The Genius of Antonio Canova: A Neoclassic Marvel

Portrett av Antonio Canova av François Xavier Fabre, 1812, via The New York Times; med Perseus med hodet av Medusa (Perseus Triumphant) av Antonio Canova, 1800-01, via Vatikanmuseet, Roma; og med Theseus and the Minotaur av Antonio Canova, 1781-1783, via The Victoria and Albert Museum, London

Antonio Canova var et forbilde for den nyklassisistiske bevegelsen som en førsteklasses italiensk billedhugger. Hans kunnskap om barokk, rokokko og klassisk kunst tillot ham å skape en unik og intuitiv stil. Takket være inspirasjonen fra Johann Joachim Winckelmann og de senere kritikkene fra Gavin Hamilton, utviklet Canova en dyp forståelse av greske og romerske klassiske verk. Hans egne verk eksemplifiserte harmonia, balanse, symmetri og proporsjon. Disse nøkkelpunktene var preget ikke bare av grekernes verk, men også av den nyklassisistiske bevegelsen som helhet. Canovas nyklassisistiske skulpturer integrerte fortiden i nåtiden. Men før du blir kjent med livet og verkene til denne store billedhuggeren, er det viktig å være kjent med nyklassisismens historie.

Antonio Canovas begynnelse: Den nyklassiske bevegelsen

Parnassus av Anton Raphael Mengs, 1761, via Eremitagemuseet, St. Petersburg

Den nyklassisistiske bevegelsen begynte på 1760-tallet med gjenoppdagelsen av Pompeii i 1748 av oppdagere på jakt etter eldgamle gjenstander. Avdekkingen av veggfresker under og etter Pompeii-utgravningene tvang kunstnere til å lage litografier av stykkene for å spre bildene over hele Europa. Den pompeianske stilen inspirerte tidens kunstnere og visse aspekter av hverdagen: Fransk mote og hjemmeinnredning, for eksempel, skiftet til fortidens mer raffinerte og elegante stiler.

Gjenoppdagelsen av Pompeii inspirerte også gjenfødelsen av søyler laget etter greske klassiske ordener .

Illustrasjon av Den joniske orden fra Erechtheum fra The Antiquities of Athens (Vol. 2), 1762-1816, skannet av forfatteren fra europeisk kunst fra det nittende århundre: Tredje utgave av Petra ten-Doesschate Chu

De tre ordenene er doriske, joniske og korintiske kolonner. Doriske søyler er mest kjent for sin enkelhet, omkrets og tilknytning til styrke og det maskuline. Ioniske søyler stilte seg på linje med femininitet i sin skjærhet og volutter formet som spiraler, som etterlignet en jomfrus hår. Den korintiske orden var en kombinasjon av de to andre ordenene, men med en mer dekorativ stil, inkludert klokkeformede volutter, en ekstremt detaljert gesims og akantusblader som pryder toppen.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Videre fremmet Johann Joachim Winckelmann, en tysk kunsthistoriker som i stor grad påvirket den nyklassisistiske bevegelsen, gjenoppblomstringen av verdsettingen av klassiske stiler med sin studie av utviklingen av klassisk kunst via komparativ forskning. På denne måten hentet nyklassisismen mye av sin inspirasjon fra de klassiske og hellenistiske periodene for gresk skulptur.

Hvem Hva Johann Joachim Winckelmann?

Portrett av Johann Joachim Winckelmann av Angelica Kauffman, 1764, via British Museum, London

Winckelmann var en tysk kunsthistoriker, arkeolog og tidlig hellenist. Han mente at klassisk kunst gikk gjennom en evolusjon som inkluderte en begynnelse, midte og slutt. Konseptet kom fra det faktum at Pompeiianske veggmalerier ikke levde opp til de estetiske standardene til gresk skulptur. Det eksisterte en antagelse om at de Pompeiianske freskene ble malt under en nedgang i tidslinjen til klassisk kunst.

Historien om antikkens kunst av Johann Joachim Winckelmann , Første utgave utgitt i 1764, via Winckelmann-Museum, Stendal

skrev Winckelmann Antikkens kunsthistorie , eller Antikkens kunsthistorie (1764), som påvirket både historikere, forskere og kunstnere. I dette verket brukte han livssyklusen som en analogi for å skissere historien til klassisk kunst. Den hadde en opprinnelse, en periode med vekst og modenhet, og en eventuell nedgang.

Denne boken inspirerte mange kunstverk og litteratur takket være Winckelmanns beskrivelser av klassiske skulpturer. Hans forfattere påvirket skulptører og malere som Antonio Canova og Anton Raphael Mengs . Han fremhevet stykkenes ideelle egenskaper, med deres edle enkelhet og rolige storhet samt deres sensualitet.

For Winckelmann var ikke den klassiske kunstens vugge i Roma, men i Hellas, der den ble født og hvor den nådde toppen. På grunn av sin lidenskap for og nærstudium av antikke greske og romerske verk, var Winckelmann i stand til å bidra veldig nært til utviklingen av kunstnere som begjærte verkene fra gammelt av.

Gresk og romersk skulptur

Artemision bronse , Omtrent 460 f.Kr., via Athens nasjonale arkeologiske museum

Overraskende nok har mange greske og romerske bronser ikke blitt sett siden før Romerrikets regjeringstid og korstogene. Hvorfor? Fordi mange ble smeltet ned for sin bronse, siden bronse var etterspurt etter våpen og verktøy. Til tross for forræderiet til denne handlingen, hadde romerne imidlertid fremsynet til å gjøre marmorkopier av ganske mange skulpturer. Selvfølgelig var det originale greske klinkekuler, som Kritios gutt, den gamle Kouros-statuen i marmor , og Nike fra Samothrac og . Imidlertid formidlet bronsene deres best deres ferdigheter og filosofi for sinn og kropp under de klassiske til hellenistiske periodene. Så er det verkene til greske bronseskulptører som Polykleitos og Lysippos , hvis mest bemerkelsesverdige verk først nå kan sees som romerske marmorkopier.

Romersk kopi av Farnese Herakles (Hercules i hvile) av Glykon (original gresk bronse av Lysippos), sent på 2. til tidlig på 3. århundre e.Kr., via Det nasjonale arkeologiske museet i Napoli

Hver romersk kopi av en gresk original bronsestatue har en stag, eller marmor trestamme, som balanserer marmoren. (Stammen har historisk sett antatt mange former, men stammen er en av dens mest bemerkelsesverdige former). På grunn av de tapte teknikkene til gresk skulptur klarte ikke romerne å balansere marmoren ordentlig og måtte i stedet bruke stivere. To eksempler på dette kan sees i Farnese Herakles , som ikke nødvendigvis har en spankulere siden klubben er en del av det originale stykket, men den tar på seg samme rolle som en spankuler; og Apollo Belvedere, som har en stag på venstre side. For greske bronseoriginaler vil det typisk være bronse under føttene til skulpturen som holder den oppe – og limer den på plass.

Diagram av det gylne snitt (Golden Rectangle and Spiral), via Pratt Institute

Romerne etterlignet stilen til grekerne ettersom den for lengst var blitt perfeksjonert. Den perfeksjonen kom ikke bare fra dyktighet, men også kunnskapen om Gyldent snitt , eller Golden Mean via Golden Rectangle, og som er det som førte til den ideelle harmonien, balansen, symmetrien og proporsjonen. De Apollo Belvedere , Artemision bronse , og Anton Mengs' Parnassus er alle gode eksempler på brikker som er strukturert rundt det gylne snitt. Til tross for denne kunnskapen, hadde romerne en tendens til å endre proporsjonene for å passe deres egne følelser. På den annen side hadde grekerne en forståelse for den ideelle kroppen og raffinert skjønnhet, og modellerte kroppene etter det de oppfattet som likheten med gudene og gudinnene.

Antonio Canova brukte disse eldgamle reglene og teknikkene som ble overført fra sine forgjengere for å lage verk som henter inspirasjon fra fortiden og formidler kunnskap om fremtiden.

Mer om Antonio Canova

Selvportrett av billedhuggeren Antonio Canova , 1812, via The Art Institute of Chicago

Antonio Canova var en italiensk nyklassisistisk skulptør kjent av samtidige som den øverste skjønnhetsministeren. Canova likte mer i den nyklassisistiske kunstbevegelsen i stedet for Rokokko eller barokk perioder med kunst, da han studerte verkene til mestere som Michelangelo så vel som Pompeii-freskene under sine reiser i Italia. Mange av Canovas tidlige verk er basert på en avvisning av bare å kopiere klassiske greske teknikker. Han forsøkte å forene tidligere filosofier og forståelser av grekerne med sin kunnskap om rokokko og barokkkunst.

Antonio Canova ble ansett for å være sin tids største billedhugger. Før 1779 viste hans tidlige arbeider en senbarokk- eller rokokko-sensibilitet som var attraktiv for lånetakerne hans, venetianske adelsmenn. Et slikt eksempel ville være hans Daedalus og Ikaros Nyklassisk skulptur.

Canovas innkjøring med Gavin Hamilton

Daedalus og Ikaros av Antonio Canova , 1777-1779, via Museo Gipsoteca Antonio Canova, Possagno

I 1779 besøkte Canova Roma for første gang og møtte den skotske maleren, antikvitetshandleren og den venetianske ambassadøren Gavin Hamilton på et middagsselskap. I juni året etter så Hamilton Canovas Daedalus og Ikaros og sa til ham :

Folkets fantasi er også sannhet på samme måte som det rent individuelle bildet av skjønnhet er sannhet ... sammenføringen av det naturlige og det unaturlige er det ideelle middelet for å formidle ideen vår.

Hamiltons fulle råd til Canova var mye mer dyptgående, men i hovedsak ønsket Hamilton at han skulle vende seg bort fra naturalismen og søke en høyere form for skulpturell skjønnhet. Dette innspillet fra Hamilton er grunnen til at Canovas arbeid for alltid ble endret, og hvorfor arbeidet hans var i stand til å stige som det gjorde.

Canova And The Apollo Belvedere : Nyklassisk skulptur

Perseus med hodet til Medusa (Perseus Triumphant) av Antonio Canova, 1800-01, via Vatikanmuseet, Roma

Etter hans møte med Gavin Hamilton, begynte Antonio Canovas senere verk å skildre en mer idealisert skjønnhet, og hentet inspirasjon fra gamle verk. Canovas Perseus med hodet til Medusa hentet inspirasjon fra ikke bare beskrivelsene av Apollo Belvedere men også Velkommen Cellini 's Perseus og Medusa .

De primære egenskapene som Canova har Perseus arvet fra Apollo Belvedere inkluderer: mangel på intens muskulatur med samme idylliske kroppstype; tung bruk av fossegardiner; nesten identiske positurer bortsett fra kappene deres og gjenstandene de holder (de er speil av hverandre); og deres triumferende og selvtilfredse ansiktsuttrykk.

Apollo Belvedere romersk marmorkopi av gresk bronse , sent i 4. årh. BCE (Marble Copy 18th c.), via Vatikanmuseet, Roma

For bedre å forstå viktigheten av Apollo Belvedere , nedenfor er et utdrag av Winkelmanns beskrivelse av skulpturen slik den er skrevet i Europeisk kunst fra det nittende århundre (3. utgave) av Petra ten-Doesschate Chu:

Blant alle antikkens verk, som har unnsluppet ødeleggelse, er statuen av Apollo kunstens høyeste ideal... Hans vekst er høyere enn menneskets og hans holdning taler om storhet han er fylt med. En evig vår ... klær med ungdommens sjarm, den grasiøse mannligheten fra modne år og leker med mykhet og ømhet om den stolte formen til hans lemmer ... (s. 50).

Winkelmann forsøkte å fremheve den doble vektleggingen av de sensuelle og ideelle egenskapene til gresk skulptur, selv om han bare var i stand til å se de romerske kopiene av mange av de ødelagte bronsene. På dette tidspunktet var det ikke mulig å reise til Hellas på grunn av regjeringen til Hellas osmanske tyrkere .

Antonio Canovas gyldne år

Theseus and the Minotaur av Antonio Canova , 1781-1783, via Victoria and Albert Museum, London

Antonio Canovas gyldne år var faktisk post-Hamilton, da han begynte å jobbe innenfor de nyklassiske skulpturstandardene mens han brukte de greske idealene om himmelsk skjønnhet og perfeksjon. Canovas første stykke etter møtet med Hamilton var Theseus og Minotauren . Dette verket blir sett på som hans første faktiske nyklassisistiske skulptur sammen med Perseus med hodet til Medusa , som han produserte like etter. Det er tydelig når man ser på dette stykket at Canova tok Hamiltons råd til seg og forsøkte å fremkalle både naturlig og unaturlig skjønnhet. Dette stykket lener seg fortsatt mer mot den naturlige ideen om skjønnhet; det går imidlertid ikke så langt som hans arbeid Daedalus og Ikaros .

Dermed Antonio Canovas Perseus med hodet til Medusa kan uten tvil betraktes som starten på hans gylne æra. Hans Perseus og alle verkene som kom etter, er hvordan han ble kjent som den øverste skjønnhetsministeren.

Psyche gjenopplivet av Cupid's Kiss (første versjon) av Antonio Canova, 1787-93, via Musée du Louvre, Paris

Skulpturen Psyche gjenopplivet av Cupid's Kiss viser Canovas sanne forståelse av Hamiltons ord og hvordan han videreutviklet en stil for seg selv som nettopp begynte å titte gjennom i Theseus og Minotauren . Hans arbeid med denne nyklassisistiske skulpturen formidler virkelig kombinasjonen av det naturlige med det unaturlige. Han lar kroppene beholde en mer naturlig proporsjon mens ansiktene, håret og bevegelsene deres utstråler en overjordisk skjønnhet og omsorg.

Theseus og Kentauren av Antonio Canova, 1810-1819, via Kunsthistorisches Museum, Wien

Under den nyklassisistiske bevegelsen forble smaken for verk som eksemplifiserer rokokkostilen i full gang. Et aspekt som preget rokokkokunsten mest var dens teatralske karakter. Fordi Antonio Canova studerte rokokko, fulgte den teatralske sensibiliteten ham inn i verk som f.eks Theseus og Kentauren .

Til sammenligning hans Theseus og Minotauren er forskjellig fra det mange rokokkoartister hadde gjort tidligere ved at det viser etterspillet av kampen i stedet for å vise selve slaget. Theseus og Minotauren viser Theseus etter å ha drept Minotauren (som anvist av Hamilton), satt på drapet hans, under et øyeblikks refleksjon. I det øyeblikket innser Theseus at han nå har mistet sin uskyld og må tenke på sin egen moral. I stedet for å skildre storhet i kamp, ​​som Theseus og Kentauren , det er en dyster ettertenksomhet over stykket.

Theseus and the Centaur (nærbilde av kentauren) av Antonio Canova, 1810-1819, via Kunsthistorisches Museum, Wien

Spesielt dette stykket forårsaket spekulasjoner om at det var en kopi fra en gresk original. Theseus og Kentauren var så godt balansert, formet som en trekant innenfor rammen av det gylne snitt, samtidig som det hadde et detaljnivå som man ikke nødvendigvis forventet av en original nyklassisistisk skulptur. Detaljene på hesten og den kjøttlignende naturen til kroppene gjorde at stykket virket som en umulighet for tiden, spesielt med mangelen på et stag og skulpturens generelle harmoni. Theseus og Kentauren anses derfor for å være Canovas magnum opus og med god grunn.

Når det kommer til stykket, var Canovas verk mesterlige i løpet av hans tidlige karriere, med høydepunkter som Daedalus og Ikaros . Men uten innsikt fra de som Winckelmann eller råd fra Gavin Hamilton, ville han ikke vært det vidunderet han ble til. Antonio Canova var en sann virtuos innen håndverket, og skapte verk som uten tvil kan foreviges på samme måte som verkene som inspirerte ham.