9 kanoniske kroppskunstnere du bør kjenne

Kroppskunstnere lager ofte verk om forholdet mellom kropp og sinn. Gjennom kroppen utforsker de temaer som lidelse, smerte, nakenhet eller skam. Kroppskunst omhandler også kjønn, makt og identitet. Kroppsartister har ofte visket ut de eksisterende linjene i forholdet mellom artisten og publikum. De siste årene har mange kroppskunstnere eksperimentert med kroppsimplantater og virtuelle kropper. Her er 9 kroppsartister du bør kjenne til.

Hva er kroppskunst?

Bredden av kroppskunst er bred: Kropps- og ansiktsmodifikasjoner har eksistert i lang tid tilbake til forhistorisk tid. Tatovering og ansiktsmaling er gammel praksis med opprinnelse i de innfødte kulturene i New Zealand og Nord-Amerika. Mimes kan også betraktes som en type kroppskunst som har sin opprinnelse i antikkens Hellas. Performance kunst , også kjent som Kroppskunst, dukket først opp som et eget medium på midten av 1960-tallet, og fikk deretter en gjenopplivning på 1990-tallet.

I løpet av 1960- og 1970-tallet så den vestlige verden flere sosiale revolusjoner som kampen for kvinners likestilling. Videreføringen av idealiseringer av kvinners kropper i vestlig kunst og media, som menn overveldende genererte, begynte å bli studert av kunstnere og kunsthistorikere. Feministiske kunstnere tok tilbake kroppene sine og brukte nye måter å representere dem på. Ved hjelp av deres kropper i ytelse ble en måte for mange artister å hevde kontroll.

Ved å bruke kroppen sin koblet kunstnere sine individuelle opplevelser med den delte menneskelige opplevelsen. En kroppsartists opptreden fungerte derfor som en synekdoke til menneskeheten og utfordringene vi står overfor når det gjelder å finne felles grunnlag for våre erfaringer. Kroppen ble et perfekt verktøy for å vise at noe personlig virkelig var politisk.

1. Chris Burden

Chris Burden sementerte sin plass i kunsthistorien med verket kalt Skyte . I en offentlig utstilling i 1971 inviterte den kontroversielle kunstneren en venn til å skyte mot ham med en .22-rifle fra en avstand på 15 fot. Våpenmannen var litt utenfor målet, og kulen gikk inn i Burdens arm. Denne forestillingen tillot publikum å se et ekte eksempel på hva som skjer når noen blir skutt. Desensibilisering av samfunnet for vold og forskjellen mellom å se en forferdelig hendelse live og på TV var hovedtemaene i dette arbeidet.

2. Marina Abramović

Som svar på utallige drap i det tidligere Jugoslavia, Abramović komponert Balkan Baroque. Hun brukte fire dager på å vaske hvert av disse blodige beinene mens hun satt på toppen av 1500 kubein, iført en hvit kjole, omgitt av projiserte fotografier av henne og foreldrene hennes. Hun sang noen av landets folkesanger og spilte inn en forklaring på hvordan man eliminerer rotter i Balkan . På grunn av den brennende varmen og stygg stank i kjellerkammeret ble ytelsesprogresjonen visceral. Hun mente at analogien mellom det å ikke kunne vaske bort alt blodet og det å ikke kunne fjerne krigens skam hadde en universell anvendelse.

3. Yoko Ono

Yoko Ono var en av pionerene innen deltakende kunst. Ono fremførte henne først Kutt stykke i Kyoto i 1964. Siden den gang har hun fremført den i Tokyo, New York, London, og sist i Paris i 2003. Engasjementet fra andre er grunnleggende for hennes arbeid. Kutt stykke avhenger av publikums vilje til å forstå og følge artistens anvisninger, eller reglene hun kalte stillingen . Disse reglene definerte rollene til deltakerne.

Kutt stykke hadde artisten sittende på en scene i sin fineste dress og holdt en saks foran seg. Publikum ble henvist til å henvende seg til henne en om gangen, ved å bruke saksen til å klippe av en liten bit av plagget hennes som de skulle beholde. Noen mennesker gikk forsiktig bort til henne og klippet en liten firkant av stoff fra skjørtet eller ermet hennes. Andre kom frimodig og skar av BH-stroppene eller forsiden av klærne hennes. I et intervju med MoMA, Ono uttalte: Når jeg gjør Cut Piece, kommer jeg i transe, så jeg føler meg ikke så redd.…Vi gir vanligvis noe med en hensikt…men jeg ville se hva de ville ta….Det var en lang stillhet mellom én person kommer opp og neste person kommer opp. Og jeg sa at det er fantastisk, vakker musikk, vet du? Ba-ba-ba-ba, klipp! Ba-ba-ba-ba, klipp! Vakker poesi, faktisk.

4. Valie EKSPORT

Dette fotografiet viser en kvinne som sporer bybildet i Wien med kroppen ved å bøye ryggen for å etterligne fortauskantens kurve. Bildet overlapper med en tykk rød linje som følger formen fremhevet av posisjonen, noe som gjør forholdet mellom byen og kroppen fremtredende. Det er en del av kroppskonfigurasjoner ( Kroppskonfigurasjoner )-serien, som Valie EXPORT begynte å jobbe med på midten av 1970-tallet. Figurene i serien fremhever byens geometri. Utskriftene er fremhevet av tillegg som den røde linjen sett i arbeidet ovenfor eller svart blekk malt over sølvgelatintrykk. Kunstnerens kropp er avbildet som noe som står i kontrast til bybildet.

5. Gina Pane

Gina Pane er mest kjent for henne Handling stykker, der hun ville utføre en rekke handlinger ved å bruke sin egen kropp. Disse handlingene krevde ofte ekstrem fysisk utholdenhet og smertetoleranse. Hun oppmuntret publikum til å føle følelsesmessig med det hun opplevde. Hun utførte handlingene sine privat, men de var nøyaktig satt og skutt slik at betrakteren kunne fornemme den følelsesmessige dybden i stykket selv om de ikke hadde observert dets tilblivelse.

Sentimental handling e er et komplekst, flerlagsverk som bruker ritualets og religionens visuelle språk for å kommentere nytelse, sorg og kjærlighet mellom kvinner. Pane fremførte denne handlingen foran et kvinnelig publikum på Milanos Diagramgalleri . Hun gikk inn i galleriet iført helt hvitt mens hun holdt røde roser. Hun tilbød rosene til publikum og tok dem så tilbake. Hun fjernet tornene og stakk armen med dem ved å pent ordne dem på rekke og rad. Hun kuttet deretter håndflaten med et barberblad. Deretter begynte hun å gi publikum hvite roser farget av hennes blodige håndflate. Sammenstillingen av hvitt og rødt, blodet og stigmata markerer alt offer og henspiller på kristen teologi.

6. ORLAN

ORLAN er en pioner for det hun anser Kjødelig kunst . Hun stiller spennende bekymringer om samtykke, selvbilde og skjønnhet som varsler og inspirerer mange aktuelle debatter om transhumanisme, utopisk teknologi og kroppsmodifisering. Metodene ORLAN bruker for å trekke publikums oppmerksomhet til kroppen hennes, som kameraer, mikroskoper og live-feeds, er avgjørende for betydningen av verkene hennes. ORLANs kropp er hovedtemaet i hennes arbeider. Arbeidet hennes utforsker prosessen med kirurgi i stedet for sluttproduktet av plastisk kirurgi, noe som gjør den endrede kroppen til et sted for offentlig debatt i stedet for et skue.

7. Beth Stephens og Annie Sprinkle

Annie Sprinkle har behandlet sex og kjærlighet i ulike sammenhenger, fra en sexarbeider og en pornoskuespillerinne til en performancekunstner. Hun og partneren Beth Stephens er pionerer innen økoseksualitet, en form for jordelskende seksuell identitet som erklærer at Jorden er vår kjæreste . Å se naturen som en elsker antyder at en forbindelse med jorden er gjensidig, og som et resultat holder økoseksualitet folk ansvarlige for å beskytte miljøet. Dette stiller spørsmål ved heteronormative forestillinger og redefinerer begreper om kjønn, kjærlighet og seksualitet.

Beth Stephens og Annie Sprinkle giftet seg med Earth i 2008. Det første ekteskapet ble fulgt av mange flere, inkludert et hvitt bryllup til snøen, et lilla bryllup til månen og mange flere. Bryllupsgjestene ble med Stephens og Sprinkle mens de sverget å elske, ære og verne om mange fasetter av kosmos. Sprinkle og Stephens har skrevet løfter om å gifte seg med jorden, økoseksuelle manifester og instruksjoner for å elske med jorden kalt 25 måter å elske jorden på .

8. Herman Nitsch

Herman Nitsch var en samtidskunstner fra Østerrike. Forestillingene hans er teatralske og de inneholder forskjellige medier. Han fokuserte på å involvere kropper i ritualer og vold for å utforske livet mer helhetlig.

The Orgies Mysteries Theatre var en 6-dagers forestilling holdt på en folkefest ment å feire mennesker. Verket besto av ulike kunstneriske medier og det ble først fremført på 1950-tallet.

9. Yayoi Kusama: Kroppskunst uten kunstnerens kropp

Infinity Mirror Rooms er en serie som Kusama begynte å lage på 1960-tallet. Kunstneren har nå produsert over tjue av disse rommene. Hver Infinity Mirror Room er et beksvart rom helt dekket av speil. Kusama hadde tidligere dekorert disse rommene med lykter, falluser og gresskar. I dag blinker små LED-lys hengende fra taket gjentatte ganger for å skape pulserende elektroniske prikker. Speilene gir inntrykk av ubegrenset plass. Personen som opplever rommet blir avgjørende for selve stykket.

Kunstnerens kropp er ikke tilstede, likevel er verket avhengig av betrakterens kropp og fysiske tilstedeværelse for å skape mening. Deltakerens kropp dobles, tredobles og firedobles i det uendelige. Dermed leker dette verket med oppfatningen av kropp og identitet.