Aegean Civilizations: The Emergence of European Art
To kykladiske marmorskulpturer, et hode og en kvinneskikkelse
Menneskets medfødte disposisjon for å uttrykke naturens skjønnhet som omgir oss førte oss gjennom århundrene til å oppdage og definere skjønnhet. Fra de minste gjenstandene til de mest emblematiske offentlige monumentene, vår søken etter skjønnhet har vært kjernen og drivkraften bak egeiske sivilisasjoner, og fremveksten av europeisk kunst.
Dette er den første av en serie på fem artikler som vil ta leseren med på en reise gjennom eldgamle greske sivilisasjoner og kunstens manifestasjon og utvikling slik den kommer til uttrykk i gjenstandene som har overlevd årtusenene og pryder museer rundt om i verden.
Fra Kykladisk bronsealder og minoiske sivilisasjoner som starter serien, vil vi fortsette til den mykenske kunsttiden, tiden for de store kongedømmene, Homer og den trojanske krigen, en tid med helter og guder. Den tredje artikkelen vil forsøke å presentere de enorme prestasjonene fra den klassiske gullalderen, epoken som satte standardene for kunst, siden den også la grunnlaget for mange vitenskaper, filosofiske og politiske trender.
Kykladene, kilde pinterest.com
Fenomenet klassisk Hellas spredte seg i den kjente verden, for det meste ved erobringene av Alexander den store, den hellenistiske perioden markerte utvidelsen av gresk kunst, vitenskap, filosofi, men også dens eventuelle tilbakegang og sepsis. Fra ruinene av klassiske mesterverk, fra de hedenske skulpturerte gudehodene som ble brutalt halshugget av ildsjelene i den nye religionen, grunnla de kristne det bysantinske riket, en helt ny kunstverden dukket opp, innsnevret og begrenset av innstrammingsreligionen pålagt, men likevel opprørsk. i sin innovative tilnærming til Art.
De egeiske sivilisasjoner
I den egeiske øygruppen, sørøst for fastlands-Hellas, danner en gruppe på 220 øyer Kykladene. Navnet Kykladene vil oversettes som en sirkel av øyer, og danner en sirkel rundt den hellige øya Delos. Delos var fødestedet til guden Apollo, så hellig at mens mennesker kunne leve der, kunne ingen bli født eller dø på dens jord. Øya har frem til i dag opprettholdt sin hellighet og har bare 14 innbyggere, vaktmesterne for det arkeologiske området. I følge den greske mytologien forvandlet Poseidon, havets gud, rasende mot Kykladenes nymfer dem til øyer, plassert for å tilbe guden Apollo.
I dag er Kykladene fra de mest populære turistmålene i Hellas, øyene Santorini, Mykonos, Naxos, Paros, Milos, Sifnos, Syros og Koufonisia. To av disse øyene er vulkanske, nemlig Santorini og Milos.
ANBEFALT ARTIKKEL:
Masaccio (og den italienske renessansen): 10 ting du bør vite
Den kykladiske kunsten – et forspill til postmodernismen
FAF- Brettet armfigur, kvinnestatue av parisk marmor; 1,5 m høy, 2800–2300 f.Kr. (største kjente eksempel på kykladisk skulptur)
Liker du denne artikkelen?
Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt
Takk skal du ha!Den gamle kykladiske kulturen blomstret fra ca. 3300 til 1100 f.Kr. Sammen med den minoiske sivilisasjonen på Kreta og den mykenske på fastlands-Hellas, er den kykladiske sivilisasjonen og kunsten de viktigste bronsealdersivilisasjonene i Hellas.
Den mest fremtredende typen kunstverk som har overlevd er marmorfiguren, oftest en enkelt kvinnefigur i full lengde med armene foldet over fronten. Arkeologer omtaler disse figurene som en FAF for figur med brettet arm.
Bortsett fra en fremtredende nese, er ansiktene et glatt emne, sterkt antydet av eksisterende bevis på at ansiktsdetaljer opprinnelig ble malt. Ulovlige utgravninger i enestående skala i forrige århundre, plyndring av kirkegårder i regionen, var hovedårsaken til at mange av disse figurene finnes i private samlinger, uregistrert i en arkeologisk kontekst, men det er tydelig at de ble brukt mest som gravoffer. Denne voldelige fjerningen påvirket også studiet av den kykladiske sivilisasjonen negativt.
FAF - Kvinnelig figur, Museum for kykladisk kunst, Athen
På 1800-tallet hvor klassisk kunst var ideell og satte de estetiske reglene, var disse figurene ikke tiltalende så primitive og grove. Paul H.A. Wolters, en tysk klassisk arkeolog i 1891, beskriver figurene som 'frastøtende og motbydelige'. Det var først i løpet av forrige århundre med de fremvoksende trendene innen modernisme og postmodernisme som tilla de kykladiske figurene spesiell estetisk verdi, hvor de ble gjenstander for kunststudier og etterligning.
Store museer rundt om i verden har dedikert kykladiske samlinger og utstillinger, men av omtrent 1400 kjente figurer er bare 40% gjennom systematisk utgraving.
New York Metropolitan Museum har en omfattende samling av kykladisk kunst, permanent vist i Galleri 151.
Kvinnefigur i marmor, fra de tidligste FAF-eksemplene 4500–4000 f.Kr., vist på The Met Fifth Avenue
Figuren representerer en sjelden type kjent som steatopygot betyr fettansamling i og rundt baken, en karakteristikk som utvilsomt indikerer fruktbarhet.
ANBEFALT ARTIKKEL:
Alexander Calder: Den fantastiske skaperen av skulpturer fra det 20. århundre
Leder av kykladisk statue fra Amorgos – Metropolitan Museum of Art, New York
Marmorhode fra kvinneskikkelsen, tidlig kykladisk II periode (2800-2300 f.Kr.). Ansiktet, nesen, munnen og ørene er gjengitt i relieff, mens farge gjengir øynene, vertikale linjer på kinnene, bånd på pannen og håret. En av de best bevarte gjenstandene hvor de dekorative malingsteknikkene er tydelige.
Marmor sittende harpespiller, Metropolitan Museum of Art, New York
En mannsfigur som spiller et strengeinstrument sitter på en høyrygget stol. Dette verket er et av de tidligste (2800–2700 f.Kr.) av det lille antallet kjente representasjoner av musikere. Legg merke til den karakteristiske og følsomme modelleringen av armer og hender.
Store samlinger av kykladisk kunst er utstilt i Museum for kykladisk kunst og i Nasjonalt arkeologisk museum i Athen hvor man kan surfe virtuelt og utforske mer av denne kunstformen.
Som en siste merknad om kykladisk kunst, og absolutt verdt å nevne, er mosaikkene til Delos. Som et stort kultsenter, lik Delphi og Olympia, hadde øya flere komplekser av bygninger, og i 1990 skrev UNESCO Delos på verdensarvlisten, og siterte den som eksepsjonelt omfattende og rikt arkeologisk sted som formidler bildet av en stor kosmopolitisk middelhavshavn .
Antikkens gresk teater i Delos, kilde – Wikipedia.
Delfinenes hus, gulvmosaikk, Wikipedia.org
Mosaikkene til Delos er en betydelig del av gammel gresk mosaikkkunst. De dateres til siste halvdel av 2. århundre f.Kr. og tidlig 1. århundre f.Kr., under den hellenistiske perioden. Blant hellenistiske greske arkeologiske steder, inneholder Delos en av de høyeste konsentrasjonene av bevarte mosaikkkunstverk. Omtrent halvparten av alle overlevende tessellerte greske mosaikker fra den hellenistiske perioden kommer fra Delos.
MINOAN KUNST – Skjønnhetens fremvekst I SKAPELSEN
Et kart over Kreta som viser viktige minoiske steder, ancientworldmagazine.com
Sør for øykomplekset Kykladene, på den sørligste delen av Egeerhavet, ligger øya Kreta.
Mot slutten av det nittende århundre startet den britiske arkeologen Arthur Evans utgravninger ved Knossos. Han oppdaget en struktur som minnet ham om den legendariske labyrinten der kong Minos hadde fengslet Minotauren. Som et resultat bestemte Evans seg for å navngi bronsealderens sivilisasjon på Kreta minoisk, navnet har vedvart siden den gang, og han betraktet det som 'den europeiske sivilisasjonens vugge'.
Nyere studier og forskning forsterker Evans’ forestillinger. I 2018 skrev Ilse Schoep, forfatteren av The Administration of Neopalatial Crete: «Evans»-fortellingen skulle fremme Kreta som den europeiske sivilisasjonens vugge, implikasjonene av denne observasjonen for konseptene han konstruerte og tolkningene han gjorde har ikke blitt fullstendig utforsket. Selv om vi nå, i teorien, har beveget oss forbi en storslått fortelling … i sivilisasjonens utvikling, lever Evans’ retorikk i praksis videre, ikke bare i populærlitteraturen, som man kunne forvente, men også i mainstream akademisk diskurs.
Sivilisasjonen spenner over flere årtusener og er klassifisert i:
- Tidlig minoisk: 3650–2160 f.Kr
- Mellomminoisk: 2160–1600 f.Kr
- Senminoisk: 1600–1170 f.Kr
Palasser og fresker
Knossos Palace, Southern Propylaeum/inngang, Foto: Josho Brouwers, ancientworldmagazine.com
Minoiske palasser , så langt utgravd på Kreta er:
- Knossos, det minoiske palasset i Knossos på Kreta
- Phaistos, det minoiske palasset til Phaistos på Kreta
- Malia Palace, det minoiske palasset i Malia på det østlige Kreta
- Zakros-palasset, det minoiske palasset i Zakros på det østlige Kreta
Kunsten til den minoiske sivilisasjonen på Kreta i bronsealderen viser en kjærlighet til natur, dyr, hav og planteliv, brukt til å dekorere fresker, keramikk, og den inspirerte former i smykker, steinkar og skulpturer. Minoiske kunstnere uttrykker sin kunst i flytende, naturalistiske former og design, og det er en puls i minoisk kunst som ikke var til stede i det moderne østen. Bortsett fra dens estetiske kvaliteter, gir minoisk kunst også verdifull innsikt i religiøse, fellesskaps- og begravelsespraksis til en av de tidligste kulturene i det gamle Middelhavet.
Minoerne, var en sjøfarende nasjon, deres kultur ble påvirket av det nære østen, babylonske og egyptiske påvirkninger som kan finnes i deres tidlige kunst. Minoiske kunstnere ble stadig utsatt for både nye ideer og materialer som de kunne bruke i sin egen unike kunst. Palasser og hjem til aristokratiet ble dekorert med ekte freskomaleri (buon fresco),
Knossos Palace, Tre kvinner freskomaleri, via Wikipedia.org
Minoisk kunst var ikke bare funksjonell og dekorativ, men hadde også politiske formål, spesielt veggmaleriene av palasser avbildet herskere i deres religiøse funksjon, noe som forsterket deres rolle som leder av samfunnet. Kunst var den herskende klassens privilegium; den generelle befolkningen var bønder, håndverkere og sjømenn.
Throne Room i Knossos Palace, via wikipedia.org
Throne Room på Knossos, rett under freskomaleriet; kraftig restaurert av Evans, dateres til sen bronsealder. På tronen satt en konge, en dronning eller en prestinne; griffinene er assosiert med prestinner. Den bølgete formen på baksiden av tronen kan referere til fjell.
Bull Leaping Fresco på Knossos Palace, via nationalgeographic.com
ANBEFALT ARTIKKEL:
De mest kontroversielle kunstverkene i det 20. århundre
Minoisk keramikk
Marine Style kolbe med blekksprut, c. 1500-1450 f.Kr., via wikipedia.org
Minoisk keramikk gikk gjennom ulike utviklingsstadier. Den utviklet seg gjennom årtusenene fra enkle geometriske former til forseggjorte impresjonistiske naturskildringer, så vel som abstrakte menneskefigurer. Noen ganger dekorerte skjell og blomster karet i relieff. Vanlige former er nebbkanner, kopper, pyxider (små bokser), kalker og pithoi (veldig store håndlagde vaser, noen ganger over 1,7 m høye brukt til matoppbevaring).
Marine Style Ewer of Poros, 1500-1450 f.Kr., via wikipedia.org
Det siste stadiet av keramikkevolusjonen, kjent som Marine Style, preget av detaljerte, naturalistiske skildringer av blekkspruter, argonauter, sjøstjerner, tritonskjell, svamper, koraller, steiner og tang. Videre utnyttet minoerne flytbarheten til disse sjødyrene til å fylle og omgi de buede overflatene til keramikken deres. Bulls hoder, doble økser og sakrale knuter dukket også ofte opp på keramikk også.
Minoiske Rhyton
The Bull's Head Rhyton, 12, Little Palace at Knossos, datert 1450-1400 f.Kr., via det arkeologiske museet i Heraklion
En rhyton er en omtrent konisk beholder for å drikke eller helle væske. Mest brukt som et drikkofferfartøy, spesielt oksehodet, var vanlig i religiøse ritualer, bankett- og festivalmiljøer. Drivoffer av vin, vann, olje, melk eller honning ble brukt til å tilbe en gud eller ære de døde.
Den oksehodede rhytonen er et av de mest kjente funnene fra Sir Arthur Evans utgravninger på Kreta i 1900. Det er virkelig spektakulært. Naturalisme og oppmerksomhet på detaljer eksemplifisert i denne nesten individualiserte portrettbysten av en okse. Naturalismen er tydelig i krumningen av nesen, de utstående avrundede ørene og fettavleiringen som henger fra bunnen av oksens hals. På toppen av oksens hode er krøllete hårtotter og forlokkdesign tydelige og flekker pryder nakken. Denne livaktige posituren vil først dukke opp igjen i kunsten under den klassiske greske epoken et årtusen senere.
Denne rhytonen har de mest utsøkte materialene. Hovedkaret er laget av steatittstein mens snuten har hvitt innlagt skall, og øynene er laget av bergkrystall og rød jaspis. Hornene er av tre med bladgull og er rekonstruksjoner av originalen. Øynene er laget med vilje og er malt bergkrystall på baksiden med røde pupiller og svarte iris, deretter satt inn i rød jaspis for et dramatisk blodskutt utseende og innlagt i steatitten.
Minoisk skulptur
Bull Leaper-figur, via odysseus.culture.gr
Figurskulptur er sjelden i den minoiske kunsten, men flere små figurer overlever for å eksemplifisere at minoiske kunstnere var like i stand til å fange bevegelse og nåde i tre dimensjoner som de var i andre kunstformer. Tidlige figurer i leire og bronse skildrer typisk tilbedere, men også av dyr, spesielt okser.
Senere verk er mer sofistikerte; blant de mest betydningsfulle er en figur i elfenben av en mann som hopper i luften, over en okse som er en egen figur. Håret var i bronsetråd og klærne i bladgull. Datert til 1600-1500 f.Kr., er det kanskje det tidligste kjente forsøket innen skulptur for å fange fri bevegelse i rommet.
Minoisk slangegudinne, Knossos, via odysseus.culture.gr
Et annet representativt stykke er den slående figuren av en gudinne som svinger en slange i hver av hennes løftede hender. Gjengitt i fajanse, dateres figuren til rundt 1600 f.Kr. De bare brystene hennes representerer hennes rolle som fruktbarhetsgudinne, og slangene og katten på hodet hennes er symboler på hennes herredømme over vill natur.
Begge figurene er i det arkeologiske museet i Heraklion, Kreta.
Minoiske smykker
Bee Pendant, permanent utstilling av Heraklion arkeologiske museum, via odysseus.culture.gr
Smelteteknologi i det gamle Kreta tillot raffinering av edle metaller som gull, sølv, bronse og gullbelagt bronse. Halvedelstener ble brukt som bergkrystall, karneol, granat, lapis lazuli, obsidian og rød, grønn og gul jaspis.
Minoiske gullsmeder hadde hele repertoaret av metallbearbeidingsteknikker (unntatt emaljering) som forvandlet dyrebare råvarer til et svimlende utvalg av gjenstander og design.
Dette berømte anhenget, et av de fineste og mest kjente eksemplene på minoisk kunst, representerer to bier eller veps som lagrer en dråpe honning i en honningkake. Komposisjonen sentrerer rundt en sirkulær dråpe, de to insektene vender mot hverandre, bena deres støtter dråpen, kroppene og vingene er fint detaljerte med små detaljer. Gullskiver henger fra vingene, mens en gjennombruddskule og opphengsring står på toppen av hodet. Dette mesterverket av minoiske smykker, briljant utformet og naturalistisk gjengitt, illustrerer det fine håndverket.
Gull var det mest verdsatte materialet og ble slått, gravert, preget, støpt og stanset, noen ganger med frimerker. Brikker ble festet til hoveddelen ved hjelp av en blanding av lim og kobbersalt som, når de ble oppvarmet, forvandlet til rent kobber, og loddet de to delene sammen.
Den minoiske arven
Minoiske kunstnere påvirket i stor grad kunsten til andre middelhavsøyer, spesielt Rhodos og Kykladene, spesielt Thera. Minoiske kunstnere ble selv ansatt i Egypt og Levanten for å forskjønne palassene til herskere der. Minoerne påvirket også sterkt kunsten til den påfølgende mykenske sivilisasjonen basert på fastlands-Hellas.
Deres impresjonistiske tilnærming til kunst var faktisk det første trinnet i en lang rekke av europeisk kunst som gjennom årtusenene har utviklet seg i sine mange former og rekkefølger.
Best beskrevet her av kunsthistorikeren R. Higgins,
‘.. Bronsealderens kanskje største bidrag til det klassiske Hellas var noe mindre håndgripelig; men ganske mulig arvet: en sinnsinnstilling som kunne låne østens formelle og hieratiske kunster og forvandle dem til noe spontant og muntert; en guddommelig misnøye som førte til at grekeren alltid utviklet og forbedret sin arv.»