En viktig introduksjon til franske art deco-møbler

Stol av Clément Rousseau, 1921; med Chariot Chest av Emile-Jacques Ruhlmann, 1922; og med leselenestol av Pierre Legrain, 1925-1928

Art Deco-perioden strakte seg omtrent fra 1910 til 1935, og nådde sitt høydepunkt mellom de to verdenskrigene. Art Deco var en virkelig global bevegelse: dens påvirkninger kan sees i praktisk talt alle kunstneriske uttrykk, inkludert møbler, arkitektur, visuell kunst, smykker, mote, biler, tog, havforinger og hverdagslige gjenstander som askebegre. Mer enn noe annet land legemliggjorde Frankrike denne ånden, spesielt i sine ikoniske franske Art Deco-møbler.

Historien om art deco-møbler

Skap av Eugène Printz og Jean Dunand , palmetre, dinanderi, oksidert messing, platan, 1937, via Christie's

I 1901 etablerte en gruppe franske kunstnere et kollektiv kalt samfunn av dekorative kunstnere (Forening av dekorative kunstnere) . På denne tiden var det en stor interesse fra samlere og eliteklassene i urbane klasser for franske kunstverk, spesielt innen interiør, kunstgjenstander og møbler. Selskapet utviklet nye design og stiler, støttet av høye standarder for håndverk. Den sponset også årlige utstillinger der medlemmene kunne vise frem sitt siste arbeid, og i disse salongene dannet Art Deco-stilen seg.

I 1912, for å støtte fremveksten av denne nye stilen og fremme fransk håndverk på verdensscenen, bestemte den franske regjeringen seg for å være vertskap for en internasjonal utstilling av dekorativ kunst. Opprinnelig planlagt for 1915, ble det utsatt på grunn av første verdenskrig. I 1925 ble utstillingen, den Utstilling av moderne dekorativ og industriell kunst , endelig fant sted i Paris. Utstillingen var svært etterlengtet og trakk omtrent 16 millioner besøkende. De Stil moderne presentert på utstillingen ble senere kjent som Art Deco , avledet fra utstillingens tittel.

Verkene som ble vist spenner fra hverdagslige gjenstander til høydesignet arkitektur og posisjonerte franskmennene som de øverste leverandørene av luksus.

Gondola bergère lenestol fra Andrè Groult , hvit shagreen på bøk, grå fløyel preget med blomsterdekor, ca. 1925, via Musée des Arts Décoratifs, Paris; med Lesestol av Pierre Legrain , finér av tornet og sateng mahogni, sølvbelagt metall, flettet skinn, 1925-1928, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Expoen gjorde det klart hvor betydelig Art Deco hadde påvirket kunstverdenen. Arrangementet viste frem mange verk, men spesielt møbler som har kommet for å eksemplifisere Art Deco-stilen. Både publikum og kritikere omfavnet denne nye stilen. Stykker anerkjent for sin betydning ble kjøpt av Metropolitan Museum of Art i New York og Museum for dekorativ kunst i Paris . Arrangementet sementerte Art Deco-arven rundt om i verden.

État-skap av Emile-Jacques Ruhlmann , Macassar-ibenholt, amarant, elfenben, eik, kryssfiner med trelast, poppel, kastanje, mahogni, forsølvet messing, designet 1922, produsert 1925-6, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Ved oppstarten var Art Deco orientert mot luksusmarkedet og la lite merke til kostnader og utsalgspriser. Stykker var enestående; Franske møbeldesignere betraktet seg selv som den moderne iterasjonen til klassiske møbelprodusenter. Videre ble deres kunstneriske tilnærming forankret av karakteristisk fransk raffinement uttrykt av grasiøse former og tradisjonelle metoder som finering og intarsia. Franske møbeldesigners moderne preg er basert på den umiskjennelige funksjonaliteten til de skapte stykkene. De bruker deretter kunstneriske innslag og ornamenter, noen som ikke er tradisjonelt franske, som komplementerer delenes funksjonalitet.

Vitrineskap av Marcel Coard , skrog av metall og eik, finér av Macassar-ibenholt og perlemor, gulllakkert interiør og hyller, elfenbensaboter og hyllebraketter, glass, 1914-1915, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

De stilistiske egenskapene til franske art deco-møbler

Lenestol av Louis Süe og Paul Huillard, Gul, grønn og rød lakkert bøk, armlener og sete i grønt kunstskinn, 1912, Musée des Arts Décoratifs, Paris

Et ønske om funksjonalisme gikk hånd i hånd med understatement, raffinement og eleganse. Den franske Art Deco-møbeldesigneren var opptatt av grasiøse proporsjoner og behersket, harmonisk ornament samtidig som den gjeninnførte idealene om fint håndverk. Han ønsket slankhet. Han aktet maksimen form følger funksjon.

Design manifestert gjennom inspirasjon fra ulike kilder – inspirasjon kom fra den klassiske verden og den franske gammelt regime i et sympatisk nikk mot aspirasjonsstorhet. Design hentet også fra konsepter innen samtidskunst som f.eks Kubisme og Fauvisme , som omfavnet uttrykk gjennom mønster og form. I tillegg representasjoner av maskinalder-innovasjoner samt design fra det gamle Egypt som inspirert av oppdagelsen av Tutankhamons grav , Mesoamerikansk og Indianer mønstre og afrikanske tekstiler påvirket alle Art Deco-møbeldesign. Et enkelt stykke fransk art deco-møbel kan omfavne en eller alle disse påvirkningene samtidig.

Fransk art deco-utsmykning komplementerte stykkets funksjon og formål, siden det ikke var noe uvedkommende eller gratis ved det. Klassisk ornamentikk inkluderte innlegg, marquetry, lakk, maleri og dekorative paneler. Art Deco-designere bagatelliserte vanligvis utskårne skulpturelle komponenter. Tekstiler, tre, verktøy eller repoussé-lær, metaller og elfenben ble satt i geometriske og ikke-representative former. Et yndet motiv var sikksakk-lyndesignet, som ble et emblem på 1930-tallet.

Art Deco var virkelig en internasjonal stil, som tok i bruk design, materialer og former som blandet en dominerende fransk sensibilitet og stil med påvirkninger fra fengslende og romantiske fjerne steder.

Omfavner atypiske materialer

Tebord av Louis Sorel , lakkert kirsebærtre, 1910, via Museum of Decorative Arts, Paris

Franske Art Deco-møbeldesignere brukte atypiske materialer, noe som ytterligere eksemplifiserer stilens forpliktelse til luksus og modernitet.

Tropiske tresorter ble brukt, og mørke tresorter ble foretrukket. Ibenholt var det valgte treet - selv om det var kostbart, brukte designere det til å lage hele deler av møbler, for eksempel ben, skuffer og skroget. Den tunge bruken førte til mangel, og deretter ble ibenholtsfiner påført.

Andre eksotiske finerer inkluderte Macassar-ibenholt, urfolk i Indonesia, samt palmetre, brasiliansk jacaranda og sebratre. Bortsett fra disse ble mer uvanlige tresorter brukt, som amaranth, amboyna, mahogni, fioletttre og platan. De ble ofte stilt sammen med burled tre for å sette ut fargen.

Kommode av Paul Iribane Garay, kjent som Paul Iribe , skrog av mahogni og tulipanved, skifertopp, grønnfarget shagreen belegg, ibenholt knopper, utskåret ibenholt base og girlander, 1912, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

Elfenben var det mest brukte møbelfestet og det dekorative utstyret. Den aksenterte former og ble brukt som skufftrekk og saboter. Før første verdenskrig opplevde asiatisk lakkarbeid en vekkelse i Frankrike som holdt seg oppe gjennom 1920-tallet. Prosessen krevde mye arbeid; metodikken til den historiske, eldgamle lakkapplikasjonen som ble brukt av disse håndverkerne, krevde 22 trinn. Marmor erstattet tre til bordplater, hvor det ofte ble brukt sammen med støpejern. Skilpaddeskall ble også brukt som et innlegg som en dekorativ aksent.

Skap av Clement Mother , Macassar ibenholt, sitrontre, lær, elfenben, halvedelstein, buksbom, lakk, innlegg, 1913, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

Shagreen (skinnet til en liten flekket pigghå), slangeskinn, galuchat (behandlet og farget haiskinn) og ponyskin (kuskinn) ble ofte lagt på toppen av et toalettbord eller skrivebord og for å polstre stoler og seter. I tillegg brukte designere noen ganger pels på stoler og divaner. Halmmarquetry ble sjelden brukt, men fortsatt identifisert som et art deco-materiale - sugerørene er gjennomvåt, delt og strøket, deretter arrangert i et geometrisk mønster. Tekstiler, som luksuriøs silke, ble også brukt.

‘Antropomorf’ kommode av André Groult , mahogni omhyllet i haiskinn, elfenben, sølv, 1925, via Museum for dekorativ kunst, Paris ; med Stol av Clément Rousseau , palisander, grønnfarget shagreen, elfenben, lys blågrå silketrekk, 1921, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

Etter hvert som den franske art deco-stilen ble modnet, ble metaller som stål, kobber og smi-/støpejern i økende grad brukt. Mange møbeldesignere fra 1920- og 1930-tallet erkjenner Michael Thonets bøydtre fra 1800-tallet prototyper som inspirasjon i bruken av metall. Den naturlige utviklingen av Art Deco-trenden, i tillegg til den globale økonomiske krisen på 20- og 30-tallet, krevde bruk av mindre verdifulle materialer. I dette tilfellet passet metall regningen. Det var relativt billig og kunne lett brukes i en masseprodusert setting. Masseproduksjon tillot et høyere nivå av tilgjengelighet til luksuriøse Art Deco-møbler for middelklassen.

De franske art deco-designerne

Møbeldesignere ble gruppert i tre kategorier:

1. Tradisjonalister, som ble påvirket av Frankrikes møbelsnekkere fra 1700- og 1800-tallet. Designere inkluderer Jacques-Emile Ruhlmann , Paul Follot , Andre Groult , Jules Leleu , Louis Sue og André Mare , Maurice DuFrêne og Charlotte Chauchet-Guilleré.

Lotus sminkebord av Emile-Jacques Ruhlmann , purpleheart, amaranth og Andaman padauk-skoger; intarsia av ibenholt og elfenben. 1919-1923, via Victoria & Albert Museum, London

2. Modernister , som gjorde opprør mot de nyklassiske designene. Metall var et utbredt materiale som ble brukt av designerne, inkludert Jacques Adnet , Andre-Leon Arbus , Robert Block , René Prou , Louis Sognot , Michel Dufet , René Herbst , og Paul Dupre-Lafon .

Stol av Rene Herbst , nikkelbelagt metall, bårer i gummi og bomull, 1929, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

3. Individualister , designere som trosset klassifisering på grunn av sine unike former, men som likevel beholdt de arketypiske art deco-karakteristikkene i arbeidet sitt. Denne gruppen inkluderer Pierre Legrain og Eugene Printz .

Skap av Pierre Legrain , 1919, palisander, shagreen, jade, horn, plataninteriør, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

De 6 mest populære typene art deco-stykker

1. Art Deco-bord var skarpe geometriske i profil og lette i utseende. Bena var vertikale eller spredte og noen ganger utskåret. Friser var brede og dekorerte. Mange hadde marmorplater. Konsollbord hadde noen ganger rikt bearbeidede støpejernsben og friser. Lave bord var på moten. Spisebord ble laget med en enkelt massiv sentral søyle i stedet for ben.

Sokkelbord av Eileen Gray , malt tre, rørformet metall, 1925-1929, via Museum of Decorative Arts, Paris

2. Art deco skrivebord hadde en tendens til å være store uten båre. Topper ble ofte dekket med en type lær. Friser ble finert. Låseplater og håndtak var av kobber, sølv eller bronse.

Managers kontor ved Michel Roux-Spitz , Skrivebord: Duco-lakkert tre, marokkansk skinn, lakkert messing, hvitt lerret, 1930, via Musée des Arts Décoratifs, Paris

3. Art deco-garderober (garderober) var rikt dekorert og ofte basert på Louis XVI eller restaureringsmodeller. De hadde store pedimenter beriket med marquetry, forgylt bronse eller sølv. Dørpanelene var ofte kledd i skinn eller dekorert i tre eller elfenbensintarsia. Den øvre halvdelen av interiøret vil bli okkupert av hyller og skuffer, den nedre delen med store skuffer, og de indre overflatene av dørene utstyrt med speil.

Par garderober , pergament av geiteskinn, eik, messing, fransk, ca. 1930, via Sotheby's

4. Art Deco psykespeil ofte doblet som en kommode og ofte vist et høyt ovalt speil innrammet i samme tre som resten av stykket. Brikkene hadde regelmessig to lave, små kommoder som støttet en sentral hylle. Bena var korte, rette og koniske. Utsmykningen var diskret.

Hestespeil (psyke) i smijern , c. 1930, via Christie's

5. Art Deco senger hadde vanligvis endebrett med ulik høyde, som var avrundet eller rullet utover. Lister ble ikke brukt. Mange senger ble faktisk konstruert på stedet og bygget inn i hjemmet.

Jeanne Lanvins soverom av Armand Albert Rateau , malt tre og silke, 1925, via Musée des Arts Décoratifs, Paris; med Litt Soleil seng av Émile-Jacques Ruhlmann , Macassar ibenholt, designet 1923, utført 1930, via Sotheby's

6. Cocktailskapet er et møbel som først ble opprettet i Art Deco-perioden, konstruert for å inneholde førsteklasses brennevin, ingredienser, glassvarer og blandeverktøy. På begynnelsen av 1900-tallet ble mange av de elskede cocktailene vi drikker i dag oppfunnet i Paris. Disse inkluderte Sidecar, Mimosa, French 75 og Rose. Eksklusive etablissementer i Paris som Ritz, Harry's New York Bar og Chatham trakk til seg rike og kultiverte folkemengder. Cocktailskapet la vekt på epokens forfining da det gjorde det mulig for den kultiverte personen å gi gjestene den luksuriøse opplevelsen av å spise ute i sitt eget hjem.

Demi-lune cocktailskap , c. 1930, via Christie's; med Cocktailskap , skinndekket tre og lakkert interiør, ca. 1930, via Christie's

Franske Art Deco-møbler: Et symbol på modernitet

Chariot Chest av Emile-Jacques Ruhlmann , ibenholt av Macassar , amaranth, innlegg av elfenben, 1922, via Museum of the Thirty Years, Boulogne-Billancourt, Paris

Art Deco anses å være den siste flotte stilen og den første av demoderne kunstbevegelser. Art Deco-bevegelsen gjennomsyret enhver kreativ disiplin og uttrykk; det ble raskt omfavnet av kunstnere og designere fra hele verden.

Børskrakket i 1929 og den påfølgende verdensøkonomiske krisen resulterte i at Art Deco ble tilsynelatende foreldet og gratis. Utryddelsen av rikdom forårsaket av den store depresjonen slettet mye av elitens evne til å kjøpe så dyre møbler.

På grunn av dette begynte Art Deco-møbler å bli masseprodusert. Kritikere utfordret at masseproduksjon og kvalitet ikke var gjensidig utelukkende og begynte å referere til deler av denne perioden som vulgær Deco.

Uansett sørget den enorme kommersielle suksessen til Art Deco-møbler for at designere og produsenter over hele Europa ville fortsette å promotere stilen langt inn på 1930-tallet. Kontrollerte, avrundede linjer kjennetegner tidlig art deco, men utseendet ble slankere, slankere og mindre dekorert over tid. Møbeldesign ble nøktere, og materialer av dårligere kvalitet ble brukt.

Senere ble Art Deco kjent som Moderne, og det var dette utseendet, sammen med den internasjonale stilen som slo rot i Tysklands Bauhaus skole , som utviklet seg til det vi nå kaller Modern design.