsten sin og forbindelsen til mannen sin i stedet for moten. Klærne hennes var i forkant av endringen i kvinneklær på 1920-tallet. Hennes katalog over plagg huskes mer i fotografier og referanser til kunsten hennes i stedet for de fysiske plaggene i seg selv. For Delaunay er det ingen grense mellom kunst og mote. For henne er de ett og det samme.

Samtidig og opprørsk mote

Samtidige kjoler (tre kvinner, former, farger) av Sonia Delaunay , 1925, via Thyssen-Bornemisza nasjonalmuseum, Madrid (til venstre); med Samtidig kjole av Sonia Delaunay , 1913, via Thyssen-Bornemisza nasjonalmuseum, Madrid (til høyre)

Delaunay startet sin motevirksomhet på 1920-tallet ved å lage klær for kunder og designe stoff for produsenter. Hun ringte etiketten hennes Samtidig og videreutviklet hennes bruk av farger og mønster på en rekke forskjellige medier. Simultanisme spilte en viktig rolle i designprosessen hennes. Hennes bruk av teknikken ligner veldig på et lappeteppe eller tekstiler fra Øst-Europa. Farger overlapper hverandre og mønstre brukes for å skape harmoni og rytme. Vanlige temaer for henne inkluderer kvadrater/rektangler, trekanter og diagonale linjer, eller kuler – som alle overlapper hverandre i hennes ulike design.

Plate 14 fra Sonia Delaunay: Hennes malerier, hennes gjenstander, hennes samtidige stoff, hennes moter av Sonia Delaunay , 1925, via National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay var en ung kvinne under Edwardian æra der korsetter og konformitet var normen. Dette endret seg på 1920-tallet da kvinner brukte skjørt over kneet og løse plagg som passet i boks. Dette aspektet er noe som kan sees i Delaunays design, og hun var lidenskapelig opptatt av å lage plagg for å passe kvinners behov. Hun designet badedrakter som gjorde at kvinner bedre kunne delta i idretter som tidligere hemmet hvordan de spilte dem. Hun plasserte tekstilene sine på kåper, sko, hatter og til og med biler som gjorde hver overflate til lerretet hennes. Designene hennes skapte bevegelses- og uttrykksfrihet gjennom farge og form.

Delaunays overgang til film og teater

Le P'tit Parigot av René Le Somptier , 1926, via IMDB (til venstre); med Kostyme for 'Cleopatra' i Ballets Russes-produksjonen av 'Cleopatra' av Sonia Delaunay, 1918, via LACMA (til høyre)

Delaunay gikk over til film og teater i løpet av karrieren. Hun designet kostymene til filmen fra 1926 Le P'tit Parigot ('The Small Parisian One) av Rene Le Somptier. Både Delaunay og mannen hennes bidro til filmen, mens mannen hennes bidro til scenografi som ble brukt i filmene. Til venstre er den rumenske danseren Lizicai Codreanu avbildet i et av kostymene designet av Delaunay. Hennes bruk av kuler, sikksakk og firkanter er et annet eksempel på simultanisme. Sikksakkene i bakgrunnen blander seg med leggings til kostymene. Platen som omgir danserens ansikt var et tilbakevendende tema i Delaunays moter.

Hun laget også design for 'Cleopatra' , av Ballets Russes. I likhet med hennes samarbeid innen film, laget hun kostymene og mannen hennes jobbet med scenografien. Begge samarbeidet med hverandre for å skape en harmonisk opplevelse for betrakteren. Kleopatras kostyme har flerfargede striper og halvsirkler som blander hennes abstrakte stil fra 1920-tallet med tradisjonell ballett.

3. Samarbeidene til Elsa Schiaparelli og Salvador Dalí

Schiaparelli hatteformet sko av Elsa Schiaparelli og Salvador Dalí , 1937-38, via Vogue Australia

I forkant av surrealistisk kunst er matchet med lederen på surrealistisk måte. Salvador Dali og motedesigner Elsa Schiaparelli samarbeidet og inspirerte hverandre gjennom sine respektive karrierer. De skapte ikoniske bilder som Hummer kjole , Skohatten (Dalís kone, Gala sett ovenfor), og Tårekjolen , som sjokkerte og inspirerte publikum både innen kunst og mote. Dalí og Schiaparelli banet vei for fremtidige samarbeid mellom motedesignere og kunstnere ettersom de slo bro mellom det som anses som bærbar kunst og mote.

Hummeren og Dalí

Kvinnes middagskjole av Elsa Schiaparelli og Salvador Dali , 1937, via Philadelphia Museum of Art (til venstre); Salvador Dali av George Platt Lynes , 1939, via The Metropolitan Museum of Art, New York City (til høyre)

Mens en hummer tilsynelatende er ufarlig, er den faktisk gjennomsyret av kontrovers. Dalí brukte hummer som et gjennomgående tema i hans arbeid og var interessert i hummerens anatomi. Dens skall fungerer som et skjelett på utsiden, og den har et mykt indre på innsiden, det motsatte av mennesker. Hummeren i Dalís verk har også seksuelle toner, som stammer fra kvinnelig-mannlig dynamikk.

Lobster-kjolen er et samarbeid mellom de to kunstnerne med Dalí som skisserer hummeren som skal brukes på kjolen. Det vakte mye kontrovers da den først debuterte Vogue . For det første har den en ren bodice og skjørt laget av hvit organza. Denne renheten, som viser det knapt synlige bildet av modellens kropp, var noe helt nytt innen mote sett i masseskala. Bruken av det hvite stoffet står også i kontrast til det røde på hummeren. Hvitt kan betraktes som jomfruelig eller betyr renhet sammenlignet med rødt, som kan bety seksualitet, makt eller fare. Hummeren er praktisk plassert på skjørtet for å dekke en kvinnes bekkenområde. Denne plasseringen ligner på bildet av Dalí ovenfor, som ytterligere indikerer kvinners seksualitet kontra menns reaksjon på den.

Modellen som hadde på seg plagget i Vogue var Wallis Simpson, kona til Edward VIII, som abdiserte den engelske tronen for å gifte seg med henne. Dette er nok et eksempel på å ta en kontroversiell figur eller et bilde i kulturen og gjøre det om til noe å ære.

Bone-Chilling stil

Kvinne med et rosehode av Salvador Dalí , 1935, via Kunsthaus Zurich (til venstre); med Skjelettkjolen av Elsa Schiaparelli , 1938, via Victoria and Albert Museum, London (til høyre)

Skjeletter er et annet tema sett i surrealistisk kunst og ble brukt i flere samarbeid mellom Dali og Schiaparelli. Skjelettkjolen var den første i sitt slag på grunn av emnet, men også på grunn av teknikken. Schiaparelli brukte en teknikk kalt vattert hvor to lag med stoff er sydd sammen og skaper en kontur. Vat settes inn i omrisset, og skaper en hevet effekt. Denne teknikken skaper en teksturert overflate på det flate stoffet som gir en illusjon av at menneskelige bein stikker ut gjennom kjolen. Det forårsaket en skandale fordi kjolen var laget av et klebrig materiale som festet seg til huden. Fantasien til Dalis malerier og tegninger ble realisert i den fysiske tredimensjonale verden av Schiaparellis plagg. Dali, som tidligere nevnt, var interessert i anatomi, og dette slår også ut i arbeidet hans.

4. Yves Saint Laurent: Hvor kunst og inspirasjon kolliderer

Picasso-inspirert kjole fra Yves Saint Laurent av Pierre Guillaud , 1988, via Times LIVE (til venstre); med Fuglene av Georges Braque, 1953, i Louvre-museet, Paris (til høyre)

Hvor går grensen mellom imitasjon og verdsettelse? Både kritikere, seere, kunstnere og designere har slitt med å finne ut hvor denne linjen trekkes. Men når man diskuterer Yves Saint Laurent , var intensjonene hans intet mindre enn smiger og beundring for kunstnerne og maleriene som han brukte som inspirasjon. Ved å se på sin omfattende portefølje ble Saint Laurent inspirert av kulturer og kunst fra hele verden, og han inkorporerte dette i plaggene sine.

Selv om Yves Saint Laurent aldri møtte kunstnerne som inspirerte ham, stoppet dette ham ikke fra å lage verk som en hyllest til dem. Laurent hentet inspirasjon fra kunstnere som f.eks Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,og Picasso . Han var en kunstsamler og hadde malerier av Picasso og Matisse i sitt eget hjem. Å ta en annen kunstners bilder som inspirasjon kan noen ganger bli sett på som en kontroversiell. Saint Laurent ville imidlertid bruke lignende temaer som disse kunstnerne og innlemme dem i klesbare plagg. Han tok et todimensjonalt motiv og forvandlet det til et tredimensjonalt plagg som hyller noen av favorittartistene hans.

Popkunst og 60-tallsrevolusjonen

Cocktailkjole båret av Muriel, hyllest til Piet Mondrian, høst-vinter 1965 haute couture-kolleksjon av Yves Saint Laurent, fotografert av Louis Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paris (til venstre); med Aftenkjole båret av Elsa, Homage to Tom Wesselmann, høst-vinter 1966 haute couture-kolleksjon av Yves Saint Laurent, fotografert av Gerard Pataa, 1966 , via Yves Saint Laurent-museet, Paris (til høyre)

1960-tallet var en tid med revolusjon og kommersialisme og var en ny æra for mote og kunst. Saint Laurents design fikk kommersiell suksess da han begynte å hente inspirasjon fra Popkunst og abstraksjon. Han skapte 26 kjoler i 1965 inspirert av Piet Mondrians abstrakte malerier. Kjolene legemliggjorde Mondrians bruk av forenklede former og dristige primærfarger. Saint Laurent brukte en teknikk der ingen sømmer er synlige mellom lagene med stoff, slik at det ser ut som om plagget var ett helt stykke. Saint Laurent tok Mondrians kunst fra 1920-tallet og gjorde den bærbar og relatert til 1960-tallet.

Kjolene i mod-stil er klassiske eksempler på 1960-tallsstilen der det praktiske ble et større problem for kvinner. De lignet på 1920-tallets plagg, som var mindre begrenset og hadde ermer og falder som viste mer hud. Saint Laurents boksede silhuetter tillot letthet og bevegelse for kvinner. Dette førte også til hans inspirasjon fra popkunstkunstnere som f.eks Tom Wesselmann og Andy Warhol. Han skapte en linje med popkunst-inspirerte design som inneholdt silhuetter og utskjæringer på plaggene hans. Det handlet om å bryte begrensninger for hva abstraksjon var i kunst og kommersialisere design. Laurent slo disse to ideene sammen for å skape plagg for kvinner som var frigjørende og tiltalende for den moderne kvinnen.

Kunstneri i Haute Couture-mote

Kveldsensembler, hyllest til Vincent van Gogh, båret av Naomi Campbell og Bess Stonehouse, vår-sommer 1988 haute couture-kolleksjon av Yves Saint Laurent, fotografert av Guy Marineau , 1988, via Yves Saint Laurent-museet, tatt

De Vincent van Gogh Jakker fra Saint Laurent er et eksempel på hvordan Saint Laurent kombinerte inspirasjon fra andre kunstnere og sine egne designtalenter. Som hans andre plagg, ble ikke temaene knyttet til kunstnere kopiert og limt inn på Saint Laurents plagg. Det han valgte å gjøre i stedet var å ta dem som inspirasjon og lage stykker som reflekterte hans egen stil. Jakken er representativ for 80-tallsstilen med sine sterke skuldre og et veldig strukturert boksy utseende. Det er en collage av solsikker brodert i Van Goghs malerstil.

Solsikkejakke-detalj av Yves Saint Laurent , 1988, via Christie's (til venstre); med Solsikker-detalj av Vincent Van Gogh , 1889, via Van Gogh-museet, Amsterdam

Yves Saint Laurent samarbeidet med huset til Leiehuset , en leder innen haute couture-broderi. Solsikkejakken er brodert med rørperler langs kantene på jakken og solsikkeblader og stilker. Blomstene er fylt med forskjellige nyanser av oransje og gule paljetter. Dette skaper et flerdimensjonalt teksturstykke som ligner på Van Goghs teknikk for å legge tykk maling på lerret. Det anslås å være et av de dyreste haute couture-stykkene som er laget, og selges for 382 000 euro fra Christie's. Saint Laurent slo bro for hvordan man kunne bruke mote som et kunstverk i seg selv.