12 må-se kunstverk på Museum of Modern Art

Museum of Modern Art (MoMA) i New York City huser kanskje den mest omfattende og betydningsfulle samlingen av moderne og samtidskunst i verden. Totalt eier Museet for moderne kunst nesten 200 000 individuelle kunstverk, og antallet øker hvert år. Selv om bare en liten brøkdel av disse vises til enhver tid, er det alltid godt over 1000 fantastiske og berømte kunstverk på museet for moderne kunst. Å se alt på en enkelt tur er en skremmende oppgave. For å hjelpe er dette en liste over 12 kunstverk som for øyeblikket vises, som du bør sørge for å se på Museum of Modern Art.

1. En edel heroisk mann (1950-51), av Barnett Newman

En edel heroisk mann av Barnett Newman , 1950-51, via The Museum of Modern Art, New York

Barnett Newman 's En edel heroisk mann er blant hans mest kjente kunstverk. Maleriet er massivt, og måler nesten 8 fot høyt og mer enn 17 fot langt. Stående foran maleriet er man omsluttet av Newmans sublime, eksistensielle grubling. Dybden i Newmans malerier kan bare bli verdsatt på denne måten når du ser dem personlig. Selv midt i den uopphørlige tumulten av et sted som The Museum of Modern Art, finnes en rungende stillhet i dette overveldende stillestående maleriet; En edel heroisk mann har en helt egen gravitasjon.

to. Jakobs stige (1951), av Helen Frankenthaler

Jakobs stige av Helen Frankenthaler , 1957, via The Museum of Modern Art, New York

En av Helen Frankenthalers tidligste malerier, Jakobs stige ble laget med olje i stedet for akrylmaling. Laget ved hjelp av bløtleggingsteknikken hennes, hvor fortynnet maling påføres et ugrunnet lerret, er dette oljemaleriet av Frankenthaler ikke-arkivert, noe som betyr at det allerede viser tegn til forfall. Å kunne stå foran et av disse verkene er en spesiell opplevelse, ikke bare for den fantasiske skjønnheten i verket, men fordi stykket synlig faller fra hverandre. Når man vet dette, føler man seg helt tilstede med disse maleriene. Det er tristhet, i en viss forstand, men også fortrolighet. Det er en spesiell menneskelighet ved disse verkene på grunn av tidsskalaen de eksisterer på.

3. Uten navn, (1964), av Kazuo Shiraga

Uten navn av Kazuo Shiraga , 1964, via The Museum of Modern Art, New York

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Dette maleriet er et relativt ferskt tillegg til Museum of Modern Arts samling, etter å ha blitt anskaffet i 2019. Likevel står det som et av de vakreste verkene fra midten av århundrets abstraksjon i hele museet. Dette stykket er et eksempel på Kazuo Shiraga sin ‘fotmaling’-teknikk, der han la et lerret på bakken, stablet maling på det, og deretter brukte føttene til å spre det utover overflaten, ofte hengt seg opp i et tau for å posisjonere seg og oppnå en rekke merker. Med denne ukonvensjonelle prosessen klarte Shiraga elegante abstraksjonsverk som dette. Dette maleriet er selvsikkert, og består stort sett av to dristige, røde fargeplan. Samtidig er den subtil, ettersom nærmere inspeksjon avslører variasjonen og tettheten av farge og merke innenfor denne sentrale bevegelsen.

Fire. Masker som konfronterer døden (1888), av James Ensor

Masker som konfronterer døden av James Ensor , 1888, via The Museum of Modern Art, New York

Møte James Ensor , Belgias berømte maler. I dette stykket fra The Museum of Modern Art stirrer dødsfiguren mot betrakteren, mens en kadre av tegneserieaktige maskerte figurer myldrer rundt. Masker som konfronterer døden ble malt i 1888, i løpet av de første årene av Ensors kunstneriske transformasjon. Fra begynnelsen av karrieren som kunstner på slutten av 1870-tallet og frem til midten av 1880-tallet arbeidet Ensor på en mye mer dempet og tradisjonell måte. På slutten av 1880-tallet begynte han å produsere verk som dette, med bisarre, maskerte figurer gjengitt i lyse, mettede farger. Selv om Ensors arbeid fra denne tiden prefigurerer ekspresjonismen på noen måter, er hans egen stil for enestående til å assosieres fullt ut med noen bevegelse. Ensors modne arbeid, preget av groteskeri, humor og sykelighet, er unikt, fantastisk og bør oppsøkes ved enhver anledning.

5. Vegg hengende (1927), av Anni Albers

Vegg hengende av Anni Albers , 1927 (vevd i 1964), via The Museum of Modern Art, New York

Dette tekstilstykket ble vevd for å matche et design laget av Anni Albers i 1927. Selv om det originale designet også er i samlingen til Museum of Modern Art, kan ingenting sammenlignes med å se Albers’ visjon virkelig realisert i form av et ferdig veggoppheng. Selv om elementene i mønsteret er enkle, arrangerer Albers dem med uendelig kompleksitet og interesse.

6. Maleri (1946), av Francis Bacon

Maleri av Francis Bacon , 1946, via The Museum of Modern Art, New York

KanskjeFrancis Baconsmest kjente kunstverk og et høydepunkt i samlingen til Museum of Modern Art, Maleri demonstrerer en mestring av malt rom. Bacon collager sammen flere referanser til en uatskillelig helhet; en kuskrott henger som korsfestet over en halvhodet skikkelse, som ser ut til å smelte sammen både bakover mot rommets mørke hjørner og fremover, til en ubestemt dyreform. Maleri er et umulig tett verk. Jo lenger man ser, ser det ut til at en endeløs rekke grufulle forestillinger dukker opp innenfra.

7. Marihøne (1957), av Joan Mitchell

Marihøne av Joan Mitchell , 1957, via The Museum of Modern Art, New York

Joan Mitchell var en fremtredende andregenerasjons abstrakt ekspresjonist. Det som skiller henne og hennes samtid fra de tidligere abstrakte ekspresjonistiske malerne er en mer flittige tilnærming; de kraftige penselstrøkene og malingsdryppene påføres strategisk. Mitchells malerpraksis var faktisk ikke intuitiv eller reaktiv på den måten man kan anta. I stedet bruker hun de visuelle tegnene og språket til abstrakt ekspresjonisme for å lage mer intrikate, estetisk anlagte komposisjoner.

Marihøne demonstrerer Mitchells evne til maling, med et stort utvalg av teknikker og bruksområder for materialet. Når du ser dette verket personlig, blir stykkets intrikate fremhevet; malingslagene med forskjellige viskositeter skaper vakre øyeblikk av tekstur og lysende farger. Sammenlign Mitchells berøring med de berømte kunstverkene til førstegenerasjons abstrakte ekspresjonister i The Museum of Modern Art, av malere som Jackson Pollock og Willem de Kooning, og balansen i komposisjonene hennes vil være tydelig.

8. Lik (2015), av Richard Serra

Lik av Richard Serra , 2015, via The Museum of Modern Art, New York

Richard Serra 's massive skulptur kan til å begynne med se ut til å dominere det omkringliggende rommet på Museum of Modern Art. Men med tiden Lik utvikler en roligere tilstedeværelse. Selv om blokkene ikke er arrangert symmetrisk, er de, som tittelen tilsier, like store, og ettersom man bruker tid på arbeidet, oppleves denne likestillingen i økende grad. Skulpturen, dens rom og dens publikum legger seg alle sammen mot en uunngåelig balanse.

9. Kvinne med dødt barn (1903), av Käthe Kollwitz

Kvinne med dødt barn av Kathe Kollwitz , 1903, via The Museum of Modern Art, New York

Denne vakre etsningen av Käthe Kollwitz fanger et øyeblikk av ufattelig sorg, når en mor griper den livløse kroppen til sønnen sin. Kollwitz forbindes ofte med tysk ekspresjonisme , selv om arbeidet hennes skiller seg ut fra andre i bevegelsen på grunn av hennes presise, tette tegning. Her modellerer Kollwitz fint ansiktet til det døde barnet for å understreke hans kalde stillhet, i motsetning til den løsere, uttrykksfulle tegningen i morens kropp når hun blir overveldet av angst.

10. Woman I (1950-52), av Willem de Kooning

Kvinne I av Willem de Kooning , 1950-52, via The Museum of Modern Art, New York

På midten av 1900-tallet ble arbeidet med Willem de Kooning representerte en vei fremover for figurativ kunst på høyden av abstraksjon. I De Koonings maleri er figurasjon og abstraksjon balansert og blandet med fantastiske resultater. De Kooning uttalte berømt at figuren er ingenting med mindre du vrir den rundt som et merkelig mirakel. Ingen kunstverk beskriver denne spenningen mellom figurasjon og abstraksjon bedre enn Kvinne I , et av de Koonings mest kjente kunstverk. Figuren kommer voldsomt frem, fra en bakgrunn med stripete og strålende farger som aldri setter seg. Eksistensen av figuren er et fylt problem, ettersom den titulære kvinnen virker både som om hun blir konstruert, eller hentet frem fra den støyende abstraksjonen, og blir fortært av den. Dette verket er et av de mest slående i Museum of Modern Arts samling, og uttrykker de sentrale spørsmålene innen modernismen.

elleve. Gaten Dresden (1908), av Ernest Ludwig Kirchner

Street, Dresden av Ernest Ludwig Kirchner , 1908, via The Museum of Modern Art, New York

I dette berømte eksempelet på tysk ekspresjonisme, Ernst Ludwig Kirchner har synliggjort den moderne byens latente bekymringer. Folkemengdene som befolker seg Gaten Dresden fremstå på en gang som en udifferensiert masse så vel som intenst atskilt fra hverandre. Alle figurene har fått sin personlighet fordampet i Kirchners tøffe malerstil, og blir overlappende, uenige fargesammensetninger. Imidlertid ser disse fagene også ut til å være helt uvitende om hverandre. Scenen har ingen handling, ingen fortelling, ingenting å fange eller kjenne seg igjen i. Hvilke ansikter som kan sees blant mengden er tomme, kanskje vagt hånende. Fanget så briljant i dette maleriet er den utpreget moderne følelsen av massefremmedgjøring.

12. Palasset kl. 04.00 (1932), Alberto Giacometti

Slottet klokken 04.00 av Alberto Giacometti , 1932, via The Museum of Modern Art, New York

Denne skulpturen er et eksempel på Alberto Giacometti sitt tidlige, surrealistiske arbeid. I følge Giacometti ble dette kunstverket laget nøyaktig slik han hadde vært i stand til å visualisere det i tankene hans. Denne nærheten til fantasien hans har resultert i et stykke som ikke ser ut til å høre hjemme i vår verden og som sliter med å opprettholde seg selv. Strukturen er så liten og tom at den føles klar til å kollapse. Sammenlignet med Giacomettis andre skulpturer, spesielt hans modne arbeid (basert på overarbeiding av materialer), Slottet klokken 04.00 føles nesten unikt stillegående og presis. Likevel fanger den følelsen av eksistensiell skjørhet som gjennomsyrer så mye av Giacomettis arbeid.