Avkolonisering gjennom 5 banebrytende Oceania-utstillinger

Med den nye kampen for avkolonisering i kunst- og kulturarvsektoren, har vi sett en rekke utstillinger dedikert til historiene, kulturene og kunsten til tidligere koloniserte land og kontinenter. Oceania-utstillinger har dukket opp som utfordrere av den tradisjonelle utstillingsmodellen og gir grunnlaget for urbefolkning og avkolonisering av utstillingspraksis. Her er en liste over 5 av de mest betydningsfulle Oceania-utstillingene som har gjort en forskjell og endret metodene for museumspraksis.

1. Te Māori, Te Hokinga Mae : Den første store Oceania-utstillingen

Foto av to barn på Te Māori-utstillingen , 1984, via New Zealand Ministry of Foreign Affairs and Trade, Auckland

Denne åpningsutstillingen er anerkjent som den som introduserte Māori-kunst i internasjonal skala. Maoriene fungerte som paradigmeskiftet i hvordan verden så på stillehavskunst. Medkurator for utstillingen, Sir Hirini Mead, sa under åpningsseremonien:

Den vanvittige klikkingen av kameraene til den internasjonale pressen til stede under seremonien forsikret oss alle om at dette var et historisk øyeblikk, et gjennombrudd av en viss betydning, en storslått inngang til den store internasjonale kunstverdenen. Vi var plutselig blitt synlige .

Denne storslåtte Oceania-utstillingen har fortsatt en massiv innvirkning i dag. Maoriene endret måten stillehavskunst og kulturer vises og tolkes på. Det var den første Oceania-utstillingen som aktivt involverte Māori i utstillingsutviklingsprosessen, med større konsultasjon om hvordan skattene deres ble vist og analysert, samt deres bruk av skikker og seremonier.

Porten til Pukeroa Pa via Te Papa, Wellington

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Den introduserte nå standard avkoloniseringsmuseologimetoder: daggryseremonier som tillot interaksjon med maori for å samhandle og berøre skattene deres, Māori følger utstillingene som verger, og trener dem som museumsguider og bruk av både engelsk og maorispråk. Oceania-utstillingen åpnet i New York City i 1984 på Metropolitan Museum of Art og tok seg gjennom utvalgte museer i USA før den endte opp i New Zealand i 1987.

Dette paradigmatiske skiftet i museologi ble også reflektert i den bredere konteksten av Māori pedagogisk og politisk aktivisme på 1970- og 1980-tallet. Det var en gjenoppblomstring av Māoris kulturell identitet i løpet av 1970- og 80-tallet angående de voldelige historiene til kolonialismen i New Zealand og de fortsatte spørsmålene om behandlingen av Māori i New Zealand.

Med en visning av over 174 stykker gammel maorikunst, representerer verkene som er valgt over 1000 år med maorikultur. Et av de mange fremstående verkene til utstillingen var Gateway of Pukeroa Pa, som sto ved inngangen til utstillingen, tungt tatovert med maori og kropp malt hvitt, grønt og rødt, med et sett med maori-klubber, eller drepe .

2. Oseania : En utstilling, to museer

Bilde av Gods and Ancestors Room på Museé du Quai Branly, foto via forfatter 2019, Museé du Quai Branly, Paris.

For å minnes 250 år siden starten på Captain Cooks reiser og invasjoner, utviklet museer og gallerier flere Oceania-utstillinger for å åpne i 2018-2019. En av disse var Oseania , som ble vist på både Royal Academy of Art i London og Museé du Quai Branly i Paris, med tittelen Oseania .

Utviklet av to respekterte Oceania-forskere, professor Peter Brunt og Dr. Nicholas Thomas, Oseania ble opprettet for å vise frem Stillehavshistorie og kunst. Utstillingen viste over 200 historiske skatter og verk av moderne stillehavskunstnere som utforsker historien, Klima forandringer , identitet og bærekraftig utvikling. Den utforsket også Oseanias kunstpåvirkning på den europeiske kunstverdenen og vice versa.

Utstillingen brukte tre temaer for å fortelle historiene til Pacific Islanders: Voyaging, Settlement og Encounter. Ved begge gjengivelsene av utstillingen, Kiko Moana, av Mata Aho Collective , var ved fronten for å hilse på besøkende. Kollektivet skapte stykket rundt ideen om hvordan en skapning kalte monster vil tilpasse seg for å bekjempe havforurensning og klimaendringer. Flere utstilte mesterverk var gjenstand for restitusjonsbekymringer: det seremonielle trauet fra British Museum reiste ikke til Museé du Quai Branly på grunn av bevaringshensyn.

Foto av Kiko Moana av Mata Aho Collective, 2017, via Author 2019, Quai Branly Museum, Paris

Oceania-utstillingen fikk mye ros ved begge institusjonene for deres bruk av avkoloniseringsmetoder og nøye intensjonalitet for å vise gjenstander fra stillehavsperspektiver. Et resultat av utstillingen var positiviteten til museumspraksis i utvikling , ettersom den fungerte som den første utstillingen som viste en undersøkelse av oseanisk kunst og tilbød mainstream-eksponering for Pacific Islands kunst og kultur. Utstillingen revitaliserte også samtaler om restitusjon av disse samlingene .

På grunn av Maoriene utstilling i 1984, er det nå protokoll i hvordan skatter tolkes og vises samt rundt pleie av gjenstander. Showets kuratorer, Adrian Locke ved Royal Academy og Dr. Stéphanie Leclerc-Caffarel vedQuai Branly-museet, samarbeidet med Pacific Island-kuratorer, kunstnere og aktivister for å sikre at skikker ble overholdt.

3. Samle historier: Salomonøyene

Bilde av Collecting Histories Salomonøyenes utstillingsområde, via forfatter 2019, British Museum, London

En metode for avkolonisering er å være transparent med hvordan samlingsobjekter havnet på museer. Museer i dag er fortsatt motvillige til å fortelle hele historien til noen av samlingene deres . Spesielt British Museum har tatt del i en slik motvilje. For å fortsette med trenden med Oceania-utstillinger sommeren 2019, avduket British Museum sin eksperimentelle utstilling, Samle historier: Salomonøyene , som illustrerer det koloniale forholdet mellom British Museum og Salomonøyene.

Utstillingen ble utviklet av Oceania-kurator Dr. Ben Burt og leder for tolkning Stuart Frost som et svar på Samle historier serie. Serien med foredrag, holdt av forskjellige British Museum-kuratorer, fokuserte på å gi besøkende kontekst om hvordan gjenstander kom inn i museets samlinger.

Gjennom fem utstilte gjenstander var målet å anerkjenne de forskjellige måtene British Museum skaffet gjenstander på: gjennom bosetting, kolonisering, regjering og handel. Dr. Ben Burt kjøpte en av gjenstandene som ble utstilt, en kanofigurhode , i 2006, og tjente som en del av den kommersielle økonomien på Salomonøyene. Kuratorene samarbeidet med regjeringen på Salomonøyene og diasporiske Salomonøyboere for å bestemme hvilke gjenstander som skulle vises og best representerte øyene.

Foto av kanofigurhode, av Bala fra Batuna, 2000-2004, foto via forfatter 2019, British Museum, London

Til dags dato er dette den andre utstillingen som British Museum har satt opp om Salomonøyene, med første åpning i 1974. British Museum har satt opp over 30 utstillinger dedikert til Stillehavsøyene, men dette er den første som tar for seg kolonialisme direkte. Noen kan imidlertid se på det som å omgås ved å legge til variasjoner av innsamlingsmetoder, ettersom anskaffelsen fortsatt kan være et resultat av koloniale forhold og maktubalanser.

Denne Oceania-utstillingen påvirket direkte Innsamling og Empire Trail som debuterte på British Museum sommeren 2020, og ga proveniens og kontekst til gjenstander rundt museene anskaffet gjennom kolonisering. Metodene for tolkning vil påvirke hvordan gjenstander av kolonial kontekst vises og tolkes i British Museum.

4. Bottled Ocean: Exotizing The Other

Etter Maoriene , begynte tradisjonell Pacific Island-kunst å bli vist i museer og gallerier. Moderne stillehavskunstnere oppnådde også suksess på kunstmarkedet ved å vise kunsten sin. Imidlertid var det en underliggende dualitet og bekymring for at kunsten deres ble vist fordi den så polynesisk ut snarere enn basert på sine egne fordeler. Som enhver artist, de søkte å få arbeidet sitt sett for dets spesielle innhold og argument, snarere enn for dets uttrykk for stillehavsøy .

Hav på flaske startet som en undersøkelse av New Zealands migrantkunst og utviklet seg til et show som trakk oppmerksomheten til de underliggende bekymringene rundt kulturelle stereotypier sett i kunst- og kulturarvsektoren og forventningene til formidlingen av moderne Pacific Island-kunstnere og deres verk.

Bilde av skjermet utstilling, Bottled Ocean på Auckland Art Gallery av John McIver , Via Te Ara

Utstillingen var ideen til kurator Jim Vivieaere, som forsøkte å vise verkene til New Zealand-kunstnere uten å bli begrenset av forventningene til kunsten som ser polynesisk ut. Tankeprosessen bak navnet, sier Vivieaere, var å problematisere ideen om Pacific Islandness og ønsket om å flaske den . Oceania-utstillingen startet på Wellington's City Gallery og turnerte i flere andre utstillingsrom rundt om i New Zealand.

Vivieaere valgte tjuetre kunstnere av forskjellige medier, hvorav mange fikk sine stykker anskaffet av nasjonale museer og gallerier. Michel Tuffrey, en kunstner av samoansk, tahitisk og Cookøyene avstamning, skapte Corned Beef 2000 å kommentere effekten av koloniale økonomier på stillehavsfolk. Stykket er nå en del av Te Papas samling. Professor Peter Brunt, som deltok på showet, så på det som ankomsten av moderne stillehavskunst til mainstream-gallerier. Denne utstillingen brakte samtidskunst fra Stillehavet til forkant av det internasjonale kunstmarkedet og gjorde publikum oppmerksom på privilegiet med bakhånd; å bli slått i boks for å skape en viss type kunst som begrenser kreativiteten.

5. Pasifika Styles: Kunst forankret i tradisjon

Gjør-det-selv-repatrieringssettet av Jason Hall , 2006, via Pasifika Styles 2006

Å stille ut urfolksmateriale i dag er en full av oppgave , men resultatet gjennom avkoloniseringsmetoder og erkjennelse av spenninger kan til syvende og sist føre til gjensidig anerkjennelse og forståelse. En slik metode er utfordrende Vestlig museum praktisere og anerkjenne ulike typer ekspertise og forbindelser mellom mennesker og objekter.

Pasifika-stiler møtte den utfordringen på strak arm. Pasifika-stiler , den første store utstillingen av samtidskunst i Stillehavet i Storbritannia, var et produkt av et samarbeid mellom University of Cambridge-kurator Amiria Henare og New Zealand-Samoansk kunstner Rosanna Raymond.

Utstillingen hentet inn moderne stillehavskunstnere for å installere kunstverkene sine ved siden av skatter samlet på reisene til Cook og Vancouver, samt for å lage kunst som svar på skattene i samlingen. Den viste ikke bare stillehavskunst for sin egen fortjeneste, men demonstrerte også hvordan noen stillehavskunstneres praksis er forankret i tradisjonelle metoder.

Kunsten laget som svar på samlingene reiste spørsmål om kulturelt eierskap, restitusjon og avkolonisering. Jason Halls arbeid Gjør-det-selv-repatrieringssettet stiller spørsmål ved museets rett til å ha kulturarv. Settet består av en koffert med London-flyplassmerker med et indre skumfôr i kofferten skåret ut for en plukke opp ornament og en hammer. Imidlertid gjenstår bare hammeren.

Bilde av Pasifika Styles utstillingsrom i Cambridge University Museum of Archaeology and Anthropology, Cambridge av Gwil Owen , 2006, via Pasifika Styles 2006

Denne gjennomtenkte utstillingen formidler viktigheten av å koble skatter sammen med deres levende etterkommere og skape nye forbindelser mellom museer og deres skatter . Skatter i seg selv kan være viktige kilder om dens historie og historiske teknikker, så det fungerte som en læringsmulighet for museumsfagfolk fra kunstnerne, som har ekspertise fra iboende kunnskap. Det tillot også kunstnere å undersøke museets samlinger for å informere om kunstverkene deres og bringe informasjonen tilbake til Stillehavsøyene for å informere tradisjonell stillehavskunstpraksis.

Oceania-utstillingen ble en suksess, noe som resulterte i et toårig program som feirer Pacific Island-kunstnere og deres samarbeid med Cambridge-museene med besøkskunstnerprogrammer, museumsseminarer og workshops, i samarbeid med lokale skoler for å engasjere publikum som ikke er kjent med stillehavskulturer. Resultatet av utstillingen var sann gjensidighet av utdanning. Utstillingsrommet ble et forum for fornyelse av politiske debatter, og reiste spørsmål om vestlig museumspraksis angående Oseania-materiale, refleksjoner av antagelser om kreativitet og avkolonisering.

Ytterligere lesing om Oceania-utstillinger og avkolonisering:

• Avkoloniseringsmetoder av Linda Tuhiwai Smith
• Pasifika-stiler , redigert av Rosanna Raymond og Amiria Salmond
• Den tyske museumsforeningen Retningslinjer for stell av samlinger fra koloniale kontekster
• Kunst i Oceania: En ny historie av Peter Brunt, Nicholas Thomas, Sean Mallon, Lissant Bolton, Deidre Brown, Damian Skinner, Susanne Küchler