54 kjente malerier laget av kjente kunstnere
Å være en kjent artist i livet ditt er ingen garanti for at andre artister vil huske deg. Har du hørt om den franske maleren Ernest Meissonier?
Han var samtidig med Edouard Manet og den langt mer suksessrike artisten når det gjaldt kritikerros og salg. Det motsatte er også sant, med Vincent van Gogh. Van Gogh stolte på at broren Theo ga ham maling og lerret, men i dag får maleriene hans rekordpriser hver gang de kommer opp på en kunstauksjon, og han er et kjent navn.
Å se på kjente malerier fortid og nåtid kan lære deg mange ting, inkludert komposisjon og håndtering av maling. Selv om sannsynligvis den viktigste lærdommen er at du til syvende og sist bør male for deg selv, ikke for et marked eller ettertiden.
'Nattvakt' - Rembrandt
'Night Watch' av Rembrandt. Olje på lerret. I samlingen til Rijksmuseum i Amsterdam. Rijksmuseum Amsterdam
'Night Watch'-maleriet av Rembrandt er i den Rijksmuseum i Amsterdam. Som bildet viser, er det et enormt maleri: 363x437cm (143x172'). Rembrandt fullførte den i 1642. Dens sanne tittel er 'The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch', men den er bedre kjent akkurat som Nattevakt . (Et selskap er en militsvakt).
Sammensetningen av maleriet var svært forskjellig for perioden. I stedet for å vise figurene på en ryddig og ryddig måte, der alle fikk samme fremtreden og plass på lerretet, har Rembrandt malt dem som en travel gruppe i aksjon.
Rundt 1715 ble det malt et skjold på 'Night Watch' som inneholdt navnene til 18 personer, men bare noen av navnene hadde noen gang blitt identifisert. (Så husk hvis du maler et gruppeportrett: tegn et diagram på baksiden som passer med navnene på alle, slik at fremtidige generasjoner får vite det!) I mars 2009 avslørte den nederlandske historikeren Bas Dudok van Heel endelig mysteriet om hvem som er hvem i maleriet. Forskningen hans fant til og med klær og tilbehør avbildet i 'Night Watch' nevnt i inventar av familiegods, som han deretter sammenstilte med alderen til de forskjellige militsmennene i 1642, året maleriet ble fullført.
Dudok van Heel oppdaget også at i salen der Rembrandts 'Nattvakt' først ble hengt opp, var det seks gruppeportretter av en milits som opprinnelig ble vist i en kontinuerlig serie, ikke seks separate malerier som lenge har vært antatt. Snarere dannet de seks gruppeportrettene av Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart og Flinck en ubrutt frise som matchet hverandre og festet i trepanelet i rommet. Eller, det var meningen. Rembrandts 'Night Watch' passer ikke med de andre maleriene i verken komposisjon eller farge. Det ser ut til at Rembrandt ikke overholdt vilkårene for kommisjonen hans. Men hvis han hadde det, ville vi aldri hatt dette påfallende annerledes gruppeportrettet fra 1600-tallet.
'Hare' - Albrecht Durer
Albrecht Dürer, Hare, 1502. Akvarell og gouache, pensel, forsterket med hvit gouache. Albertine museum
Vanligvis referert til som Dürers kanin, kaller den offisielle tittelen på dette maleriet det en hare. Maleriet er i den permanente samlingen til Batliner-samlingen av Albertine museum i Wien, Østerrike.
Den ble malt med akvarell og gouache, med de hvite høydepunktene i gouache (i stedet for å være den umalte hvite på papiret).
Det er et spektakulært eksempel på hvordan pels kan males. For å etterligne det, avhenger tilnærmingen du vil ta av hvor mye tålmodighet du har. Hvis du har tommer, maler du med en tynn pensel, ett hår om gangen. Ellers bruk en tørrbørsteteknikk eller del opp hårene på en børste. Tålmodighet og utholdenhet er avgjørende. Arbeid for raskt på våt maling, og de enkelte strøkene risikerer å blande seg. Ikke fortsett lenge nok, og pelsen vil virke sliten.
Det sixtinske kapell, takfresco - Michelangelo
Sett som en helhet er takfresken i Det sixtinske kapell overveldende; det er rett og slett for mye å ta inn, og det virker utenkelig at fresken er designet av én kunstner. Franco Origlia / Getty Images
Maleriet av Michelangelo av taket i Det sixtinske kapell er en av de mest kjente freskene i verden.
Det sixtinske kapell er et stort kapell i det apostoliske palasset, den offisielle residensen til paven (lederen av den katolske kirken) i Vatikanstaten. Den har mange fresker malt i den, av noen av de største navnene i renessansen, inkludert veggfresker av Bernini og Raphael, men er mest kjent for freskene i taket av Michelangelo.
Michelangelo ble født 6. mars 1475 og døde 18. februar 1564. På oppdrag fra pave Julius II arbeidet Michelangelo på taket i det sixtinske kapell fra mai 1508 til oktober 1512 (ingen arbeid ble utført mellom september 1510 og august 1511). Kapellet ble innviet 1. november 1512, på Allehelgensfesten.
Kapellet er 40,23 meter langt, 13,40 meter bredt, og taket 20,70 meter over bakken på det høyeste punktet1. Michelangelo malte en serie bibelske scener, profeter og Kristi forfedre, i tillegg til trompe l'oeil eller arkitekturtrekk. Hovedområdet i taket skildrer historier fra historier fra 1. Mosebok, inkludert skapelsen av menneskeheten, menneskets fall fra nåden, flommen og Noah.
Tak i det sixtinske kapell: en detalj
Skapelsen av Adam er kanskje det mest kjente panelet i det berømte sixtinske kapell. Legg merke til at komposisjonen er utenfor sentrum. Fotopress / Getty Images
Panelet som viser skapelsen av mennesket er sannsynligvis den mest kjente scenen i den berømte fresken av Michelangelo i taket i Det sixtinske kapell.
Det sixtinske kapell i Vatikanet har mange fresker malt i det, men er mest kjent for freskene i taket av Michelangelo. Omfattende restaurering ble utført mellom 1980 og 1994 av Vatikanets kunsteksperter, og fjernet flere århundrer med røyk fra stearinlys og tidligere restaureringsarbeid. Dette avslørte farger mye lysere enn tidligere antatt.
Pigmenter Michelangelo brukte inkluderte oker for rødt og gult, jernsilikater for grønt, lapis lazuli for blått og kull for svart.1Ikke alt er malt så detaljert som det først ser ut til. For eksempel er figurer i forgrunnen malt mer detaljert enn de i bakgrunnen, noe som øker følelsen av dybde i taket.
Mer om Det sixtinske kapell:
• Vatikanmuseene: Det sixtinske kapell
• Virtuell omvisning i Det sixtinske kapell
Kilder:
1 Vatikanmuseene: Det sixtinske kapell, Vatikanstatens nettsted, åpnet 9. september 2010.
Leonardo da Vinci notatbok
Denne lille notatboken av Leonardo da Vinci (offisielt identifisert som Codex Forster III) er i V&A Museum i London. Marion Boddy-Evans / Lisensiert til About.com, Inc.
Renessansekunstneren Leonardo da Vinci er kjent ikke bare for sine malerier, men også sine notatbøker. Dette bildet viser en i V&A Museum i London.
V&A Museum i London har fem av Leonardo da Vincis notatbøker i samlingen. Denne, kjent som Codex Forster III, ble brukt av Leonardo da Vinci mellom 1490 og 1493 da han jobbet i Milano for hertug Ludovico Sforza.
Det er en liten notatbok, en størrelse du lett kan ha i en frakkelomme. Den er fylt med alle slags ideer, notater og skisser, inkludert 'skisser av en hests ben, tegninger av hatter og klær som kan ha vært ideer for kostymer på baller, og en beretning om anatomien til det menneskelige hodet.'1Selv om du ikke kan bla i notatboken i museet, kan du bla gjennom den på nettet.
Å lese håndskriften hans er ikke lett, mellom den kalligrafiske stilen og bruken av speilskrift (bakover, fra høyre til venstre), men noen synes det er fascinerende å se hvordan han legger alle slags i en notatbok. Det er en fungerende notatbok, ikke et utstillingsstykke. Hvis du noen gang har vært bekymret for at din kreativitetsdagbok på en eller annen måte ikke var riktig utført eller organisert, ta ledelsen fra denne mesteren: gjør det som du trenger.
Kilde:
1. Utforsk Forster Codices, V&A Museum. (Åpnet 8. august 2010.)
'Mona Lisa' - Leonardo da Vinci
'Mona Lisa' av Leonardo da Vinci. Malt c.1503-19. Oljemaling på tre. Størrelse: 30x20' (77x53cm). Dette berømte maleriet er nå i samlingen til Louvre i Paris. Stuart Gregory / Getty Images
Leonardo da Vinci 'Mona Lisa'-maleriet, i Louvre i Paris, er uten tvil det mest kjente maleriet i verden. Det er nok også det mest kjente eksemplet på nyansert , en maleteknikk som delvis er ansvarlig for hennes gåtefulle smil.
Det har vært mange spekulasjoner om hvem kvinnen på maleriet var. Det antas å være et portrett av Lisa Gherardini, kona til en florentinsk tøyhandler kalt Francesco del Giocondo. (Kunstforfatteren Vasari fra 1500-tallet var blant de første som foreslo dette, i sin 'Lives of the Artists'). Det har også blitt antydet at årsaken til smilet hennes var at hun var gravid.
Kunsthistorikere vet Leonard hadde begynt på 'Mona Lisa' i 1503, ettersom en registrering av den ble laget det året av en senior florentinsk embetsmann, Agostino Vespucci. Når han er ferdig er det mindre sikkert. Louvre daterte opprinnelig maleriet til 1503-06, men funn gjort i 2012 tyder på at det kan ha gått så mye som et tiår senere før det ble ferdig basert på bakgrunnen basert på en tegning av bergarter han er kjent for å ha gjort i 1510 -15.1Louvre endret datoene til 1503-19 i mars 2012.
Kilde:
1. Mona Lisa kunne ha blitt fullført et tiår senere enn antatt i The Art Newspaper, av Martin Bailey, 7. mars 2012 (søkt 10. mars 2012)
Berømte malere: Monet i Giverny
Monet sitter ved siden av vannliljedammen i hagen sin ved Giverny i Frankrike. Hulton Archive / Getty Images
Referansebilder for maleri: Monets 'Garden at Giverny.'
Noe av grunnen til at impresjonistmaleren Claude Monet er så kjent, er maleriene hans av refleksjonene i liljedammene han skapte i sin store hage i Giverny. Det inspirerte i mange år, helt til slutten av livet hans. Han skisserte ideer til malerier inspirert av dammene, og han laget små og store malerier både som enkeltverk og serier.
Claude Monets signatur
Claude Monets signatur på hans Nympheas-maleri fra 1904. Bruno Vincent / Getty Images
Dette eksemplet på hvordan Monet signerte maleriene sine er fra et av vannliljemaleriene hans. Du kan se at han har signert den med navn og etternavn (Claude Monet) og årstall (1904). Den er i nedre høyre hjørne, langt inn nok til at den ikke blir avskåret av rammen.
Monets fulle navn var Claude Oscar Monet.
'Impression Sunrise' - Monet
'Impression Sunrise' av Monet (1872). Olje på lerret. Ca 18x25 tommer eller 48x63 cm. For tiden i Musée Marmottan Monet i Paris. Kjøp forstørr / Getty Images
Dette maleriet av Monet ga navnet til impresjonistisk stil av kunst. Han stilte den ut i 1874 i Paris i det som ble kjent som den første impresjonistiske utstillingen.
I sin anmeldelse av utstillingen som han ga tittelen «Exhibition of Impressionists», sa kunstkritikeren Louis Leroy:
' Tapet i sin embryonale tilstand er mer ferdig enn det sjølandskapet .'
Kilde:
1. 'The Exhibition of the Impressionists' av Louis Leroy, Charivari , 25. april 1874, Paris. Oversatt av John Rewald i Impresjonismens historie , Moma, 1946, s. 256-61; sitert i Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History av Bruce Altshuler, Phaidon, s.42-43.
'Haystacks'-serien - Monet
En samling kjente malerier for å inspirere deg og utvide kunstkunnskapen din. Mysticchildz / Nadia / Flickr
Monet malte ofte en serie av det samme motivet for å fange lysets skiftende effekter, og byttet lerreter etter hvert som dagen gikk.
Monet malte mange motiver igjen og igjen, men alle seriemaleriene hans er forskjellige, enten det er et maleri av en vannlilje eller en høystakk. Siden Monets malerier er spredt i samlinger rundt om i verden, er det vanligvis bare i spesialutstillinger at seriemaleriene hans blir sett på som en gruppe. Heldigvis er Art Institute i Chicago har flere av Monets høystakker-malerier i sin samling, ettersom de gjør imponerende ser sammen :
I oktober 1890 skrev Monet et brev til kunstkritikeren Gustave Geffroy om høystakkerserien han malte, og sa:
«Jeg er hard på det, jobber hardnakket med en rekke forskjellige effekter, men på denne tiden av året går solen ned så fort at det er umulig å holde tritt med det ... jo lenger jeg kommer, jo mer ser jeg at en mye arbeid må gjøres for å gjengi det jeg leter etter: 'umiddelbarhet', 'konvolutten' fremfor alt, det samme lyset spredt over alt ... Jeg blir stadig mer besatt av behovet for å gjengi det jeg erfaring, og jeg ber om at jeg vil ha noen flere gode år igjen for meg fordi jeg tror jeg kan gjøre noen fremskritt i den retningen...'1
Kilde: ?
1. Monet av seg selv , s. 172, redigert av Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.
'Vannliljer' - Claude Monet
davebluedevil (Creative Commons Noen rettigheter forbeholdt )' id='mntl-sc-block-image_2-0-61' />Galleri med kjente malerier av kjente kunstnere. Foto: davebluedevil (Creative Commons Noen rettigheter forbeholdt )
Claude Monet , 'Vannliljer', ca. 19140-17, olje på lerret. Størrelse 65 3/8 x 56 tommer (166,1 x 142,2 cm). I samlingen av Fine Arts Museums of San Francisco .
Monet er kanskje den mest kjente av impresjonistene, spesielt for sine malerier av refleksjonene i liljedammen ved Giverny-hagen hans. Dette spesielle maleriet viser en liten bit av skyen i øverste høyre hjørne, og den flekkete blåen på himmelen som reflekteres i vannet.
Hvis du studerer bilder av Monets hage, for eksempel denne av Monets liljedam og denne av liljeblomster, og sammenligner dem med dette maleriet, vil du få en følelse av hvordan Monet reduserte detaljene i kunsten hans, inkludert bare essensen av scenen, eller inntrykket av refleksjonen, vannet og liljeblomsten. Klikk på koblingen 'Se i full størrelse' under bildet ovenfor for en større versjon der det er lettere å få en følelse av Monets penselverk.
Den franske poeten Paul Claudel sa:
«Takket være vann har [Monet] blitt maleren av det vi ikke kan se. Han adresserer den usynlige åndelige overflaten som skiller lys fra refleksjon. Luftig asurblå fanget av flytende asurblå ... Fargen stiger opp fra bunnen av vannet i skyer, i boblebad.'
Kilde :
Side 262 Vårt århundres kunst, av Jean-Louis Ferrier og Yann Le Pichon
Camille Pissarros signatur
Signaturen til den impresjonistiske kunstneren Camille Pissarro på hans maleri fra 1870 'Landskap i nærheten av Louveciennes (høst)'. Ian Waldie / Getty Images
Maleren Camille Pissarro har en tendens til å være mindre kjent enn mange av hans samtidige (som Monet), men har en unik plass i kunstens tidslinje. Han jobbet både som impresjonist og nyimpresjonist, i tillegg til å påvirke nå kjente artister som Cézanne, Van Gogh og Gauguin. Han var den eneste kunstneren som stilte ut på alle åtte av de Impresjonistiske utstillinger i Paris fra 1874 til 1886.
Van Gogh selvportrett (1886/1887)
Jimcchou / Flickrs tavle, montert på panel. I samlingen til Art Institute of Chicago.' id='mntl-sc-block-image_2-0-72' />Selvportrett av Vincent van Gogh (1886/1887). 41x32,5cm, olje på kunstnertavle, montert på panel. I samlingen til Art Institute of Chicago. Jimcchou / Flickr
Dette portrett av Vincent van Gogh er i samlingen til Art Institute of Chicago. Det ble malt med en stil som ligner på Pointillisme, men holder seg ikke strengt til bare prikker.
I de to årene han bodde i Paris, fra 1886 til 1888, malte Van Gogh 24 selvportretter. Art Institute of Chicago beskrev denne som å bruke Seurats 'punktteknikk' ikke som en vitenskapelig metode, men 'et intenst følelsesspråk' der 'de røde og grønne prikkene er forstyrrende og helt i tråd med den nervøse spenningen som er tydelig i van Goghs blikk.'
I et brev noen år senere til sin søster, Wilhelmina, skrev Van Gogh:
«Jeg har malt to bilder av meg selv i det siste, hvorav det ene har den sanne karakteren, tror jeg, selv om de i Holland sannsynligvis ville hånet ideene om portrettmaleri som spirer her. ... Jeg synes alltid fotografier er avskyelige, og jeg liker ikke å ha dem i nærheten, spesielt ikke de av personer jeg kjenner og elsker ... fotografiske portretter visner mye raskere enn vi selv gjør, mens det malte portrettet er en ting. som føles, gjort med kjærlighet eller respekt for mennesket som er portrettert.'
Kilde:
Brev til Wilhelmina van Gogh, 19. september 1889
Vincent van Goghs signatur
'The Night Cafe' av Vincent van Gogh (1888). Teresa Veramendi / Vincents gule
Nattkafeen av Van Gogh er nå i samlingen til Yale University Art Gallery. Det er kjent at Van Gogh kun signerte de maleriene han var spesielt fornøyd med, men det som er uvanlig i tilfellet med dette maleriet er at han la til en tittel under signaturen sin, 'Le café de Nuit.'
Legg merke til at Van Gogh signerte maleriene hans ganske enkelt 'Vincent', ikke 'Vincent van Gogh' eller 'Van Gogh.'
I et brev til broren Theo, skrevet 24. mars 1888, sa han:
«I fremtiden bør navnet mitt legges inn i katalogen når jeg signerer det på lerretet, nemlig Vincent og ikke Van Gogh, av den enkle grunn at de ikke vet hvordan man uttaler det sistnevnte navnet her.»
«Her» er Arles, sør i Frankrike.
Hvis du har lurt på hvordan du uttaler Van Gogh, husk at det er et nederlandsk etternavn, ikke fransk eller engelsk. Så 'Gogh' uttales, så det rimer på det skotske 'loch'. Det er ikke 'goff' eller 'go'.
Stjernenatten - Vincent van Gogh
Stjernenatten av Vincent van Gogh (1889). Olje på lerret, 29x36 1/4' (73,7x92,1 cm). I samlingen til Moma, New York. Jean-Francois Richard
Dette maleriet, som muligens er det mest kjente maleriet av Vincent van Gogh, er i samlingen på Museum for moderne kunst i New York.
Van Gogh malte Stjernenatten i juni 1889, etter å ha nevnt morgenstjernen i et brev til broren Theo skrevet rundt 2. juni 1889: «I morges så jeg landet fra vinduet mitt lenge før soloppgang, med ingenting annet enn morgenstjernen, som så veldig ut. stor.' Morgenstjernen (faktisk planeten Venus, ikke en stjerne) anses vanligvis for å være den store hvite malt rett til venstre for midten av maleriet.
Tidligere brev fra Van Goghs nevner også stjernene og nattehimmelen, og hans ønske om å male dem:
1. 'Når skal jeg noen gang komme meg rundt med stjernehimmelen, det bildet som alltid er i tankene mine?' (Brev til Emile Bernard, ca. 18. juni 1888)
2. 'Når det gjelder stjernehimmelen, håper jeg veldig mye på å male den, og kanskje jeg vil gjøre det en av disse dagene' (Brev til Theo van Gogh, ca. 26. september 1888).
3. For øyeblikket ønsker jeg absolutt å male en stjernehimmel. Det virker ofte for meg at natten fortsatt er rikere enn dagen; ha nyanser av de mest intense fioler, blåtoner og grønne farger. Hvis bare du legger merke til det, vil du se at visse stjerner er sitrongule, andre rosa eller en grønn, blå og glem-meg-ikke-glans. ... det er åpenbart at det å sette små hvite prikker på den blå-svarte ikke er nok til å male en stjernehimmel.' (Brev til Wilhelmina van Gogh, 16. september 1888)
Restaurant de la Sirene, på Asnieres - Vincent van Gogh
'The Restaurant de la Sirene, at Asnieres' av Vincent van Gogh. Marion Boddy-Evans (2007) / Lisensiert til About.com, Inc.
Dette maleriet av Vincent van Gogh er i samlingen til Ashmolean Museum i Oxford, Storbritannia. Van Gogh malte det like etter at han ankom Paris i 1887 for å bo hos broren Theo i Montmartre, der Theo ledet et kunstgalleri.
For første gang ble Vincent utsatt for maleriene til impresjonistene (spesielt Monet) og møtte kunstnere som f.eks. Gauguin , Toulouse-Lautrec, Emile Bernard og Pissarro. Sammenlignet med hans tidligere arbeid, som var dominert av mørke jordfarger som er typiske for nordeuropeiske malere som Rembrandt, viser dette maleriet innflytelsen fra disse kunstnerne på ham.
Fargene han brukte har blitt lysere og lysere, og penselen hans har blitt løsere og mer tydelig. Se på disse detaljene fra maleriet, og du vil se hvordan han har brukt små strøk av ren farge, satt fra hverandre. Han blander ikke farger på lerretet, men lar dette skje i betrakterens øye. Han prøver ut ødelagt farge impresjonistenes tilnærming.
Sammenlignet med hans senere malerier, er fargestrimlene adskilt, med en nøytral bakgrunn som vises mellom dem. Han dekker ennå ikke hele lerretet med mettet farge, og utnytter heller ikke mulighetene for å bruke pensler for å skape tekstur i selve malingen.
Restaurant de la Sirene, på Asnieres av Vincent van Gogh (Detalj)
Detaljer fra 'The Restaurant de la Sirene, at Asnieres' av Vincent van Gogh (olje på lerret, Ashmolean Museum). Marion Boddy-Evans (2007) / Lisensiert til About.com, Inc.
Disse detaljene fra Van Goghs maleri Restaurant de la Sirene, i Asnieres (i samlingen av Ashmolean Museum), viser hvordan han eksperimenterte med penselen og penselmerkene etter eksponering for maleriene til impresjonistene og andre samtidige parisiske kunstnere.
'Fire dansere' - Edgar Degas
MikeandKim / Flickr
Edgar Degas, fire dansere, ca. 1899. Olje på lerret. Størrelse 59 1/2 x 71 tommer (151,1 x 180,2 cm). I Nasjonalgalleriet for kunst , Washington.
'Portrett av kunstnerens mor' - Whistler
'Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist's Mother' av James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). 1871. 144,3x162,5cm. Olje på lerret. I samlingen til Musee d'Orsay, Paris. Bill Pugliano / Getty Images / Musee d'Orsay / Paris / Frankrike
Dette er muligens Whistlers mest kjente maleri. Dens fulle tittel er 'Arrangement i grått og svart nr. 1, Portrett av kunstnerens mor'. Moren hans gikk med på å posere for maleriet da modellen Whistler hadde brukt ble syk. Han ba henne først posere stående, men som du ser ga han etter og lot henne sette seg ned.
På veggen er en etsning av Whistler, 'Black Lion Wharf.' Hvis du ser veldig nøye på gardinen øverst til venstre på etsningens ramme, vil du se en lysere flekk, det er sommerfuglsymbolet Whistler brukte til å signere maleriene sine. Symbolet var ikke alltid det samme, men det endret seg, og formen brukes til å datere kunstverket hans. Det er kjent at han hadde begynt å bruke det i 1869.
'Hope II' - Gustav Klimt
'Hope II' - Gustav Klimt. Jessica Jeanne / Flickr
'Den som vil vite noe om meg - som kunstner, det eneste bemerkelsesverdige - bør se nøye på bildene mine og prøve å se i dem hva jeg er og hva jeg vil gjøre.' Klimt
Gustav Klimt malte Finale II på lerret i 1907/8 med oljemaling, gull og platina. Den er 43,5 x 43,5 tommer (110,5 x 110,5 cm) i størrelse. Maleriet er en del av samlingen til Museum for moderne kunst i New York.
Finale II er et vakkert eksempel på Klimts bruk av bladgull i malerier og hans rike dekorative stil. Se på måten han har malt plagget som bæres av hovedfiguren, hvordan det er en abstrakt form dekorert med sirkler, men vi 'leser' det fortsatt som en kappe eller kjole. Hvordan på bunnen smelter den sammen i de tre andre ansiktene.
I sin illustrerte biografi om Klimt sa kunstkritiker Frank Whitford:
Klimt 'påførte ekte bladgull og sølv for ytterligere å øke inntrykket av at maleriet er en dyrebar gjenstand, ikke et speil der naturen kan skimtes, men en nøye utformet gjenstand.'to
Det er en symbolikk som fortsatt anses som gyldig i dag, gitt at gull fortsatt anses som en verdifull vare.
Klimt bodde i Wien i Østerrike og hentet sin inspirasjon mer fra øst enn vest, fra 'kilder som bysantinsk kunst, mykensk metallarbeid, persiske tepper og miniatyrer, mosaikkene til Ravenna-kirkene og japanske skjermer.'3
Kilde:
1. Artister i kontekst: Gustav Klimt av Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), bakside.
2. Ibid. s82.
3. MoMA-høydepunkter (Museum of Modern Art, New York, 2004), s. 54
Picassos signatur
Picassos signatur på hans maleri fra 1903 'Portrait of Angel Fernandez de Soto' (eller 'The Absinthe Drinker'). Oli Scarff / Getty Images
Dette er signaturen til Picasso på hans maleri fra 1903 (fra hans blå periode) med tittelen 'The Absinthe Drinker'.
Picasso eksperimenterte med forskjellige forkortede versjoner av navnet hans som malerisignatur, inkludert sirklede initialer, før han satte på 'Pablo Picasso.' I dag hører vi ham vanligvis referert til som 'Picasso'.
Hans fulle navn var: Pablo, sier jeg, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, av den hellige treenighet, Ruiz Picasso 1.
?
Kilde:
1. 'A Sum of Destructions: Picassos Cultures and the Creation of Cubism,' av Natasha Staller. Yale University Press. Side s209.
'Absintdrikkeren' - Picasso
Picassos maleri fra 1903 'Portrait of Angel Fernandez de Soto' (eller 'The Absinthe Drinker'). Oli Scarff / Getty Images
Dette maleriet ble laget av Picasso i 1903, under hans blå periode (en tid da blåtoner dominerte Picassos malerier; da han var i tjueårene). Den inneholder kunstneren Angel Fernandez de Soto, som var mer begeistret for festing og drikking enn maleriet hans1, og som delte studio med Picasso i Barcelona ved to anledninger.
Maleriet ble lagt ut på auksjon i juni 2010 av Andrew Lloyd Webber Foundation etter at det var oppnådd et utenrettslig forlik i USA om eierskap, etter en påstand fra etterkommere av den tysk-jødiske bankmannen Paul von Mendelssohn-Bartholdy om at maleriet hadde vært under tvang på 1930-tallet under naziregimet i Tyskland.
Kilde:
1. Christie's auksjonshus pressemelding , 'Christie's to Offer Picasso Masterpiece', 17. mars 2010.
'Tragedien' - Picasso
'Tragedien' - Picasso. MikeandKim / Flickr
Pablo Picasso, Tragedien, 1903. Olje på tre. Størrelse 41 7/16 x 27 3/16 tommer (105,3 x 69 cm). I Nasjonalgalleriet for kunst , Washington.
Det er fra hans blå periode, da maleriene hans, som navnet antyder, alle ble dominert av blues.
Skisse av Picasso for hans berømte 'Guernica'-maleri
Picassos skisse til maleriet hans 'Guernica.'. Gotor / Cover / Getty Images
Mens han planla og jobbet med sitt enorme maleri Guernica, gjorde Picasso mange skisser og studier. Bildet viser en av hans komposisjon skisser, som det i seg selv ikke ser ut som mye, en samling skriblerier.
I stedet for å prøve å tyde hva de forskjellige tingene kan være og hvor det er i det endelige maleriet, tenk på det som en Picasso-stenografi. Enkel merking for bilder han hadde i tankene. Fokuser på hvordan han bruker dette til å bestemme hvor du skal plassere elementer i maleriet, på samspillet mellom disse elementene.
'Guernica' - Picasso
'Guernica' - Picasso. Bruce Bennett / Getty Images
Dette berømte maleriet av Picasso er enormt: 11 fot 6 tommer høyt og 25 fot 8 tommer bredt (3,5 x 7,76 meter). Picasso malte den på oppdrag for den spanske paviljongen på verdensutstillingen i Paris i 1937. Det er i Museo Reina Sofia i Madrid, Spania.
'Portrett av Mr Minguell' - Picasso
'Portrett av Mr Minguell' av Pablo Picasso (1901). Oljemaling på papir lagt på lerret. Størrelse: 52x31,5cm (20 1/2x12 3/8in). Oli Scarff / Getty Images
Picasso gjorde dette portrettmaleriet i 1901 da han var 20. Motivet en katalansk skredder, Mr. Minguell, som det antas at Picasso ble introdusert for av sin kunsthandler og venn Pedro Manach1. Stilen viser opplæringen Picasso hadde i tradisjonelt maleri, og hvor langt malestilen hans utviklet seg i løpet av karrieren. At det er malt på papir er et tegn på at det ble gjort på et tidspunkt da Picasso var blakk, og ennå ikke tjente nok penger på kunsten sin til å male på lerret.
Picasso ga Minguell maleriet i gave, men kjøpte det senere tilbake og hadde det fortsatt da han døde i 1973. Maleriet ble satt på lerret og sannsynligvis også restaurert under Picassos veiledning 'en gang før 1969'to, da den ble fotografert til en bok av Christian Zervos om Picasso.
Neste gang du er i en av de middags-krangelene om hvordan alle ikke-realistiske malere bare maler abstrakt , kubist, fauvist, impresjonist, velg stilen din fordi de ikke kan lage 'ekte malerier,' spør personen om de plasserer Picasso i denne kategorien (de fleste gjør det), og nevne deretter dette maleriet.
Kilde:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Impressionist and Modern Art Sale 22. juni 2010. (Åpnet 3. juni 2010.)
'Dora Maar' eller 'Head of a Woman' - Picasso
'Dora Maar' eller 'Head of a Woman' - Picasso. Peter Macdiarmid/Getty Images
Da det ble solgt på auksjon i juni 2008, ble dette maleriet av Picasso solgt for £7.881.250 (US$15.509.512). Auksjonsestimatet hadde vært tre til fem millioner pund.
Damene i Avignon - Picasso
Les Demoiselles d'Avignon av Pablo Picasso, 1907. Olje på lerret, 8 x 7' 8' (244 x 234 cm). Museum of Modern Art (Moma) New York. Davina DeVries / Flickr
Dette enorme maleriet (nesten åtte kvadratfot) av Picasso er kunngjort som et av de viktigste kunstverkene som noen gang er laget, hvis ikke de viktigst, et avgjørende maleri i utviklingen av moderne kunst. Maleriet viser fem kvinner - prostituerte på et bordell - men det er mye debatt om hva det hele betyr og alle referansene og påvirkningene i det.
Kunstkritiker Jonathan Jones1sier:
«Det som slo Picasso med afrikanske masker [tilsynelatende i ansiktene til figurene til høyre] var det mest åpenbare: at de skjuler deg, gjør deg til noe annet - et dyr, en demon, en gud. Modernisme er en kunst som bærer en maske. Det står ikke hva det betyr; det er ikke et vindu, men en vegg. Picasso valgte emnet sitt nettopp fordi det var en klisje: han ønsket å vise at originalitet i kunst ikke ligger i fortelling eller moral, men i formell oppfinnelse. Dette er grunnen til at det er misforstått å se Les Demoiselles d'Avignon som et maleri 'om' bordeller, prostituerte eller kolonialisme.'
Kilde:
1. Pablos punkere av Jonathan Jones, Vergen 9. januar 2007.
'Kvinne med en gitar' - Georges Braque
'Kvinne med en gitar' - Georges Braque. Independentman / Flickr
Georges Braque, Kvinne med gitar , 1913. Olje og kull på lerret. 51 1/4 x 28 3/4 tommer (130 x 73 cm). I Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.
The Red Studio - Henri Matisse
The Red Studio - Henri Matisse. Liane / Lil'bear / Flickr
Dette maleriet er i samlingen til Museum for moderne kunst (Moma) i New York. Den viser interiøret i Matisses malerstudio, med flatt perspektiv eller et enkelt bildeplan. Veggene i studioet hans var faktisk ikke røde, de var hvite; han brukte rødt i maleriet for effekt.
Utstilt i studioet hans er forskjellige av hans kunstverk og biter av studiomøbler. Konturene av møblene i atelieret hans er linjer i malingen som avslører farge fra et nedre, gult og blått lag, ikke malt på toppen av det røde.
1. 'Vinklede linjer antyder dybde, og det blågrønne lyset i vinduet forsterker følelsen av indre rom, men det røde området flater ut bildet. Matisse forsterker denne effekten ved for eksempel å utelate den vertikale linjen i hjørnet av rommet.'
-- MoMA Highlights, utgitt av Moma, 2004, side 77.
2. 'Alle elementene ... senker deres individuelle identiteter i det som ble en langvarig meditasjon over kunst og liv, rom, tid, persepsjon og selve virkelighetens natur ... et veiskille for vestlig maleri, hvor det klassiske utadvendte , overveiende representasjonskunst fra fortiden møtte fremtidens provisoriske, internaliserte og selvrefererende etos...'
- Hilary Spurling, , side 81.
Dansen - Henri Matisse
Gallery of Famous Paintings by Famous Artists 'The Dance' av Henri Matisse (øverst) og oljeskissen han laget for den (nederst). Bilder Cate Gillon (øverst) og Sean Gallup (nederst) / Getty Images
Det øverste bildet viser Matisses ferdige maleri med tittelen Dansen , ferdigstilt i 1910 og nå i State Hermitage Museum i St. Petersburg, Russland. Det nederste bildet viser komposisjonsstudien i full størrelse han laget for maleriet, nå inne MOMA i New York, USA. Matisse malte det på oppdrag fra den russiske kunstsamleren Sergei Shchukin.
Det er et enormt maleri, nesten fire meter bredt og to og en halv meter høyt (12' 9 1/2' x 8' 6 1/2'), og er malt med en palett begrenset til tre farger: rød , grønn og blå. Jeg tror det er et maleri som viser hvorfor Matisse har et slikt rykte som kolorist, spesielt når du sammenligner studiet med det endelige maleriet med dets glødende figurer.
I sin biografi om Matisse (på side 30) sier Hilary Spurling:
«De som så den første versjonen av Danse beskrev den som blek, delikat, til og med drømmeaktig, malt i farger som ble forsterket ... i den andre versjonen til en voldsom, flat frise av vermilionfigurer som vibrerer mot bånd av lysegrønt og himmel. Samtidige så på maleriet som hedensk og dionysisk.'
Legg merke til det flate perspektivet, hvordan figurene har samme størrelse i stedet for de som er lenger unna å være mindre som ville forekomme i perspektiv eller forkortning for representasjonsmalerier. Hvordan linjen mellom det blå og grønne bak figurene er buet, og gjenspeiler sirkelen av figurer.
'Overflaten ble farget til metning, til det punktet hvor blått, ideen om absolutt blått, var definitivt til stede. En knallgrønn for jorden og en levende vermilion for kroppene. Med disse tre fargene hadde jeg min harmoni av lys og også renhet i tonen.' -- Matisse
Kilde:
'Introduksjon til From Russian-utstillingen for lærere og studenter' av Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.
Kjente malere: Willem de Kooning
Willem de Kooning malte i studioet sitt i Easthampton, Long Island, New York, i 1967. Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images
Maleren Willem de Kooning ble født i Rotterdam i Nederland 24. august 1904, og døde i Long Island, New York, 19. mars 1997. De Kooning gikk i lære hos kommersiell kunst- og dekorasjonsfirma da han var 12 og gikk på kveldskurs kl. Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques i åtte år. Han emigrerte til USA i 1926 og begynte å male på heltid i 1936.
De Koonings malestil var abstrakt ekspresjonisme. Han hadde sin første separatutstilling på Charles Egan Gallery i New York i 1948, med et verk i svart-hvitt emaljemaling. (Han begynte å bruke emaljemaling fordi han ikke hadde råd til kunstnerens pigmenter.) På 1950-tallet ble han anerkjent som en av lederne innen abstrakt ekspresjonisme, selv om noen purister av stilen trodde maleriene hans (som f.eks. Kvinne serier) inkludert inkluderer for mye av den menneskelige formen.
Maleriene hans inneholder mange lag, elementer overlappet og skjult mens han omarbeidet og omarbeidet et maleri. Endringer er tillatt å vises. Han tegnet mye på lerretene sine i kull, for den første komposisjonen og mens han malte. Penselarbeidet hans er gestalt, uttrykksfullt, vilt, med en følelse av energi bak strekene. De siste maleriene ble gjort, men ble ikke.
De Koonings kunstneriske produksjon strakte seg over nesten syv tiår og inkluderte malerier, skulpturer, tegninger og trykk. Hans siste malerier Kilde på slutten av 1980-tallet. Hans mest kjente malerier er Rosa engler (ca. 1945), Utgraving (1950), og hans tredje Kvinne serie (1950–53) utført i en mer malerisk stil og improvisasjonsmessig tilnærming. På 1940-tallet arbeidet han samtidig i abstrakte og representasjonsstiler. Hans gjennombrudd kom med hans svart-hvitt abstrakte komposisjoner fra 1948–49. På midten av 1950-tallet malte han de urbane abstraksjonene, og vendte tilbake til figurasjon på 1960-tallet, deretter til de store gestusabstraksjonene på 1970-tallet. På 1980-tallet gikk de Kooning over til å jobbe på glatte overflater, glass med lyse, gjennomsiktige farger over fragmenter av gestale tegninger.
American Gothic - Grant Wood
Kurator Jane Milosch ved Smithsonian American Art Museum sammen med det berømte maleriet av Grant Wood kalt 'American Gothic'. Størrelse på maleri: 78x65 cm (30 3/4 x 25 3/4 in). Oljemaling på Beaver Board. Shealah Craighead / Det hvite hus / Getty Images
amerikansk gotisk er sannsynligvis det mest kjente av alle maleriene den amerikanske kunstneren Grant Wood noen gang har laget. Det er nå i Art Institute of Chicago.
Grant Wood malte 'American Gothic' i 1930. Det viser en mann og hans datter (ikke hans kone)1) står foran huset deres. Grant så bygningen som inspirerte maleriet i Eldon, Iowa. Den arkitektoniske stilen er amerikansk gotisk, som er der maleriet får sin tittel. Modellene til maleriet var Woods søster og tannlegen deres.to. Maleriet er signert nær underkanten, på mannens kjeledress, med kunstnerens navn og årstall (Grant Wood 1930).
Hva betyr maleriet? Wood hadde til hensikt at det skulle være en verdig gjengivelse av karakteren til Midtvest-amerikanere, som viser deres puritanske etikk. Men det kan betraktes som en kommentar (satire) om bygdebefolkningens intoleranse overfor utenforstående. Symbolikken i maleriet inkluderer hardt arbeid (høygaffelen) og husholdning (blomsterpotter og forkle med kolonialtrykk). Hvis du ser nøye etter, vil du se de tre tappene på høygaffelen ekko i sømmen på mannens kjeledress, og fortsetter oppover stripene på skjorten hans.
Kilde:
amerikansk gotisk , Art Institute of Chicago, hentet 23. mars 2011.
'Kristus av Johannes av Korset' - Salvador Dali
Christ of St John of The Cross av Salvador Dali, samling av Kelvingrove Art Gallery, Glasgow. Jeff J Mitchell / Getty Images
Dette maleriet av Salvador Dali er i samlingen til Kelvingrove kunstgalleri og museum i Glasgow, Skottland. Det ble først vist på galleriet 23. juni 1952. Maleriet ble kjøpt for £8 200, som ble sett på som en høy pris selv om det inkluderte opphavsretten som har gjort det mulig for galleriet å tjene reproduksjonsavgifter (og selge utallige postkort!) .
Det var uvanlig for Dali å selge opphavsretten til et maleri, men han trengte pengene. (Opphavsretten forblir hos artisten med mindre den er signert, se Vanlige spørsmål om artistens opphavsrett .)
'Tilsynelatende i økonomiske vanskeligheter, ba Dali først om 12 000 pund, men etter noen harde forhandlinger ... solgte han det for nesten en tredjedel mindre og signerte et brev til byen [Glasgow] i 1952 som ga opphavsrett.
Tittelen på maleriet er en referanse til tegningen som inspirerte Dali. Penn- og blekktegningen ble gjort etter en visjon Saint John of the Cross (en spansk karmelittmunk, 1542–1591) hadde der han så Kristi korsfestelse som om han så på den ovenfra. Komposisjonen er slående for sitt uvanlige syn på korsfestelsen av Kristus, lyssettingen er dramatisk kaster sterk skygger , og stor bruk gjort av forkorting i figuren. Landskapet nederst på maleriet er havnen i Dalis hjemby, Port Lligat i Spania.
Maleriet har vært kontroversielt på mange måter: beløpet som ble betalt for det; temaet; stilen (som fremstod som retro i stedet for moderne). Les mer om maleriet på galleriets hjemmeside.
Kilde:
' Surrealistisk sak om Dali-bildene og en kamp om kunstnerisk lisens ' av Severin Carrell, Vergen , 27. januar 2009
Campbells suppebokser - Andy Warhol
Andy Warhols suppetinnmalerier. Tjeerd Wiersma / Flickr
Detalj fra Andy Warhol Campbells suppebokser . Akryl på lerret. 32 malerier hver 20x16' (50,8x40,6cm). I samlingen av Museum of Modern Art (MoMA) i New York.
Warhol stilte først ut sin serie med Campbells suppeboksmalerier i 1962, med bunnen av hvert maleri hvilende på en hylle som en boks ville gjort i et supermarked. Det er 32 malerier i serien, antall varianter av suppe solgt på den tiden av Campbell's.
Hvis du hadde forestilt deg at Warhol fylte pantryet sitt med bokser med suppe, og deretter spiste en boks mens han var ferdig med å male, så ser det ikke ut til. I følge Momas nettsted brukte Warhol en produktliste fra Campbell's for å tildele en annen smak til hvert maleri.
På spørsmål om det, sa Warhol:
«Jeg pleide å drikke det. Jeg pleide å spise den samme lunsjen hver dag, i tjue år, antar jeg, det samme om og om igjen.'1
Warhol hadde tilsynelatende heller ikke en rekkefølge han ville ha maleriene vist i. Moma viser maleriene 'i rader som gjenspeiler den kronologiske rekkefølgen som [suppene] ble introdusert i, og begynner med 'Tomat' øverst til venstre, som debuterte i 1897.'
Så hvis du maler en serie og vil ha dem vist i en bestemt rekkefølge, sørg for at du noterer dette et sted. Bakkanten av lerretene er sannsynligvis den beste, da den ikke blir skilt fra maleriet (selv om den kan bli skjult hvis maleriene er innrammet).
Warhol er en kunstner som ofte blir omtalt av malere som ønsker å lage avledede verk. To ting er verdt å merke seg før du gjør lignende ting:
- På Momas hjemmeside , det er en indikasjon på en lisens fra Campbell's Soup Co (dvs. en lisensavtale mellom suppeselskapet og kunstnerens eiendom).
- Håndheving av opphavsrett ser ut til å ha vært et mindre problem på Warhols tid. Ikke gjør antagelser om opphavsrett basert på Warhols arbeid. Gjør din research og bestem deg for hva du bekymrer deg for en mulig sak om brudd på opphavsretten.
Campbell ga ikke Warhol i oppdrag å lage maleriene (selv om de senere bestilte et for en avtroppende styreleder i 1964) og hadde bekymringer da merket dukket opp i Warhols malerier i 1962, og tok i bruk en vent-og-se-tilnærming for å bedømme hva svaret var til maleriene. I 2004, 2006 og 2012 solgte Campbells bokser med spesielle Warhol-minnemerker.
Kilde:
1. Som sitert på Mamma , åpnet 31. august 2012.
Større trær nær Warter - David Hockney
David Hockney Større trær nær Warter. Øverst: Dan Kitwood / Getty Images. Nederst: Foto av Bruno Vincent / Getty Images
Topp: Kunstneren David Hockney står ved siden av en del av oljemaleriet sitt 'Bigger Trees Near Warter', som han donerte til Tate Britain i april 2008.
Bunn: Maleriet ble første gang stilt ut på sommerutstillingen 2007 ved Royal Academy i London, og tok opp hele veggen.
David Hockneys oljemaleri 'Bigger Trees Near Warter' (også kalt Plein luftmaleri for den postfotografiske tidsalder ) skildrer en scene nær Bridlington i Yorkshire. Maleriet laget av 50 lerreter arrangert ved siden av hverandre. Lagt sammen er den totale størrelsen på maleriet 40x15 fot (4,6x12 meter).
På det tidspunktet Hockney malte det, var det det største stykket han noen gang hadde fullført, men ikke det første han hadde laget ved å bruke flere lerreter.
' Jeg gjorde dette fordi jeg innså at jeg kunne gjøre det uten stige. Når du maler må du kunne gå tilbake. Vel, det er artister som har blitt drept ved å gå tilbake fra stiger, er det ikke? '
-- Hockney sitert i en Reuter nyhetsrapport, 7. april 2008.
Hockney brukte tegninger og en datamaskin for å hjelpe til med komposisjonen og maleriet. Etter at en del var fullført, ble det tatt et bilde slik at han kunne se hele maleriet på datamaskinen.
«Først skisserte Hockney et rutenett som viste hvordan scenen ville passe sammen over 50 paneler. Så begynte han å jobbe med individuelle paneler in situ. Mens han jobbet med dem, ble de fotografert og gjort til en datamaskinmosaikk slik at han kunne kartlegge fremgangen sin, siden han kun kunne ha seks paneler på veggen til enhver tid.'
Kilde:
Charlotte Higgins, Verge kunstkorrespondent, Hockney donerer stort arbeid til Tate , 7. april 2008.
Henry Moores krigsmalerier
Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension av Henry Moore 1941. Blekk, akvarell, voks og blyant på papir. Tate Gjengitt med tillatelse fra The Henry Moore Foundation
De Henry Moore-utstillingen på Tate Britain Gallery i London ble holdt fra 24. februar til 8. august 2010.
Den britiske kunstneren Henry Moore er mest kjent for sine skulpturer, men også kjent for sine blekk-, voks- og akvarellmalerier av mennesker som lurte på Londons undergrunnsstasjoner under andre verdenskrig. Moore var en offisiell krigskunstner, og 2010 Henry Moore-utstillingen på Tate Britain Gallery har et rom viet til disse. Laget mellom høsten 1940 og sommeren 1941, fanget hans skildringer av sovende skikkelser sammenkrøpet i togtunnelene en følelse av angst som forvandlet hans rykte og påvirket den populære oppfatningen av Blitz. Hans arbeid på 1950-tallet reflekterte kjølvannet av krigen og utsiktene til ytterligere konflikt.
Moore ble født i Yorkshire og studerte ved Leeds School of Art i 1919, etter å ha tjenestegjort i første verdenskrig. I 1921 vant han et stipend til Royal College i London. Han underviste senere ved Royal College samt Chelsea School of Art. Fra 1940 bodde Moore på Perry Green i Hertfordshire, nå hjemmet til Henry Moore Foundation . På Venezia-biennalen i 1948 vant Moore International Sculpture Award.
'Frank' - Chuck Close
'Frank' - Chuck Close. Tim Wilson / Flickr
'Frank' av Chuck Close, 1969. Akryl på lerret. Størrelse 108 x 84 x 3 tommer (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). I Minneapolis Institute of Art .
Lucian Freud Selvportrett og Fotoportrett
Til venstre: 'Selvportrett: Refleksjon' av Lucian Freud (2002) 26x20' (66x50,8 cm). Olje på lerret. Høyre: Fotoportrett tatt desember 2007. Scott Wintrow / Getty Images
Artisten Lucian Freud er kjent for sitt intense, uforsonlige blikk, men som dette selvportrettet viser, vender han det mot seg selv, ikke bare modellene sine.
1. 'Jeg tror et flott portrett har å gjøre med ... følelsen og individualiteten og intensiteten av hensynet og fokuset på det spesifikke.'1
2. '...du må prøve å male deg selv som en annen person. Med selvportretter blir 'likhet' en annen ting. Jeg må gjøre det jeg føler uten å være ekspresjonist.'to
Kilde:
1. Lucian Freud, sitert i Freud at Work s32-3. 2. Lucian Freud sitert i Lucian Freud av William Feaver (Tate Publishing, London 2002), s43.
'The Father of Mona Lisa' - Man Ray
'The Father of Mona Lisa' av Man Ray. Neologisme / Flickr
'The Father Of Mona Lisa' av Man Ray, 1967. Reproduksjon av tegning montert på fiberplate, med sigar tilsatt. Størrelse 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tommer (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). I samlingen av Hirshorn museum .
Mange forbinder Man Ray bare med fotografering, men han var også en kunstner og maler. Han var venn med kunstneren Marcel Duchamp og jobbet i samarbeid med ham.
I mai 1999 Art News magasinet inkluderte Man Ray på listen deres over de 25 mest innflytelsesrike kunstnerne på 1900-tallet, for hans fotografering og 'utforskninger av film, maleri, skulptur, collage, assemblage. Disse prototypene ville til slutt bli kalt performancekunst og konseptkunst.'
Art News sa:
'Man Ray tilbød kunstnere i alle medier et eksempel på kreativ intelligens som i sin 'jakt på nytelse og frihet' [Man Rays uttalte veiledende prinsipper] låste opp hver dør den kom til og gikk fritt der den ville.'(Sitatkilde: Art News, mai 1999, 'Willful Provocateur' av AD Coleman.)
Dette stykket, 'The Father of Mona Lisa', viser hvordan en relativt enkel idé kan være effektiv. Den vanskelige delen er å komme opp med ideen i utgangspunktet; noen ganger kommer de som et glimt av inspirasjon; noen ganger som en del av brainstorming av ideer; noen ganger ved å utvikle og forfølge et konsept eller en tanke.
Kjente malere: Yves Klein
Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum
Retrospektiv: Yves Klein-utstilling på Hirshhorn Museum i Washington, USA, fra 20. mai 2010 til 12. september 2010.
Kunstneren Yves Klein er sannsynligvis mest kjent for sine monokromatiske kunstverk med hans spesielle blå (se for eksempel 'Levende pensel'). IKB eller International Klein Blue er en ultramarinblå han formulerte.
Da han kalte seg 'rommets maler', 'søkte Klein å oppnå immateriell spiritualitet gjennom rene farger' og bekymret seg for 'samtidens forestillinger om kunstens konseptuelle natur'1.
Klein hadde en relativt kort karriere, mindre enn ti år. Hans første offentlige verk var en kunstnerbok Yves malerier ('Yves Paintings'), utgitt i 1954. Hans første offentlige utstilling var i 1955. Han døde av et hjerteinfarkt i 1962, 34 år gammel. ( Tidslinje for Kleins liv fra Yves Klein-arkivet .)
Kilde:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, åpnet 13. mai 2010.
'Levende pensel' - Yves Klein
Uten tittel (ANT154) av Yves Klein. Pigment og syntetisk harpiks på papir, på lerret. 102 x 70 tommer (259 x 178 cm). I samlingen til San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA). David Marwick/Flickr
Dette maleriet av den franske kunstneren Yves Klein (1928-1962) er en av seriene han brukte 'levende pensler.' Han dekket nakne kvinnemodeller med sin signaturblå maling (International Klein Blue, IKB) og deretter i et stykke performancekunst foran et publikum som 'malte' med dem på store papirark ved å dirigere dem verbalt.
Tittelen 'ANT154' er avledet fra en kommentar laget av en kunstkritiker, Pierre Restany, som beskriver maleriene produsert som 'antropometrier fra den blå perioden.' Klein brukte akronymet ANT som en serietittel.
Svart maleri - Ad Reinhardt
Amy Sia / Flickr's Black Painting' id='mntl-sc-block-image_2-0-217' />Ad Reinhardts svarte maleri. Amy Sia / Flickr
«Det er noe galt, uansvarlig og tankeløst med farge; noe umulig å kontrollere. Kontroll og rasjonalitet er en del av min moral.' -- Ad Reinhard i 19601
Dette monokrome maleriet av den amerikanske kunstneren Ad Reinhardt (1913-1967) er i Museum of Modern Art (Moma) i New York. Den er 60x60' (152,4x152,4cm), olje på lerret, og ble malt 1960-61. I det siste tiåret og litt av livet (han døde i 1967) brukte Reinhardt bare svart i maleriene sine.
Amy Sia , som tok bildet, sier at vaktmesteren peker på hvordan maleriet er delt opp i ni firkanter, hver med en annen sort nyanse.
Ikke bekymre deg hvis du ikke kan se det på bildet. Det er vanskelig å se selv når du står foran maleriet. I henne essay om Reinhardt for Guggenheim beskriver Nancy Spector Reinhardts lerreter som 'dempede svarte firkanter som inneholder knapt merkbare korsformede former [som] utfordrer grensene for synlighet'to.
Kilde:
1. Farge i kunst av John Gage, s.205
2. Reinhardt av Nancy Spector, Guggenheim Museum (åpnet 5. august 2013)
John Virtues London-maleri
Jacob Appelbaum / Flickr' id='mntl-sc-block-image_2-0-221' />Hvit akrylmaling, svart blekk og skjellakk på lerret. I samlingen til National Gallery i London. Jacob Appelbaum / Flickr
Den britiske kunstneren John Virtue har malt abstrakte landskap med bare svart og hvitt siden 1978. På en DVD produsert av London National Gallery sier Virtue å jobbe i svart-hvitt tvinger ham 'til å være oppfinnsom ... å gjenoppfinne.' Å unnslippe farge 'utdyper følelsen min av hvilken farge det er ... Følelsen av det faktiske av det jeg ser ... blir best og mer nøyaktig og mer formidlet ved å ikke ha en palett med oljemaling. Fargen ville være en blindvei.'
Dette er et av John Virtues London-malerier, utført mens han var assisterende kunstner ved National Gallery (fra 2003 til 2005). De Nasjonalgalleriets hjemmeside beskriver Virtues malerier som å ha 'tilknytning til orientalsk penselmaleri og amerikansk abstrakt ekspresjonisme' og nært knyttet til 'de store engelske landskapsmalerne, Turner og Constable, som Virtue beundrer enormt' i tillegg til å være påvirket av de 'nederlandske og flamske landskapene til Ruisdael, Koninck og Rubens'.
Dyd gir ikke titler til maleriene hans, bare tall. I et intervju i april 2005-utgaven av Kunstnere og illustratører magazine, sier Virtue at han begynte å nummerere arbeidet sitt kronologisk tilbake i 1978 da han begynte å jobbe i monokrom:
«Det er ikke noe hierarki. Det spiller ingen rolle om det er 28 fot eller tre tommer. Det er en ikke-verbal dagbok over min eksistens.'
Maleriene hans kalles bare 'Landscape No.45' eller 'Landscape No.630' og så videre.
The Art Bin - Michael Landy
Bilder av utstillinger og kjente malerier for å utvide kunstkunnskapen din. Bilder fra 'The Art Bin', en utstilling av Michael Landy på South London Gallery. Øverst: Å stå ved siden av søppelkassen gir virkelig en følelse av skala. Nederst til venstre: En del av kunsten i bingen. Nederst til høyre: Et tungt innrammet maleri i ferd med å bli søppel. Foto 2010 Marion Boddy-Evans. Lisensiert til About.com, Inc.
Art Bin-utstillingen av kunstneren Michael Landy fant sted på South London Gallery fra 29. januar til 14. mars 2010. Konseptet er et enormt (600m3) avfallsbeholder innebygd i gallerirommet, der kunst kastes, 'et monument over kreativ fiasko'1.
Men ikke hvilken som helst gammel kunst; du måtte søke om å kaste kunsten din i søpla, enten online eller på galleriet, med Michael Landy eller en av hans representanter som bestemte om den kunne inkluderes eller ikke. Hvis den ble akseptert, ble den kastet i søpla fra et tårn i den ene enden.
Da jeg var på utstillingen ble flere brikker kastet inn, og den som kastet hadde fått mye øvelse fra måten han klarte å få det ene maleriet til å gli rett til den andre siden av beholderen.
Kunsttolkningen går nedover veien for når/hvorfor kunst anses som god (eller søppel), subjektiviteten i verdien som tilskrives kunst, kunstsamlingen, kraften til kunstsamlere og gallerier til å skape eller bryte kunstnerkarrierer.
Det var absolutt interessant å gå langs sidene og se på hva som hadde blitt kastet inn, hva som hadde gått i stykker (mange isoporbiter), og hva som ikke hadde gjort det (de fleste malerier på lerret var hele). Et sted nederst var det et stort hodeskalletrykk dekorert med glass av Damien Hirst og et stykke av Tracey Emin. Til syvende og sist ville det som kunne være resirkulert (for eksempel papir- og lerretsbårer) og resten bestemt til å gå til søppelfylling. Begravd som søppel, neppe gravd opp århundrer fra nå av en arkeolog.
Kilde:
1&2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164), South London Gallery-nettstedet, åpnet 13. mars 2010.
Barack Obama - Shepard Fairey
'Barack Obama' av Shepard Fairey (2008). Sjablong, collage og akryl på papir. 60x44 tommer.National Portrait Gallery, Washington DC. Gave fra Heather og Tony Podesta-samlingen til ære for Mary K Podesta. Shepard Fairey / ObeyGiant.com
Dette maleriet av den amerikanske politikeren Barack Obama, stensilert collage med blandede medier, ble laget av en Los Angeles-basert gatekunstner, Shepard Fairey . Det var det sentrale portrettbildet som ble brukt i Obamas presidentvalgkamp i 2008, og distribuert som et begrenset opplag og gratis nedlasting. Det er nå i National Portrait Gallery i Washington DC.
1. For å lage Obama-plakaten sin (som han gjorde på mindre enn en uke), tok Fairey et nyhetsbilde av kandidaten fra Internett. Han søkte en Obama som så ut som president. ... Kunstneren forenklet deretter linjene og geometrien ved å bruke en rød, hvit og blå patriotisk palett (som han leker med ved å gjøre det hvite til en beige og det blå til en pastellfarge)... ord med fet skrift...
2. 'Hans Obama-plakater (og mange av hans kommersielle og fine kunstverk) er omarbeidinger av teknikkene til revolusjonære propagandister - de lyse fargene, dristige bokstavene, geometrisk enkelhet, heroiske positurer.'
Kilde : ?
'Obamas påtegning på veggen' av William Booth, Washington Post 18. mai 2008.
'Requiem, hvite roser og sommerfugler' - Damien Hirst
'Requiem, White Roses and Butterflies' av Damien Hirst (2008). 1500 x 2300 mm. Olje på lerret. Med tillatelse fra Damien Hirst og The Wallace Collection. Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst
Den britiske kunstneren Damien Hirst er mest kjent for sine dyr bevart i formaldehyd, men vendte tidlig i 40-årene tilbake til oljemaleriet. I oktober 2009 stilte han ut malerier laget mellom 2006 og 2008 for første gang i London. Dette et eksempel på et ennå ikke kjent maleri av en kjent kunstner kommer fra hans utstilling på Wallace Collection i London med tittelen 'No Love Lost.' (Datoer: 12. oktober 2009 til 24. januar 2010.)
BBC nyheter siterte Hirst på å si
'Han maler nå utelukkende for hånd', at i to år var 'maleriene hans pinlige og jeg ville ikke at noen skulle komme inn.' og at han 'måtte lære å male på nytt for første gang siden han var kunststudent i tenårene.'1
Pressemeldingen som fulgte med Wallace-utstillingen sa:
''Blue Paintings' vitner om en dristig ny retning i hans arbeid; en serie malerier som, med kunstnerens ord, er 'dypt knyttet til fortiden''.
Å sette maling på lerret er absolutt en ny retning for Hirst, og der Hirst går, vil kunststudenter sannsynligvis følge. Oljemaling kan bli trendy igjen.
About.com's Guide to London Travel, Laura Porter, gikk til forhåndsvisningen av Hirsts utstilling og fikk svar på det ene spørsmålet jeg var opptatt av å vite: Hvilke blå pigmenter brukte han?
Laura ble fortalt at det var ' prøyssisk blå for alle unntatt ett av de 25 maleriene, som er svart.' Ikke rart den er så mørk, ulmende blå!
Kunstkritiker Adrian Searle av Vergen var ikke særlig positiv til Hirsts malerier:
«På sitt verste ser Hirsts tegning bare amatøraktig og ungdommelig ut. Penselverket hans mangler den stemningen og panache som får deg til å tro på malerens løgner. Han kan ennå ikke bære det av.to
Kilde:
1 Hirst 'gir opp syltede dyr' , BBC News, 1. oktober 2009
to. Damien Hirsts malerier er dødelig kjedelige ,' Adrian Searle, Verge , 14. oktober 2009.
Kjente artister: Antony Gormley
Kunstner Antony Gormley (i forgrunnen) på den første dagen av hans fjerde sokkelinstallasjonskunstverk på Trafalgar Square i London. Jim Dyson / Getty Images
Antony Gormley er en britisk kunstner som kanskje er mest kjent for sin skulptur Angel of the North, som ble avduket i 1998. Den står i Tyneside, nordøst i England, på et sted som en gang var et kull, og ønsker deg velkommen med sine 54 meter brede vinger.
I juli 2009 så Gormleys installasjonskunstverk på den fjerde sokkelen på Trafalgar Square i London en frivillig stå en time på sokkelen, 24 timer i døgnet, i 100 dager. I motsetning til de andre sokkelene på Trafalgar Square, har den fjerde sokkelen rett utenfor Nasjonalgalleriet en permanent statue på seg. Noen av deltakerne var selv kunstnere, og skisserte sitt uvanlige synspunkt (bilde).
Antony Gormley ble født i London i 1950. Han studerte ved forskjellige høyskoler i Storbritannia og buddhisme til India og Sri Lanka, før han fokuserte på skulptur ved Slade School of Art i London mellom 1977 og 1979. Hans første separatutstilling var på Whitechapel Art Gallery i 1981. I 1994 Gormley vant Turner-prisen med sin 'Field for the British Isles'.
Hans biografi om hans nettsted sier:
...Antony Gormley har revitalisert menneskebildet i skulpturen gjennom en radikal undersøkelse av kroppen som et sted for minne og transformasjon, ved å bruke sin egen kropp som subjekt, verktøy og materiale. Siden 1990 har han utvidet sin bekymring for den menneskelige tilstanden til å utforske den kollektive kroppen og forholdet mellom seg selv og andre i store installasjoner ...
Gormley lager ikke den typen figur han gjør fordi han ikke kan lage statuer i tradisjonell stil. Han nyter heller forskjellen og evnen de gir oss til å tolke dem. I et intervju med Tidene 1, han sa:
«Tradisjonelle statuer handler ikke om potensial, men om noe som allerede er komplett. De har en moralsk autoritet som er undertrykkende snarere enn samarbeidende. Mine verker erkjenner deres tomhet.'
Kilde:
Antony Gormley, mannen som brøt formen av John-Paul Flintoff, The Times, 2. mars 2008.
Berømte moderne britiske malere
Samtidsmalere. Peter Macdiarmid/Getty Images
Fra venstre til høyre, artistene Bob og Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego , Michael Craig-Martin, Maggi Hambling , Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake , og Alison Watt.
Anledningen var en visning av maleriet Diana og Actaeon av Titian (usett, av til venstre) ved National Gallery i London, med sikte på å samle inn midler til å kjøpe maleriet til galleriet.
Kjente artister: Lee Krasner og Jackson Pollock
Lee Krasner og Jackson Pollock i East Hampton, ca. 1946. Foto 10x7 cm. Jackson Pollock og Lee Krasner papirer, ca. 1905-1984. Archives of American Art, Smithsonian Institution. Ronald Stein / Jackson Pollock og Lee Krasner Papers
Av disse to malerne, Jackson Pollock er mer kjent enn Lee Krasner, men uten hennes støtte og promotering av kunstverket hans, kan det hende han ikke har den plassen i kunsttidslinjen han har. Begge malt i en abstrakt ekspresjonistisk stil. Krasner kjempet for kritikerrost i sin egen rett, i stedet for bare å bli sett på som Pollocks kone. Krasner etterlot seg en arv for å etablere Pollock-Krasner Foundation , som gir tilskudd til billedkunstnere.
Stigeesel av Louis Aston Knight
Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institution's Sons Art Reference Department Records, ca. 1865-1957)' id='mntl-sc-block-image_2-0-260' />Louis Aston Knight og hans stige staffeli. c.1890 (Uidentifisert fotograf. Svart-hvitt fotografisk trykk. Dimensjoner: 18cmx13cm. Samling: Charles Scribner's Sons Art Reference Department Records, ca. 1865-1957). Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institution
Louis Aston Knight (1873–1948) var en Paris-født amerikansk kunstner kjent for sine landskapsmalerier. Han trente opprinnelig under sin kunstnerfar, Daniel Ridgway Knight. Han stilte ut på den franske salongen for første gang i 1894 og fortsatte å gjøre det hele livet mens han også fikk anerkjennelse i Amerika. Hans maleri Ettergløden ble kjøpt i 1922 av USAs president Warren Harding for Det hvite hus.
Dette bildet fra Arkiv for amerikansk kunst , dessverre, gir oss ingen plassering, men du må tenke at enhver kunstner som var villig til å vasse i vannet med sin staffeli-stige og maling enten var veldig dedikert til å observere naturen eller ganske showmannen.
1897: En kunstklasse for kvinner
Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institution.' s kunstklasse med instruktør William Merritt Chase.' id='mntl-sc-block-image_2-0-263' />En kunstklasse for kvinner med instruktør William Merritt Chase. Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institution.
Dette bildet fra 1897 fra Arkiv for amerikansk kunst viser en kunstklasse for kvinner med instruktør William Merritt Chase. I den tiden deltok menn og kvinner på kunstkurs hver for seg, hvor kvinner på grunn av tiden var så heldige å i det hele tatt kunne få en kunstutdanning.
Kunstsommerskole ca.1900
Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institute' id='mntl-sc-block-image_2-0-266' />Sommerkunstskole i 1900. Arkiv for amerikansk kunst / Smithsonian Institute
Kunststudenter ved St Paul School of Fine Arts' sommerklasser, Mendota, Minnesota, ble fotografert i ca. 1900 med lærer Burt Harwood.
Mote til side, store solhatter er veldig praktiske for maling utendørs som det holder solen ute av øynene og hindrer ansiktet ditt å bli solbrent (det samme gjør en langermet topp).
'Nelson's Ship in a Bottle' - Yinka Shonibar
Nelson's Ship in a Bottle på den fjerde sokkelen på Trafalgar Square av Yinka Shonibar. Dan Kitwood / Getty Images
Noen ganger er det et kunstverks skala som gir det dramatisk innvirkning, langt mer enn motivet. 'Nelson's Ship in a Bottle' av Yinka Shonibar er et slikt stykke.
'Nelson's Ship in a Bottle' av Yinka Shonibar er et skip på 2,35 meter høyt inne i en enda høyere flaske. Det er en kopi i skala 1:29 av viseadmiral Nelsons flaggskip, HMS Seier .
'Nelson's Ship in a Bottle' dukket opp på den fjerde sokkelen på Trafalgar Square i London 24. mai 2010. Den fjerde sokkelen sto tom fra 1841 til 1999, da den første av en pågående serie med samtidskunst, bestilt spesielt for sokkelen av Fjerde sokkeldriftsgruppe .
Kunstverket før 'Nelson's Ship in a Bottle' var One & Other av Antony Gormley, der en annen person sto på sokkelen i en time, døgnet rundt, i 100 dager.
Fra 2005 til 2007 kunne du se en skulptur av Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant , og fra november 2007 var det Model for a Hotel 2007 av Thomas Schutte.
Batikkdesignene på seilene til 'Nelson's Ship in a Bottle' ble håndtrykt av kunstneren på lerret, inspirert av stoff fra Afrika og historien til det. Flasken er 5x2,8 meter, laget av perspex ikke glass, og flaskeåpningen stor nok til å klatre inn for å bygge skipet.