Echoes of Religion and Mythology: Trail Of Divinity In Modern Music

Musikk representerer i seg selv en form for religiøs praksis for et stort flertall av mennesker. Mange anerkjente musikere projiserer elementene av religiøse referanser og bilder mellom linjene i tekstene deres. Noen av dem bruker musikken sin som en modus for å fremkalle eller utfordre gudene. I moderne musikk finner mange artister også inspirasjon blant arven til gammel mytologi, folkeeventyr og mystikk. Man kan hevde at det er lett å se båndet mellom mytiske tragedier og musikalsk uttrykk. Dette kraftige båndet gjenspeiles ofte i opusene til mange fremtredende musikere. Ved å bruke sitt musikalske språk kan de skildre noe uforklarlig og gudelignende.

1. Historien om Orfeus i moderne musikk

Orfeus og Eurydike av Marcantonio Raimondi , ca. 1500–1506, via The Metropolitan Museum of Art, New York

Et gresk ordtak lyder: Mens Hermes oppfant lyren, perfeksjonerte Orfeus den.

Myten om Orfeus forteller en historie om en musiker så talentfull at han var i stand til å sjarmere alle de ville dyrene og til og med bringe trærne og steinene til dans. Etter å ha giftet seg med sin kjærlighet, Eurydice, fikk de glade salmene han spilte for henne markene under dem til å svaie med i rytme.

Da kjæresten hans falt over en tragisk skjebne, dro han for å gjennomsøke underverdenen for å hente sin elskede. En myte ble skapt om denne historien som også kan sees i nåtiden i moderne musikk.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Orfeus ble født til Apollo , gud for musikk og poesi, og musen Calliope. Apollo lærte ham å spille lyre så vakkert at han kunne sjarmere alle ting på jorden med kraften til instrumentet sitt.

Tragedien begynner med Eurydices død. Da Orfeus fant hennes livløse kropp, formet han all sin sorg til en sang som brakte til tårer til og med gudene over ham. Og så sendte de ham ned til underverdenens riker, slik at han kunne prøve å forhandle med Persephone og Hades for Eurydices liv.

Orfeus og Eurydike av Agostino Carracci , ca. 1590–95, via The Metropolitan Museum of Art, New York

På vei ned sjarmerte han med sin lyre alle de hensynsløse dyrene som sto på hans vei. Da Hades og Persephone så storheten av smerten hans, ga de ham et tilbud. Han fikk lede henne fra underverdenen, på én betingelse. Hun måtte følge etter ham hele veien, og han måtte ikke snu seg for å se henne. Hvis han våget å se tilbake, ville hun være fortapt for alltid midt i underverdenens intethet. De kom nesten til slutten da Orfeus i et øyeblikk av svakhet snudde seg tilbake for å se på Eurydike. Hun falt i det øyeblikket og var fortapt for alltid, dømt til å tilbringe evigheten sin i underverdenen.

Mange musikere innen moderne musikk finner fortsatt en del av seg selv i Orfeus og hans skjebne. Nick Cave er intet unntak. Han vrir berømt på dette gresk tragedie i sangen hans Lyren til Orfeus . Sangen kom ut i 2004, og viser Caves mørke og satiriske syn på myte . I sin tolkning finner Orfeus opp lyren av kjedsomhet, bare ved en tilfeldighet snublet over oppfinnsomhet.

Nick Cave av Ashley Mackevicius , 1973 (trykt 1991), via National Portrait Gallery, Canberra

Man kan hevde at Cave synger om den kreative prosessen generelt og potensialet til sårbarheter som følger med. Han tar opp faren i kraften ved å sjarmere mennesker med musikk og kunstneriske uttrykk. I sangen tar Orpheus denne kraften for langt, og vekker guden over, som deretter tar ham ned til helvete. Der møter han sin kjærlighet, Eurydice, og forlater musikken sin til fordel for familielivet, og dømmer seg selv til sin personlige versjon av helvete.

Denne lyrelærken er for fuglene, sa Orfeus,

Det er nok å sende deg flaggermus.

La oss bli her nede,

Eurydice, kjære,

vi vil ha en gjeng med skrikende unger.

Hvor ironisk og dyster det enn høres ut, her trakk Cave den sterkeste parallellen mellom ham og Orpheus, og underliggende at enhver musiker bærer et fragment av myten i seg.

2. Rhiannon: En walisisk gudinne som tar over Stevie Nicks

Stevie Nicks av Neal Preston , CA 1981, via Morrison Hotel Gallery, New York

Det er et manuskript fra 1300-tallet i biblioteket ved Oxford University kalt Den røde boken til Hergest , som inneholder en rekke walisiske dikt og prosastykker. Blant disse skriftene inkluderer vi også Mabinogion, den eldste kjente samlingen av walisisk prosa, myter og eventyr. En av de mest bemerkelsesverdige og fengslende figurene som er nevnt gjennom denne eldgamle teksten, er en gudinne ved navn Rhiannon.

Da Stevie Nicks skrev den kjente Fleetwood Mac-hiten, Rhiannon, hadde hun aldri tidligere hørt om Mabinogion. Hun ble kjent med karakteren Rhiannon mens hun leste romanen kalt Triade , skrevet av Mary Leader. Romanen forteller en historie om en moderne walisisk kvinne, besatt av sitt alter-ego kalt Rhiannon.

Hennes forundring over navnet inspirerte Nicks til å skrive en sang som beskrev hennes visualisering av Rhiannon. Interessant nok falt Stevies versjon av karakteren mer i tråd med mytologien bak gudinnen fra Mabinogions bok. I den eldgamle teksten beskrives Rhiannon som en fantastisk og magisk kvinne som stikker av fra sitt utilfredsstillende ekteskap inn i armene til en walisisk prins.

Fleetwood Mac av Norman Seeff , CA 1978, via Morrison Hotel Gallery, New York

Nicks Rhiannon er like vill og fri, en legemliggjøring av all musikken betydde for henne personlig. Viktig er også elementet av syngende fugler som for Stevie representerer frihet fra livets smerter og kvaler. I den skriver hun:

Hun styrer livet sitt som en fugl på flukt

Og hvem skal være kjæresten hennes?

Hele livet har du aldri sett

Kvinne tatt av vinden

Denne legenden om Rhiannon handler om sangen til fuglene som tar bort smerten og lindrer lidelse. Det er det musikk er for meg.- ( Stevie Nicks , 1980)

Fuglene kan også bli funnet mellom linjene i den walisiske myten. Gudinnen har tre fugler ved siden av seg som vekker de døde på hennes kommando og legger de levende i søvn.

Etter å ha skrevet sangen, fant Nicks ut om myten og de skumle likhetene mellom de to versjonene av Rhiannon. Snart begynte hun å kanalisere den magien inn i liveframføringene av sangen. På scenen var Stevie mektig, betagende og gåtefull, tilsynelatende beleiret av gudinnens utemmede ånd. Ved å bruke innflytelsen fra hennes musikalske uttrykk, klarte Stevie Nicks å hente den eldgamle kraften til Rhiannon inn i den moderne musikkverdenen.

3. God And Love: The Unbaffled Cohen som komponerer Hallelujah

David gir Uria et brev for Joab av Pieter Lastman , 1619, via The Leiden Collection

På hebraisk snakker Halleluja om å glede seg over lovprisningen av Gud. Ordet dukker først opp i King Davids Salmer, som utgjør en serie på 150 komposisjoner. Kjent som musiker, snublet han over en akkord som kan bære kraften til Hallelujah. Spørsmålet er, hva er egentlig Halleluja?

Cohens Halleluja står tidens tann som hans mest kjente kjærlighetssang, til og med utropt av mange som en av de vakreste og mest ærlige kjærlighetssangene i moderne musikks historie. Det skiller seg absolutt ut som den mest åpenbare blandingen av kjærlighet og religion i karrieren hans. Hans musikalske opus er overfylt av religiøse referanser, men ingen sang kan virkelig måle seg med ånden og budskapet i Halleluja .

I selve kjernen av sangen tilbyr Cohen sin tolkning av det hebraiske uttrykket. Mange forblir i konstant jakt etter den sanne betydningen av ordet og hva det virkelig representerer. Her trer Cohen inn og prøver å forklare betydningen denne setningen har for ham. Men det hele faller hardt og tungt gjennom teksten til denne bitre klagesangen. Han snakker til kjæresten sin og alle de som leter etter den hemmelige akkorden. Oppløsningen er innenfor, og meningen finnes et sted langt utenfor musikk og ord.

Samson av Valentin de Boulogne , ca. 1630, via The Cleveland Museum of Art

Han bruker en referanse til Kong David og Batseba, samt Samson og Delila. Blant ordene sammenligner han seg selv med David gjennom handlingen med å forfølge en kvinne som han ikke kan ha.

Troen din var sterk, men du trengte bevis

Du så henne bade på taket

Hennes skjønnhet og måneskinnet veltet deg

Etter å ha sett Batseba Da han badet, sendte David mannen sin ut i krig i håp om hans død. På den måten ville Batseba tilhøre ham.

Cohen trakk også paralleller mellom ham og Samson , en annen bibelsk figur. I denne metaforen bringer han oppmerksomheten til den uunngåelige sårbarheten som følger med kjærlighet. Samson blir forrådt av Delila, kvinnen han elsker og som han ofret alt for. I sin kjærlighet til henne forteller han henne om kilden til styrken hans - håret hans. Hun klipper så av håret mens han sover.

Hun bandt deg

Til en kjøkkenstol

Hun knuste tronen din, og hun klippet håret ditt

Og fra leppene dine tegnet hun Halleluja

Cohen synger hvordan Delilah brøt tronen hans. Samson var ikke en konge; derfor symboliserer tronen hans følelse av egenverd. Hun knuste ham til han ikke hadde noe igjen, og først i det øyeblikket kunne han gripe den reneste form av Halleluja.

Portrett av Leonard Cohen , via MAC Montreal Exhibition

Begge historiene snakker om menn ødelagt av kjærlighet, og Cohen skildrer seg selv direkte inn i det konseptet. Ved å tilpasse disse historiene fra Det gamle testamente gjenoppliver han en kraftfull innsikt fra en bibelsk fortelling i moderne musikk.

Og selv om

Det hele gikk galt

Jeg vil stå foran sangens Herre

Med ingenting annet enn Halleluja på tungen

Her forkynner han at han er villig til å prøve igjen. Cohen nekter å gi opp, og holder troen i ro, både i kjærlighet og Gud selv. For ham er det uviktig om det er en hellig eller en ødelagt Halleluja. Han vet at han vil møte begge, gang på gang.

4. Slutten på en æra i moderne musikk

Adam og Eva av Albrecht Dürer , 1504, via The Metropolitan Museum of Art, New York

En eldgammel tro sier at svaner, når de står overfor dødens nærhet, synger den vakreste sangen etter et helt liv med stillhet. Fra dette ble en metafor av svanesangen til, som definerer en siste uttrykkshandling rett før døden. I 2016, noen måneder før hans død, sang David Bowie, en moderne musikkkameleon, ut sin hjemsøkende svanesang med utgivelsen av albumet hans Svart stjerne .

I et album som er utbredt med eksperimentell jazz, kombinerer Bowie minneverdig frykten fra svunne tider med moderne musikk. Han er veldig klar over at hans død er nær, og aksepterer at den er uunngåelig. Han vet at denne gangen er skjebnen hans ute av hendene hans. I videoen for Svart stjerne , har han bind for øynene med bandasjer, noe som hentyder til det faktum at historisk sett bæres bind for øynene av de som står overfor henrettelse.

I villaen Ormen

I villaen Ormen

Står et enslig stearinlys

I sentrum av det hele

David Bowie av Lord Snowdon , 1978, via National Portrait Gallery, London

På svensk står ordet Ormen for en slange. I Kristen teologi, en slange frister Eva til å spise fra Kunnskapens tre . Denne handlingen fører til menneskehetens fall, med Gud som forviser Adam og Eva fra paradisets evighet til dødelighet.

Bowie har aldri vært religiøs, og det endret seg ikke med Svart stjerne . Ordene han etterlot seg kan leses som hans utforskning av begrepet dødelighet på en måte som er sett i religion. Han bruker også Kristus-lignende bilder gjennom hele sangen og videoen.

Noe skjedde den dagen han døde

Spirit reiste seg en meter og gikk til side

Noen andre tok plassen hans og gråt tappert

Jeg er en Blackstar

Bowie utfører en optimistisk siste handling ved å omfavne hans dødelighet og finne frelse ved å vite at etter hans død kommer en annen stor artist. Nok en strålende Blackstar. Hans gjenfødelse kommer i form av å påvirke og inspirere andre, fullt bevisst og fornøyd, med det faktum at hans udødelighet forblir gjennom hans uforlignelige arv.