8 kjente kunstverk fra The Young British Artist Movement (YBA)
Den fysiske umuligheten av død i sinnet til noen som lever av Damien Hirst, 1991 (til venstre); med Bevar 'skjønnhet' av Anya Gallaccio, 1991 – 2003 (sentrum); og Den hellige jomfru Maria av Chris Ofili, 1996 (til høyre)
The Young British Artists (YBAs) er en gruppe unge kunstnere som dukket opp på 1980-tallet. Damien Hirst , Tracey Emin ,og Garry Hume er bare tre av navnene som ble kjent i løpet av bevegelsen. Det har aldri vært et manifest eller offisiell sammenslutning av Young British Artists. Det var snarere ytre omstendigheter og en kunstnerisk konsensus som forente gruppen. Mange av de unge britiske kunstnerne studerte ved Londons Goldsmith College og stilte ut verkene sine i Saatchi Gallery of kunstsamler Charles Saatchi . Den såkalte Freeze-utstillingen, kuratert av den da 22 år gamle kunststudenten Damien Hirst, blir fra dagens perspektiv ofte sitert som fødselen til gruppen.
Young British Artist Movement (YBAM): Formålet med provokasjon
Den kunstneriske konsensusen til Young British Artist Movement var en felles vilje til å provosere. Med dyrekadaver, pornografi og kunstverk laget av hverdagslige gjenstander og funnmaterialer, posisjonerte kunstnerne seg politisk – både i et konservativt samfunn og innenfor kunstverdenen på 1980- og 1990-tallet. Et annet viktig aspekt ved dannelsen av YBAM er dens gründertilnærming til å vise og markedsføre arbeidet deres. At det lå mer enn ren provokasjon bak de postmoderne verkene, ble ikke minst bevist ved nominasjoner og tildelingen av den anerkjente Turnerprisen til flere YBAer.
Her presenterer vi 8 kjente kunstverk av Young British Artists.
1. Damien Hirst, De fysiske umulighetene til døden i sinnet til noen som lever (1991)
De fysiske umulighetene til døden i sinnet til noen som lever av Damien Hirst , 1991, via The Independent
Damien Hirsts De fysiske umulighetene til døden i sinnet til noen som lever (1991) også kjent som The Shark er sannsynligvis det mest kjente kunstverket til YBA-gruppen. Da den unge kunstneren skapte verket i 1991, sjokkerte han mange seere. Kunstverket viser en tigerhai i formaldehyd. Verket viser døden på en ukonvensjonell og eksplisitt måte. Som tittelen allerede antyder, henviser Damien Hirst også betrakteren til sin egen død, eller rettere sagt til umuligheten av å forestille seg sin egen død – selv med et dødt dyr foran seg.
Liker du denne artikkelen?
Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt
Takk skal du ha!
Den fysiske umuligheten av død i sinnet til noen som lever av Damien Hirst , 1991, via Fineartmultiple
Det er i denne forstand at tigerhaien, til tross for kunnskapen om den, ikke nødvendigvis ser ut til å være død, men på en måte også levende. Etter at haien begynte å dekomponere etter mer enn et tiår, måtte dyret byttes ut i 2006. Med bytte av dyret og ved å endre kunstverket, vekket kunstneren spørsmål om originaliteten til et kunstverk.
2. Tracey Emin, Min seng (1998)
Min seng av Tracey Emin , 1998, via Christie's
Min seng (1998) er et verk av kunstneren Tracey Emin som har skapt mye kontrovers. Med verket, som ble stilt ut på Tate Gallery i 1999, brakte Tracey Emin sin egen seng i sin opprinnelige tilstand inn i et gallerirom. Dette var etter at hun etter eget utsagn hadde tilbrakt fire dager i denne sengen under den depressive fasen av et samlivsbrudd og ikke hadde inntatt annet enn alkohol. Tomme spritflasker, brukte kondomer og skittent undertøy var samlet rundt sengen. Min seng er et typisk provoserende og personlig verk av kunstneren. Da verket ble nominert til Turner-prisen i 1999, ga det en kontroversiell debatt i britiske medier.
Provokasjonen av verket kulminerte i en handling av japanske performancekunstnere Cai Yuan og Jian Jun Xi , som deltok i en putekamp i Emins seng under utstillingen. Arbeidet Min seng ikke bare snudde opp ned på den konvensjonelle forestillingen om et kunstverk ved å bruke hverdagslige materialer. Det utfordret også den klassiske forestillingen om 'passende' oppførsel til en ung kvinne på 1990-tallet på en postmoderne måte.
3. Tracey Emin, Alle jeg noen gang har ligget med 1963 – 1995 (nitten nitti fem)
Alle jeg noen gang har ligget med 1963 – 1995 av Tracey Emin , 1995, via Widewalls
Alle jeg noen gang har ligget med 1963 – 1995 (1995) er et annet verk av kunstneren Tracey Emin. Verket besto av et telt der kunstneren publiserte alle navnene på personer hun noen gang hadde ligget med frem til 1995, både i seksuell og også i ikke-seksuell forstand. Totalt ble det funnet 102 navn i teltet.
Kunstneren forklarte arbeidet sitt som følger: Noen jeg hadde hatt en shag med i senga eller mot en vegg noen jeg nettopp hadde ligget med, som bestemoren min. Jeg pleide å ligge i sengen hennes og holde hånden hennes. Vi pleide å høre på radio sammen og nikket i søvne. Du gjør ikke det med noen du ikke elsker og ikke bryr deg om. Den kjente kunsthandleren og gallerieieren Charles Saatchi kjøpte verket den gang. Da Saatchis lager brant ned i 2004, ble kunstverket ødelagt sammen med andre.
4. Michael Landy, Marked (1990)
Marked av Michael Landy , 1990, via Thomas Dane Gallery, London
Installasjonen Market (1990) av kunstner Michael Landy , en av de unge britiske kunstnerne, er et samfunnskritisk verk. Til kunstverket arrangerte Michael Landy deler av typiske London-markedsboder med kunstgress i et utstillingsrom. Med sin installasjon refererte kunstneren til utryddelsen av typiske London-matmarkeder og en tradisjon med individuelt salg og kjøp av matprodukter. Utstillingsrommet der installasjon ble opprinnelig utstilt illustrerer nok en gang denne tematiske referansen: Landy stilte ut sitt arbeid Marked 1990 i en gammel kakefabrikk. Selv om også i dette tilfellet utstillingen av hverdagsmaterialer som kunst kan sees på som formkritisk, møtte denne installasjonen langt mer forståelse fra publikum enn for eksempel de feministiske kunstverkene til kunstneren Tracey Emin.
5. Anya Gallaccio, Bevar 'Skjønnhet' (1991 – 2003)
Bevar 'skjønnhet' av Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, London
Arbeidet Bevare (skjønnhet) av kunstner Anya Gallaccio bærer også en feministisk og kritisk-emansipatorisk tilnærming. Hundrevis av vakre røde blomster vevd inn i et teppe av blomster – slik dukket Anya Gallaccios installasjon opp første gang i hennes første utstilling i Karsten Schubert Gallery på 1990-tallet. Ved å stille ut installasjonsobjektet sitt utsatte kunstneren blomstene for forfall, og hentyder dermed eksplisitt til vanitas-temaet i kunsthistorien. Over tid ble forfallet av blomstene både synlig for besøkende på galleriet og merkbart for dem via en muggen lukt. Verket skildrer et tidsmessig forfall i sanntid, som Renessansemalerier om emnet kunne bare foreslå. Med Bevare (skjønnhet) , viser kunstneren også til menneskelig forfall og får seerne til kunstverket hennes til å tenke på sin egen forfallsprosess.
6. Angus Fairhurst, Pietà (første versjon) (nitten nittiseks)
Pietà (første versjon) av Angus Fairhurst , 1996, via Tate, London
Selv om de unge britiske kunstnerne jevnlig uttrykte grensene for tidligere eksisterende kunst med sin kunst, var ikke kunstverkene deres helt løsrevet fra tradisjonell kunst. Anya Gallacios Bevare (skjønnhet) allerede bevist dette og Angus Fairhursts Medfølelse (1996) viser også dette.
Pietà er kjent som et klassisk religiøst motiv i kunsthistorien, som har blitt brukt i verk av en lang rekke kunstnere gjennom århundrene. Med sitt selvutløserfotografi leker også kunstneren Angus Fairhurst med dette motivet. Naken som Jesus ligger han imidlertid ikke i armene til den hellige mor, men på fanget til en forkledd gorilla. I dette ensemblet fungerer den synlige kabelen til selvutløseren som et teknisk tegn på livlighet, mens kunstnerens lukkede øyne er ment å formidle livløshet. Gorillaen er et tilbakevendende motiv i Fairhursts verk.
7. Jenny Saville, Plan (1993)
Plan av Jenny Saville , 1993, via Art Market Monitor
Maleriet Plan (1993) av kunstner Jenny Saville beveger seg i et spenningsfelt mellom klassisk teknikk og moderne kroppsbilder. I sitt maleri ser Saville ned på betrakteren og gjør ved å bruke topografiske linjer kroppen hennes til et kart som betrakteren kan utforske ved å se på maleriet. Det betrakteren ser er på ingen måte polert og perfekt slik mange er vant til å se i maleri. I stedet viser kroppen på bildet myke former og bulker. Kunstsamleren Charles Saatchi ble oppmerksom på maleren på 1990-tallet, kjøpte alle hennes malerier som ble presentert på en utstilling i Edinburgh og tok henne deretter med på en 18-måneders kontrakt for å gi henne muligheten til å male nye bilder.
8. Chris Ofili, Den hellige jomfru Maria (nitten nittiseks)
Den hellige jomfru Maria av Chris Ofili , 1996, via MoMA, New York
Chris Ofili sitt arbeid Den hellige jomfru Maria (1996) var en av de mest kontroversielle i den såkalte Sensations-utstillingen til Young British Artists i 1997. Den er en representasjon av den hellige jomfru Maria, et multimedieverk laget av ganske profane materialer: glitter, bilder fra pop kultur og et bryst dannet av elefantmøkk. Du kan forestille deg: sistnevnte ble ansett som uærbødig av mange seere og kritikere. Kunstneren Chris Ofili på sin side forsvarte integreringen av dette materialet i maleriet sitt ved å si at elefantmøkk i Zimbabwe, hvor Ofili tilbrakte et studiebesøk, står for fruktbarhet.
Sammendrag av den unge britiske artistbevegelsen
Bevar 'skjønnhet' av Anya Gallaccio , 1991 – 2003, via Tate, London
Ukonvensjonelt og provoserende, men også eksplisitt politisk – slik kan arbeidet til Young British Artists (YBA) kort oppsummeres. Dette utvalget på åtte kunstnere gjør det klart at alle deltakerne i denne postmoderne kunstnerbevegelsen hadde sin unike tilnærming, og likevel er det enighet blant dem.