Under Moonlight: Skildringer av månen i kunst

Siden sivilisasjonens begynnelse har menneskeheten sett opp mot himmelen for å observere et merkelig bevegelig objekt som endrer form hver natt. Nesten hver sivilisasjon og religion har innlemmet månen i deres tro og verdensbilde. Den mystiske naturen til dette kosmiske objektet har kontinuerlig tent opp menneskehetens fantasi. Skildringer av månen har vært til stede i bakgrunnen av vår historie, og ledet sivilisasjoner gjennom deres første skritt. La oss se nærmere på noen kjente eksempler på månen i kunst.

Månen i kunst: The Observer and the Observed

En paleolittisk ulvebeinstav, lik Lebombo-beinet , via kartsci.org

Månen kan ha vært en av de første gjenstandene som ble observert og dokumentert i kunsten - men ikke i de formene du kan forestille deg. Et av de eldste eksemplene på månen i kunst ble funnet i Sør-Afrika - Det fjerde sverdet , en liten bærbar gjenstand med 29 hakk som kan være 35 000 år gammel.

Uten tilleggsinformasjon er det vanskelig å konkludere om disse kuttene virkelig representerer dagene i månesyklusen. Kan vi virkelig kalle det kunst eller en skildring av månen? Jeg tror at vi til en viss grad kan. Tross alt, hvis vi forestiller oss eldgamle jeger-samlere som stoler på deres observasjonstalent og forståelse av naturens sykluser for å tilpasse seg og overleve, er det ikke vanskelig å forestille seg at månen spilte en viktig rolle.

Disc and Crescent: Tidlige skildringer av månen i kunst

The Nebra Sky Disc, ca. 1600 fvt, via Wikimedia Commons

Til side for spekulasjoner ble den første figurskildringen av månen i kunst funnet i Europa. Denne 3600 år gamle bronseskiven ble gravd ut i Tyskland, og er kjent som Nebra Sky Disc , en flat bronsesirkel dekorert med sirkulære og halvmåneformede gullinnlegg. Det kan en gang ha blitt brukt til astronomiske observasjoner. Halvmånen er mest sannsynlig månen, mens de sirkulære formene også kan være solen eller månen. Siden de alle er laget av samme metall, er det umulig å si sikkert, og vi må bruke fantasien.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

To gudinner, en måne

Selene, romersk kopi av gresk original, foto av Anthony Majanlahti , fra Capitoline Museum, via Flickr

I Europa dukket de første bekreftede visuelle skildringene av månen i kunst opp i antikkens Hellas. Som tilfellet var med andre naturfenomener, ble månen personifisert som en guddommelighet, og på et tidspunkt var det samtidig to fremtredende gudinner relatert til månen. Den ene var månens personifikasjon kalt Selene. En liten halvmåne eller en måneskive vises i håret hennes og hun bærer et løst slør som symboliserer månen på sin reise. Dette er grunnen Selene er vanligvis avbildet i bevegelse - enten kjører en vogn eller rir på hesteryggen, lik solguden Helios. Begge ble avbildet sammen på den østlige frontonet av Parthenon mens de kjørte vognene sine; Helios reiser seg og Selene går ned i havet.

Interessant nok har disse personifikasjonene av solen og månen en parallell i et annet par guder - søsknene Apollo og Artemis. Deres innflytelsesområde var mye bredere og deres plass i pantheonet var ikke så symbolsk, men var mer sammenvevd med den menneskelige verden. Hva var årsaken til å ha en andre gudinne relatert til månen når de allerede hadde Selene til å representere månen selv? For det første var det en del av den greske forståelsen av religion. Selv om det var viktig, ble Selene sett på som en symbolsk figur i stedet for noen med reell makt over menneskelivet.

Statue av Apollo , C. 2nd Century CE, via British Museum

I motsetning, Artemis var en viktig gudinne for jakt og, kanskje enda viktigere, for fødsel. En forbindelse mellom månen og kvinnenes menstruasjonssyklus ble mest sannsynlig opprettet, og ifølge en myte var Artemis i stand til å hjelpe moren med fødselen til tvillingbroren.

Halvmånen kan også ha blitt antatt å ligne en bue, det karakteristiske jaktvåpenet til Artemis. Så hvordan kan du skille Artemis og Selene fra hverandre? Hvis du noen gang har besøkt (eller planlegger å besøke) Vatikanmuseet, vil du finne en helfigursstatue av Artemis-Diana med buen og en halvmåne satt i håret. Selv om det er en romersk kopi, er det mulig at halvmånen ble lagt til mye senere under renessansen for å styrke den ikonografiske forbindelsen. Men når du ser på gammel keramikk og statuer, vil du knapt finne noen månerelatert ikonografi.

Artemis (Diana av Versailles), romersk kopi av gresk original , 2. århundre e.Kr., via Louvre

Artemis, som jaktens gudinne, bærer en typisk kort jakttunika og bærer vanligvis pil og bue, og er ledsaget av dyr. Det var unntak med lokale varianter, som Artemis fra Efesos, som tok på seg mer en morgudinnerolle. I kontrast ble Selene vanligvis sett på farten, som representerte månens syklus, og klærne hennes korresponderte med de lange og rike som ble sett på andre gudinner. Mens Artemis noen ganger har båret en vanvittig krone (ikke eksklusiv for henne), vises Selene med sin karakteristiske halvmånehodeplagg. I det gamle romerriket ble Artemis og Selene sett på på samme måte og kalt henholdsvis Diana og Luna.

Drama i måneskinnet

Manuskriptblad med korsfestelsen fra et missal , ca. 1270–80, via MET-museet

Med et religionsskifte og det romerske imperiets fall, endret skildringene av månen i kunsten og ikonografien knyttet til den. De førkristne gudene og gudinnene ble presset inn i glemselen av kristendommen. Bibelen tillegger heller ikke månen betydelig verdi som symbol, så vi finner den for det meste i bakgrunnen av spesifikke hendelser som en del av en kompleks ikonografi. Både solen og månen var symbolske og kompletterte dramatiske landskap, spesielt for Kristi korsfestelse.

Mond-korsfestelsen , av Raphael , 1506, via National Gallery, London

En av de viktigste begivenhetene i kristendommen, korsfestelsen, er levende beskrevet i Bibelen, og det var naturlig for kunstnere og geistlige å skildre denne hendelsen så detaljert som mulig, på grunn av høye nivåer av analfabetisme. Det var flere grunner til at både sola og månen ble inkludert i denne scenen. Den første er at et øyeblikk med unaturlig mørke etter korsfestelsen er nevnt i Bibelen, noe som understreker scenens dramatiske appell.

Det andre er at månen i kunsten kan ha representert Guds kosmiske sinne over døden til hans eneste sønn, ettersom både månen og solen var en manifestasjon av guddommelig kraft. Den tredje mulige forklaringen er at de representerte kirken (solen) og synagogen (månen). I noen sent Middelalderskildringer , de er begge delvis eller fullstendig personifisert og kan sees sørge over Kristi død. De har ofte ansiktstrekk (i månens tilfelle vanligvis som en halvmåne med et menneskeansikt), som kan være relatert til ideen om mannen på månen. Ideen om månen med et menneskelig ansikt seiret også under renessansen.

I middelalderske alkymibøker og manuskripter derimot, ble månen typisk brukt som et symbol for skjulte ingredienser eller naturens kraft. Denne kunnskapen var imidlertid begrenset til en liten gruppe og var svært spesialisert. Lite oppmerksomhet ble viet til kunstnerskapet i disse skildringene. På en måte liknet dette på korsfestelsesscenene, ved at månen var ment å være et symbol, ikke en trofast representasjon av et naturfenomen.

Vitenskapelige observasjoner

Korsfestelsen , av Jan van Eyck , c. 1440–41, via MET-museet

I renessansen, Jan van Eyck observerte månen med verktøyene som sto til hans disposisjon. Selv om han ikke var i stand til å bruke et teleskop, inkluderte han flekker på månen i sitt religiøse maleri. For eksempel, i et av hans mest kjente stykker, Korsfestelsen og Den siste dommen diptych, malte han månen i en avtagende fase, hengende lavt på den tidlige morgenhimmelen, basert på den bibelske beretningen, hans observasjoner av den mørke månen og siste fullmåne nevnt i evangeliene. Det var et interessant perspektiv fra van Eyck som kombinerte sterk religiøs symbolikk med naturlig observasjon.

Korsfestelsen (detalj), av Jan van Eyck , ca. 1440–41, via MET-museet

En mer vitenskapelig tilnærming til månen i kunsten begynte på 1600-tallet, og den gikk hånd i hånd med vitenskapelig utvikling. Kunstnere hadde bedre verktøy for å observere månens overflate og faser, og de begynte sakte å oversette denne nyakkumulerte kunnskapen til kunst. En annen gruppe kunstnere var forskere som prøvde å lage nøyaktige tegninger. I løpet av renessansen var det mange eksempler på sammenslåing av disse to perspektivene, for eksempel i verkene til Leonardo da Vinci .

Et stort gjennombrudd kom med oppfinnelsen av teleskopet, som markerte et stort første skritt mot realistiske fremstillinger av månen i kunsten. Selvfølgelig var folk interessert i vitenskapelig observasjon også under middelalderen og antikken, men de manglet verktøyene til å observere månen og de var sterkt påvirket av religion og folklore.

Leonardo da Vincis notatbok , Arundel MS 263, f. 104r, ca. 1506-08, via British Library

De første detaljerte skissene av månens overflate i forskjellige faser ble laget av John Russell på 1700-tallet. Han brukte mer enn 20 år på å observere, dokumentere og tegne månen, noe som resulterte i en serie pastelltegninger med et nesten fotografisk utseende. Selv i dag er de noen av de mest trofaste skildringene av månen, og de forveksles ofte med høyoppløselige fotografier.

Måne Pastell , av John Russell , 1795, via History of Science Museum, Oxford

Romantisk natur: Skildringer av månen

To menn som vurderer månen , av Casper David Friedrich , ca. 1825–30, via Metropolitan Museum of Art

Nye ideer som fokuserte på mennesker endret måten kunstnere avbildet månen i kunsten. Denne bølgen av romantiske ideer og melankolsk kunst, tilstede på slutten av 1700- og begynnelsen av 1800-tallet, gjorde at kunstnere begynte å bruke månen for å skape den rette atmosfæren i kunstverkene sine. En flott representasjon av denne tilnærmingen kan sees i To menn som vurderer månen av Caspar David Friedrich . Du kjenner sikkert til Vandrer over tåkehavet av denne store maleren, der tåken brukes som et melankolsk naturfenomen.

I To menn som vurderer månen, tåkens rolle erstattes av månen. Det vises en dramatisk scene, med to menn som står med ryggen til betrakteren, muligens engasjert i en diskusjon mens de observerer det dramatiske landskapet. Halvmånen over dem skaper inntrykk av at det er noe skjult som bare månen kan se. Interessant nok malte Friedrich også en annen versjon av denne scenen, Mann og kvinne vurderer månen , som er mer fargerik og mindre dramatisk. Årsaken bak dette mystiske og melankolske landskapet er et romantisk syn på erfaring som går utover det menneskelige sinn og logikk, og som bare er tilgjengelig gjennom våre følelser og følelser. Interessant nok fungerte denne følelsesmessige skildringen bra. I følge en kritikers historie inspirerte et av disse maleriene den berømte dramatikeren Samuel Beckett sitt skuespill Venter på Godot .

Fiskere til sjøs , J.M.W.Turner , utstilt 1796, via Tate London

Denne nye tilnærmingen til månen i kunsten som la vekt på atmosfære og følelser var også til stede i engelske kunstskoler. J.M.W. Turner sitt maleri, The Fighting Temeraire , bruker mykt måneskinn for å skape en atmosfære av noe skjult, og forbereder oss på en kommende katastrofe. Maleriet er merkelig lyst, med en myk fargepalett som ligner på Friedrichs kunstverk.

Denne tilnærmingen kan kontrasteres med et tidligere verk av Turner, the Fiskere til sjøs . Det var Turners første oljemaleri som ble stilt ut på Royal Academy, og det skildrer en dramatisk nattscene med en liten fiskebåt som sliter i bølgene. Månen er veldig lys, og dens kalde, dominerende lys står i kontrast til det mindre, varme lyset som kommer ut av fiskernes lykt. Turner avbildet månen i flere andre malerier, men disse to eksemplene representerer best den nye betydningen gitt til månen i kunsten, ikke som et symbol, men som et middel til å skape en dramatisk atmosfære.

Vindu fra asylet

Stjernenatten , Vincent van Gogh , 1889, via Museum of Modern Art, New York

Til tross for alle verkene nevnt ovenfor, er det ett maleri av månen i kunsten, hvis berømmelse trumfer dem alle. Vincent Van Goghs De Stjerneklar natt er utvilsomt et av de mest elskede og gjenkjennelige maleriene i moderne vestlig kunst. Malt med kunstnerens karakteristiske stiliserte penselstrøk og livlige farger, var dette maleriet, i det minste ifølge brevene hans, ikke forfatterens favoritt. Det er ingen hemmelighet at van Gogh led av psykiske lidelser og ble behandlet på et asyl i Saint-Rémy-de-Provence. Stjerneklar natt ble malt fra kunstnerens romvindu med utsikt over landsbyen.

Når vi fokuserer på månen, kan vi se at den er svært stilisert og ifølge astronomer, i løpet av natten dette maleriet skulle ha blitt til, var månen i en annen fase. Van Goghs idé om månen var ganske symbolsk, spesielt sammenlignet med en uvanlig lyssterk stjerne, mest sannsynlig Venus (som bekreftet av astronomer, var planeten veldig lys i løpet av den tiden). Tallrike kunsthistorikere har forsøkt å tolke maleriet ved å studere kunstnerens bokstaver og sykdom, men det er liten tvil om at den fremtredende månen i Stjernenatten ble stilisert på en lignende måte som i antikken eller middelalderen ved at den er symbolsk snarere enn atmosfærisk eller realistisk.

Månen i kunsten: En stille kraft

Hund bjeffer på månen , av Joan Miró , 1926, via Philadelphia Museum of Art

I mer moderne tid er det verdt å nevne et ganske lekent kunstverk, den Hund bjeffer på månen , av Joan Miro . Det er ikke et kunstverk som har hans karakteristiske former og former, og vi kan lett identifisere en liten hund og Månen med en stilisert profil. Sammen med dem er det også en stige foran et sparsomt landskap med mørk himmel. Selv om vi ikke kan se det, er det en personlig og morsom historie bak denne scenen. Miro tegnet noen skisser på familiegården sin i Spania, og en av de forberedende skissene til dette bildet inneholdt også tekst. Hunden vises hylende Bow Wow , mens den uimponerte månen svarer Du vet, jeg bryr meg ikke .

Dessverre ble det ikke tatt med i det endelige maleriet, men en viss morsom og finurlig stil er fortsatt synlig i fargepaletten og avstanden understrekes av stigen. Dette maleriet ble også delt av Elon Musk på Twitter da han promoterte en ny kryptovaluta, Dogecoin. Maleriet ble spøkefullt omdøpt Doge bjeffer på månen .

Selene og Endymion , av Nicholas Poussin , ca. 1630, via Detroit Institute of Arts

Det 20. århundre var en epoke med mange forskjellige stiler og mye eksperimentering, men månen var fortsatt like mye en del av kunsten, brukt for å understreke kunstnernes intensjoner. Vi kan observere det i Henri Rousseaus malerier, som fokuserer på deltakerne i scenen i stedet for den passive månen i bakgrunnen.Paul Kleeog Edward Munch behandlet månen på samme måte.

Noen ganger har månen dukket opp bare som en stilisert dekorasjon, som i Alphonse Muchas maleri Måneskinn . Dette er ikke å si at disse kunstnerne syntes at månen var uviktig - tvert imot var månen til stede i kunstverkene deres av en grunn. Den grunnen kan være så enkel som å fortelle seeren at en scene finner sted om natten, eller den kan være mer symbolsk som representerer noe skjult, og muligens ondsinnet, som lurer i mørket. Noen ganger har moderne kunstnere ganske enkelt skapt et nytt perspektiv på månen fra et teknisk synspunkt - som i kubisme eller nyekspresjonisme.

Måneskinn , av Alphonse Mucha , 1902, via Bonhams

Vi har bare vært inne på noen av de mest kjente måneskildringene i kunsten, hovedsakelig i Europa. Selvfølgelig var det (og er) andre kulturer med sine egne unike kunstneriske språk og mytologiske tradisjoner som oversatte betydningen av dette kosmiske objektet. De siste fire århundrene i Europa ble månen studert både som noe abstrakt og mystisk, og praktisk og vitenskapelig. Om en kunstner ser månen bare som et observasjonsobjekt eller som et symbol han/hun ønsker å innlemme i en større scene, er det helt opp til dem. Månen i kunsten er et fenomen med mange ansikter.

Kilder:

Nikkel, Helmut. The Sun, the Moon, and an Eclipse: Observations on the Crucifixion with the Virgin and Saint John, av Hendrick Ter Brugghen. Metropolitan Museum Journal 42 (2007): 121–24.