Er Jeff Koons faktisk en artist?

På et tidspunkt har mange av oss fått spørsmålet: hva er kunst? Kanskje begynner alle kunsthistorietimer på videregående med at læreren spør et rom fullt av elever om den samme henvendelsen, noe som kan fremkalle blanke blikk eller intens debatt. Det er imidlertid ikke noe riktig eller galt svar. Historisk sett, for å være en kunstner verdig og kvalifisert for inkludering i den vestlige kanon krevde det mannlige kjønn og i varierende grad hvithet og privilegier. Alle de tre uuttalte kravene oppfylles av den best betalte levende kunstneren i dag, Jeff Koons.

Hvem er Jeff Koons?

Jeff Koons er en polariserende figur i samtidskunsten; ofte elsker folk ham eller hater ham. Født i 1955 og kom fra York, Pennsylvania, gikk Jeff Koons på Maryland Institute College of Art og etter en begivenhetsrik tur til Whitney Museum, overført til Art Institute of Chicago. Som den selverklærte 'ideemannen' bak kontroversielle og til tider beryktede skulpturer, malerier og ulike fabrikasjoner, har Koons vært rett ut om sitt fravær i den materielle produksjonen av arbeidet hans. I en Møt artistene intervju, forklarer Jeff Koons vagt den metafysiske lokket til lys og refleksjon.

Over opptak av ham som går gjennom studioet sitt i marineblå bukse og en nedtrykt skjorte, vil han bruke buzzwords her og der som alle høres hyggelige og oppklarende ut uten å si så mye om egentlig substans. Det virker som om ingen slår øye med denne dypt ironiske scenen. Med andre ord regnes et verk som bærer Jeff Koons navn generelt som kunst.

Hvem regnes som en kunstner?

Å vasse i vannet av hvem som er eller ikke er en kunstner kan bli grumsete. Dette skyldes delvis kunstens subjektivitet og dens historiske og institusjonelle problem med kanonisk portvakt. I den forbindelse, la oss flytte forespørselen et annet sted. Gitt at Jeff Koons ikke har noe å gjøre med den materielle produksjonen av verk som bærer hans navn, kan han virkelig betraktes som en kunstner?

Må kunstnere faktisk lage sin egen kunst for å kunne kalle den sin egen? Kanskje alt dette avviser en dypere problemstilling. I følge den samtidige økonomen og journalisten Allison Schrager, '...kunstnerne som trives er de som har politisk kunnskap om å kurere toppgallerier tidlig i karrieren eller merke seg selv for å bli Instagram-stjerner.' I kunstverdenens vinner-tar-alt-alt-marked, er de som lykkes kanskje ikke de beste kunstnerne eller produserer flott arbeid født ut av de mest originale eller kreative ideene. Jeff Koons rise to fame skylder mer til en vellykket markedsføringsplan for virksomhet og kontrovers.

Hvordan kan renessansen hjelpe?

Til tross for hans ikke-eksisterende bidrag til den endelige materielle produksjonen av arbeidet hans, a fotorealistisk male som Lepper eller skulptur som f.eks Rosa Panter krediterer fortsatt Jeff Koons og Jeff Koons alene. La oss si at Koons rett og slett står på skuldrene til giganter som Marcel Duchamp , som ofte regnes som konseptkunstens far. Men bare for å røre litt i potten, bør ideen om noe og dets uendelig Instagrammable biprodukt erstatte de individuelle ferdighetene, kompetansen og opplæringen som er nødvendig for å være artist? Å se på fortiden kan også være overraskende opplysende. For nok en hit av søt nostalgi, la oss gå videre gjennom kunsthistorien til Nordrenessansen .

Dette kan virke som en uensartet sammenligning, men husk den rådende myten om en kunstner som et enestående geni som oppsto i renessansen. På samme måte som sine italienske kolleger, blomstret verksteder i hele Nord-Europa. For kontekst, i introduksjonen av katalogen deres Tidlig nederlandsk maleri, (1986), produsert for National Gallery of Art, bemerker John Oliver Hand og Martha Wolff for leseren at atelier- eller verkstedattribusjoner indikerer at et stykke var, 'Produsert i den navngitte kunstnerens verksted eller studio, av studenter eller assistenter, muligens med noen deltakelse av den navngitte artisten. Det er viktig at det kreative konseptet er av den navngitte kunstneren, og at verket var ment å forlate studioet som hans.» En slik tilskrivning er brukt på Tournai-verkstedet til Robert Campin og et av de mest berømte og kjente tidlige nederlandske maleriene, Annunciation Triptych (Merode altertavle), (1427-28).

Robert Campin (1378/9-1444), ofte kjent som Mesteren av Flémalle, var en banebrytende skikkelse i den nordlige renessansen. Sammen med sin samtidige Jan van Eyck ble Campin kreditert for å utvikle den naturalistiske stilen til panelmaling og betydelig oppmerksomhet på detaljer som er karakteristiske for regionen og epoken. Selv om den er udatert og usignert, tyder stilistiske og tekniske bevis på at altertavlen ble laget i etapper over en femårsperiode, ca. 1427-32. Omfanget av Campins engasjement i produksjonen av stykket er ukjent, og det antas generelt at han hadde to lærlinger til å hjelpe seg, nemlig Rogier van der Weyden og Jacques Daret.

I tråd med den flamske tradisjonen og allmennpraksisen i den nordlige renessansen, Merode altertavle er et glitrende eksempel på foreningen mellom den dyktige gjengivelsen av former og å gi dem mening. Som Erwin Panofsky sier i sin bok Tidlig nederlandsk maleri , (1953), «jo mer [flamske] malere gledet seg over oppdagelsen og reproduksjonen av den synlige verden, desto mer intens følte de behovet for å mette alle dens elementer med mening. Omvendt, jo hardere de forsøkte å uttrykke nye finesser og kompleksiteter i tanke og fantasi, jo mer ivrig utforsket de nye områder av virkeligheten.' Selv om religion informerte symbolikken og betydningen av verkene deres, var ideene bak et maleri som Merode altertavle var ikke mindre gyldige enn de individualiserte ideene til kunstnere i dag.

Utforskningen av form og konseptuell funksjon er ikke eksklusivt for samtidskunst, og det er heller ikke en utvikling født av moderne tid i det hele tatt. Den eneste forskjellen er kanskje den tekniske ferdigheten som kreves av kunstnere, støttet av deres assistenter eller verksteder, for å realisere ideene sine. Når det er sagt, er det viktig å skille arbeidsdelingen fra arbeidskraft som er outsourcet helt. Som en utilsiktet myte født av renessansen, er den paradoksale naturen mellom oppfatningen av en individuell kunstner og gruppementaliteten til et verksted godt dokumentert. Selv om vi bruker samme terminologi, er verkstedet til Jeff Koons ikke beslektet med et renessanseverksted som Campin. De kunstneriske mesterne fra tidligere århundrer trenger ikke kreditere sine studenter eller assistenter, da forholdet mellom kunstneren og medlemmene av verkstedet deres var gjensidig fordelaktig.

Etter at de jobbet med Mesteren av Flémalle, fortsatte Van der Weyden og Daret å bli kunstnere i seg selv. Campins stilistiske innflytelse er tydelig i elevenes arbeid etter at de forlot atelieret hans, og det samme er dyktigheten, veksten og erfaringen som er oppnådd som lærlinger. Gitt beskrivelsen av studioet hans som en fabrikksetting, virker forholdet mellom Koons og hans assistenter ganske utnyttende, og gagner førstnevnte på sistnevntes bekostning. Med Koons sitt system for å outsource fabrikasjon helt, kan ideene hans bare produseres med et uunngåelig basisnivå av utnyttelse. Uansett Jeff Koons veltalenhet når man tilskriver sosial verdi og betydning til ethvert produkt fra fabrikken hans, må betydningen av et verk, slik dets publikum forstår det, ta hensyn til metoden for dets fremstilling.

Jeff Koons merkevare og problem med forfatterskap

For hvert kunstverk som er oppført på nettstedet hans, mottar Jeff Koons både kreditt- og opphavsrettseierskap. Skjønt, omtrent som en arkitekt, er omfanget av Koons’ bidrag til praktisk konstruksjon null. Der en arkitekts plan fungerer som et veikart for entreprenørene som er ansatt for å konstruere deres design, har Koons ikke noe ansvar for den tekniske oppfinnsomheten og den proprietære kunnskapen om hvordan ideen eller konseptet hans er konstruert. Den delen, som det manuelle arbeidet som bringer ideene hans ut i livet, er også outsourcet.

Alt dette reiser spørsmålet: hvis Jeff Koons ikke er en artist, hva er han da? Enkelt sagt, det er ikke noe enkelt svar. Det som ikke kan tilbakevises er Koons sine utmerkede salgs- og markedsføringsevner. Kan det samme virkelig sies om hans kunstneriske skarpsindighet? På den ene siden har kunstverdenen definitivt svart på det spørsmålet med et rungende ja . På den annen side, hvis vi skal ta noe fra samtaler om avkolonisering av kunsthistorie i akademiske kretser, bør vi undersøke ikke bare kunstneren og deres kunst, men måten kunsten deres produseres på.

Med unntak av tilgang til outsourcet fabrikasjon, er Jeff Koons en annen hvit mann som med suksess markedsførte seg selv som en kunstner mens han hevdet andres håndverk og arbeid som sitt eget. Det krever ikke mye selvrefleksjon, enten det er figurativt eller en bokstavelig rosetonet forvrengning som stirrer tilbake på en Ballong Venus seeren, for å vite det sier mer om forbrukerisme enn noe som er produsert av et Jeff Koons-studio.