4 tekstbaserte kunstnere som kritiserer kunstverdenen

Mange samtidskunstnere har begynt å lage tekstbasert kunst med samme revolusjonære ånd som kunstnerne på 1900-tallet, og kommenterer presserende spørsmål om vår virkelighet. Ta en titt på noen av verkene til fire samtidskunstnere som gjør tekst til kunst: Juan Uribe har et veldig direkte vokabular, Wayne White tar billige landskapsreproduksjoner til et nytt nivå, CB Hoyo har laget en enorm Fakes-samling, og David Shrigley kombinerer budskapene hans med falske naive malerier og tegninger.

Før Juan Uribe & Co: The Origins of Text-Based Art

Uten tittel av Barbara Kruger , 1985, via Museum of Modern Art, New York

Tekstbasert kunst har offisielt eksistert siden 1950-tallet. Det fremsto som en reaksjon mot høykulturen betegnet med Abstrakt ekspresjonisme . Kunstnere som f.eks Jackson Pollock , Mark Rothko, Willem de Kooning og Clifford fortsatt ønsket å komme tilbake til det grunnleggende, til den rene handlingen å skape kunst uten noen symbolikk knyttet til det. Det var slik New York School ble født. Men ikke alle kunstnere var komfortable med å redusere kunsten til dens teknikker, dens teori, så noen nye bevegelser ble født av dette. Willem de Kooning skiftet side da han ble en av pionerene innen konseptuell kunst. Andre gikk sammen med å gi en direkte, slett ikke skjult mening til kunsten deres og skapte derfor tekstbasert kunst eller ordkunst. Noen tekstbaserte kunstverk ble kjent over hele verden, som f.eks Barbara Kruger Jeg handler derfor er jeg og Robert Indianas LOVE-skulptur.

Wayne White og Word Art

Høy av Wayne White , via Wayne Whites nettsted

På Wayne Whites personlige nettside begynner delen Word Paintings med et sitat som ser ut til å omfatte Whites tilnærming til tekstbasert kunst: Jeg tok en billig ferie fra kunstverdenen landskap reproduksjoner. Det er ingen der inne. har ikke vært på årevis. Bare hopp inn som barna i Mary Poppins. Bygg gigantiske bokstaver som sier akkurat det du vil si. Og du kan gjøre det på alle måter. Wayne White ble født i 1956 i Chattanooga, Tennessee, USA, og jobbet en stor del av livet sitt som scenograf og tegneserieskaper.

I likhet med Juan Uribe bruker også Wayne White ironi som et lett motiv for sin tekstbaserte kunst. Fra et teknisk synspunkt maler han faktisk ikke landskapene selv, men kjøper dem fra markeder eller bruktbutikker og legger deretter sine signatur 3D-ord over. Ordene er laget av store, tykke bokstaver i WordArt-estetikk, i varme, pastell toner av rosa, lilla, oransje eller blått.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Skjønnhet er pinlig av Wayne White , 2012, via nettstedet moma.co.uk

Det mest interessante med Wayne Whites tekstbaserte kunst er at ironien til kunstverdenen ikke kommer fra betydningen av ordene som er pålagt lerretene, men fra selve teknikken. Han konverterer maleriene til gjenstander , ettersom maleriet blir et tomt lerret for Wayne White. Han lar det originale landskapets kunstnersignatur avdekkes, og eier bevilgningen. Teksten til landskapet har også en ironisk note, men den kommer ikke som en protest mot kunstverdenen, men snarere til verden selv, og fremhever spørsmål som skjønnhetsstandarder, narkotika, penger og så videre. Ironisk nok sirkler disse billige landskapene som White vendte seg tilbake til Juan Uribes kritikk av kunstverdenens kostbare, og snakker om hva massekunst har blitt og får oss til å stille spørsmål ved et alternativt system av kunstverdenen.

C.B. Hole

Smidd Magritte av CB Hoyo , 2020 , via CB Hoyos nettsted

CB Hoyo er født i 1995 og er den yngste av artistene som er inkludert i artikkelen. Han er en selvlært cubansk kunstner, som bor og arbeider i Europa. Han er også veldig aktiv på sosiale medier, og starter samtaler med sine følgere om kunst, om problemene han tar opp, om veldig vanskelige og personlige emner. Hoyo jobber med ulike medier fra maleri til skulptur og installasjon. Men uansett medium er kunsten hans tekstbasert. I motsetning til Juan Uribe eller Wayne White, som henvender seg til ferdiglaget lerreter, når det kommer til hans kritikk mot kunstverdenen, maler CB Hoyo lerretene fra bunnen av. Dette betyr at han lager 1:1 forfalskninger av kjente malerier som han deretter skriver over med forskjellige meldinger.

Kunsthandleren fortalte meg at denne falske Rothko ville få meg til å føle meg rik av CB Hoyo , 2017, via nettstedet til CB Hoyo

Kunsthandleren fortalte meg at denne falske Rothko ville få meg til å føle meg rik (2017) er et perfekt eksempel på CB Hoyos stil i å protestere mot kunstverdenens lukkede kretsløp og vedtektene som kunsten gir sine samlere. Kunstneren sporer på en eller annen måte en linje mellom kunstsamlere og mennesker, og kommenterer ironisk nok hvordan alt ville falle på plass i det øyeblikket du eier et prestisjefylt kunstverk. Som, for å være ærlig, ikke er løgn. Han trekker frem det faktum at kunstmarkedet dreier seg om samlerpenger og å eie et kunstverk fra en anerkjent kunstner, spesielt Gamle mestere ellerModerne kunst, gir deg sosial kraft. Han sirkler på en eller annen måte tilbake til den opprinnelige reaksjonen fra tekstbasert kunst på Abstrakt kunst (for eksempel i hans Mark Rothko forfalskninger), noe som gir den en moderne vri. Men utover Hoyos budskap, ser man på hele bildet, er kunsten hans kompleks og direkte. Han viser flott teknikk samtidig som han holder verkene lette og lettfordøyelige. Selvfølgelig er dette kanskje ikke alles kopp te.

David Shrigley

Uten navn av David Shrigley , 2014, via The Guardian

David Shrigley ble født i 1978 i Storbritannia og bor og jobber nå i Brighton. Selv om han har eksperimentert med fotografi, trykking og skulptur, fortsetter hovedmediet å være maleri. Med en barnlig tilnærming kommenterer ikke Shrigley kunstverdenens økonomiske og sosiale status, men snakker om kunstneren fra en kunstners synspunkt og deretter fra en besøkendes.

I verk som Uten navn (2014) utfordrer han kunstnerens ansvar utenfor atelieret deres, og understreker det faktum at besøkende vil ta hensyn til det utsatte problemet, og at det mest sannsynlig vil oppstå noen debatter. Det er opp til kunstneren, foreslår Shrigley, at han tar samfunnsansvar for arbeidet som har blitt vist. Hans synspunkt er gyldig, noe de fleste som stadig er i kontakt med kunstverdenen vil bekrefte. Når alt og alt kan være kunst, når blir vi kritiske? Når trekker vi linjen?

Hvorfor vi fikk sekken fra museet av David Shrigley , via David Shrigleys nettsted

Hvorfor vi fikk sekken fra museet viser hvor langt David Shrigley kan gå med satire. Shrigley viser sin satiriske tilnærming til rollen som en kunstner, arbeidet de gjør, arbeidet de forventes å gjøre, og mest av alt, til det publikum setter pris på i dag. Sammenlignet med hans nyere arbeider, som nærmer seg daglige hendelser og enkle tanker, har verk som dette en mer tegneserieaktig estetikk. Bruken av ordkunst her ser ut som noe som kom ut av en tegneserie. Shrigleys verk finner imidlertid veien til et bredt publikum - derav Uribes sarkastiske verk Jeg har sverget på at jeg aldri har sett Shrigleys verk . Endelig klarer artistene å få igjennom budskapet sitt.

John Uribe

Kunst imiterer alltid tidligere kjent kunst av John Uribe , 2015 – 2016, via SGR Galeria, Bogota

John Uribe sin kunst føles snarere som en skjenn, spesielt hvis du er en del av kunstverdenen, enten som kunstner, gallerist eller konstant besøkende. Vi vet kanskje at disse problemene med kunstverdenen er der, men vi blir sjelden skapt til å møte dem på denne måten. Juan Uribe ble født i 1985 i Bogota, Columbia, hvor han fortsatt bor og jobber i dag. Han nærmer seg kunstverdenspørsmål fra et latinamerikansk ståsted, eller skal vi si, fra utenfor den vestlige kunstboblen. De fleste av hans tekstbasert kunst er både en påskjønnelse og en bevilgning. Juan Uribe har respekt for kunstnerne som ble kjent og deres kunst, men samtidig har han en veldig sterk posisjon mot måten gallerier har brukt det samme rigide systemet på de siste tiårene.

Jeg gikk ned på høykultur av John Uribe , 2015-2016, via SGR Galeria, Bogota

Jeg gikk ned på høykultur er en del av en serie mellom 2015-2016 der kunstneren valgte å eksponere kunstverdenen, gjennom korte, direkte budskap malt på papir. Alle disse kunstverkene bruker ironi som grunnlag. Juan Uribe prøver stadig å få frem det faktum at selv om kunst har blitt veldig dyr, eller som han kaller det umulig å kjøpe, tjener kunstnere fortsatt mindre penger enn de andre involverte. I andre verk plasserer han kunst på toppen av Maslows behovspyramide, og kommenterer hvordan eksponering av og for kultur og kunst i seg selv bør prioriteres, men kontekst, lukkede kretsløp og penger har gjort det til et dyrt innfall. Juan Uribe nekter å akseptere kunstverdenen vi lever i, selv om han ikke er i stand til å endre den, øker han i stedet bevisstheten om dens problemer.