Wiener visjonær: Gustav Klimts liv og kunst

Gustav Klimts opus markerte overgangen fra historisme til Jugendstil, og formet begynnelsen på moderne kunst i Wien. Hans malerier gir en visjon av verden i overflod og fritid. I allegorier, portretter, landskap og erotiske figurer fokuserer han på skjønnhet fremfor alt annet, og utelater direkte referanser til eksterne hendelser. Klimt bygde sin bruk av farger og mønster på påvirkninger fra japansk kunst, kunsten i det gamle Egypt og bysantinsk Ravenna.

Det flate, todimensjonale perspektivet til maleriene hans og den stiliserte kvaliteten på maleriets dype sensualitet frontes av kvinnens figur. Foruten hans kunstneriske karriere, er nesten ingenting konkret kjent om Gustav Klimts personlige liv. Representert for det meste av rykter som en damemann, hypokonder og en ungkar med en balansert livsstil, er mannen bak kunsten fortsatt noe av et mysterium.

Det tidlige livet til Gustav Klimt

Gustav Klimt ble født 14. juli 1862, som det andre av syv barn av Ernst, en gullgraver, og Anna Klimt i Wiens forsteder. Etter å ha uteksaminert seg fra en moderne grunnskole og videregående skole, ble Gustav tatt opp på School of Arts and Crafts ved Imperial Royal Museum of Art and Industry (University of Applied Arts i Wien) i 1876 i en ung alder av 14.

Gustav fikk snart selskap av sine brødre i School of Arts and Crafts og begynte å motta sine første oppdrag. Dette inkluderte arbeidet med den festlige prosesjonen designet av «prinsmaleren» Hans Makart på bryllupsdagen til keiser Franz Joseph I og keiserinne Elizabeth i 1879.

Klimt-brødrene grunnla sammen med Franz Matsch et studiokollektiv, som ble kjent som kunstnerselskap (Artists’ Organization in English) i 1883. Deres første felles oppdrag var arbeidet for det wienske arkitektkontoret Fellner & Helmer og takmaleriene til salongen til Hermesvilla av keiserinne Elizabeth i 1885.

I motsetning til sin senere kunst, som han er bedre kjent for, utdannet Klimt seg til en maler av den klassiske tradisjonen. Som kunstner med akademisk utdannelse hadde Klimt blitt valgt av det velstående liberale borgerskapet som dekoratør av deres prestisjebygg. Inspirert av en ny tilnærming til virkeligheten vendte han seg snart bort fra den kunstneriske historisismens idealer og normer, både formelt og innholdsmessig.

Etablering av løsrivelsen i Wien

På midten av 1890-tallet dannet en ung generasjon ambisiøse kunstnere en gruppe innenfor Künstlerhaus (et utstillingssted for etablerte kunstnere, i likhet med Paris-salongen ). Den sto opp mot konservativisme, og tok til orde for å åpne utstillingsrom for moderne og internasjonale bevegelser. I 1897 proklamerte de opprørske kunstnerne, inkludert Koloman Moser, Carl Moll og Alfred Roller, deres splittelse fra Künstlerhaus. Under presidentskapet til Klimt grunnla de Union of Austrian Artists Vienna Secession , som har til hensikt å utdanne samfunnet gjennom fremtidsorienterte kunstneriske konsepter og tilføre livet med kunst.

Sesessionen viste seg å være en stor suksess fra begynnelsen. I 1898 holdt den både sin første og andre utstilling. Samme år fikk Secession eget utstillingslokale med oppføringen av Secession-bygget tegnet av Joseph Maria Olbrich . Mottoet skrevet over inngangen, ' Til enhver tid dens kunst, til kunsten dens frihet ', står den dag i dag for gruppens radikalt liberale tilnærming. De definerende trekk ved den nye bevegelsen var å hevde sitt brudd med den offisielle akademiske tradisjonen og snakke sannheten om det moderne mennesket. For Gustav Klimt som kunstner betydde dette tapet av hans status som en akseptert og etablert maler han bygget for seg selv gjennom årene. Når han flyttet bort fra den tradisjonelle begynnelsen, befant Klimt seg i en rekke kontroverser som ytterligere definerte karrieren hans.

Skandalene til Gustav Klimt

Sammen med Matsch fikk Gustav Klimt en provisjon for en serie med malerier for universitetet i Wien i 1898 og 1899. Som en del av arbeidet ble Klimt tildelt fagene filosofi, medisin og rettsvitenskap. Universitetet forventet en serie formelle malerier i en klassisk stil som ligner på Raphaels arbeid i Stanza della Segnatura . Det de faktisk fikk etter flere års arbeid forårsaket imidlertid en slik skandale at Klimt tilbakebetalte forskuddene han hadde fått og tok maleriene tilbake.

Et av maleriene, Filosofi , ble stilt ut i Paris på verdensutstillingen i 1900 og vant en gullmedalje, som viser forskjellen mellom franske og østerrikske kunstnerkretser. Det andre maleriet i serien, Medisin , forårsaket enda mer kontrovers. De kvinnelige figurene i maleriet representerte en fullstendig avvik fra den tradisjonelle akademiske stilen fra 1800-tallet. Klimts kvinner er langhårede og slanke, har en seksuell bevissthet som er både forlokkende og nesten truende i sin direktehet. Fakultetets malerier sørget for at Gustav Klimt mistet beskyttelsen av keiseren og andre etableringsfigurer. Heldigvis for ham kunne han skaffe seg et komfortabelt levebrød ved å male portretter i stedet.

Secessions 14. utstilling i 1902 førte til nok en skandale. Denne gangen bidro Klimt med en frise dedikert til arbeidet med Ludwig van Beethoven ment å bli utstilt i Secession-bygningen. Tre allegoriske figurer av misunnelse, luksus og overskudd ble designet for å okkupere en del av den sentrale veggen i rommet der Max Klingers statue av Beethoven skulle også stilles ut. I figuren til Misunne , bruker Klimt kvinnens hår både for å skjule kjønnet sitt og for å trekke oppmerksomhet til det. Overskudd ligner ikke så mye på en kvinne, men en tyrkisk pasha, med brystet utvidet til å danne kvinnelige bryster. Det konservative wienersamfunnet ble nok en gang dypt sjokkert over disse bildene.

Klimts gyldne fase

Gustav Klimts Beethoven-frise viser at han allerede i 1902 brukte noen elementer som var karakteristiske for hans «gyldne fase». Klimts gyldne fase er representert av verkene han er mest kjent for i dag, inkludert Kysset , Judith og sjefen for Holofernes , samt portrettene av Adele Bloch-Bauer , Danae , og mange flere. Bruken av metalliske geometriske elementer markerte den offisielle begynnelsen på Klimts 'gyldne fase', som nådde et klimaks fem år senere med hans første portrett av Adele Bloch-Bauer.

I 1903, mens han var på tur til Ravenna, ble Klimt sterkt imponert over de tidlige kristne mosaikkene i kirkene i Ravenna . Resultatene av den interessen ble sett i hans egen bruk av collage-lignende mønstre av gull og sølv ornamenter påført overflaten av lerretet. Klimts stil ble en kombinasjon av naturlige elementer med store områder med abstrakt geometrisk ornament.

Et av de første verkene der Klimt brukte ekte bladgull, er maleriet av Judith i 1901. Heltinnen til jødiske folk bærer en choker i gull og belte innebygd med edelstener. Gull er også brukt i bakgrunnen, med motiver av trær og vinranker.

Toppen av Klimts gyldne fase var først Portrett av Adele Bloch-Bauer , ferdig i 1907. Individuelle dekorative motiver Klimt brukt i overflod viser mangfoldet av stilistiske påvirkninger. Adeles kjole og lenestol minner om gullmosaikkene til Ravenna, øye- og trekantmotiver på kjolen hennes kommer fra egyptiske gullsmykker, og delikate spiraler fra gammel mykensk kunst . Bakgrunnen er laget av bittesmå flak som ligner på østasiatiske foldeskjermer og lakkbiter.

Forlater Wien-løsrivelsen

I 1905 førte interne konflikter og ulike mål for løsrivelsesmedlemmer som hadde kokt i årevis til slutt til en rift mellom kunstnerne. En gruppe løsrivelsesmedlemmer kjent som «stylister», som Klimt tilhørte, delte seg fra de kjent som «realister». Årsaken til splittelsen var verken estetisk eller stilistisk, som navnene kanskje antyder, men det skyldtes Klimt selv. Den såkalte 'Klimt Group' (artister som forlot gruppen med Klimt) inkluderte de mest anerkjente og internasjonalt anerkjente Secession-medlemmene som dro for å forfølge sine egne kunstneriske ideer.

Klimt-gruppen, som opererer uavhengig av løsrivelsen, arrangerte en av de viktigste utstillingene på begynnelsen av 1900-tallet, 1908 kunstutstilling . I sin åpningstale som gruppeleder understreket Gustav Klimt viktigheten av brukskunst, og understreket at det ikke var noen forskjell mellom 'høy' visuell og 'lav' brukskunst. Utstillingen inneholdt 16 verk av Klimt sentrert rundt maleriet Kysset , senere anskaffet av utdanningsdepartementet for Moderne Galerie (dagens Österreichische Galerie Belvedere). Oskar Kokoschka , en annen viktig moderne kunstner, hadde sin utstillingsdebut på Kunstschau og viet sin Drømmeguttene til Klimt.

Senere år og død

På begynnelsen av 1910-tallet fortsatte Gustav Klimt sin internasjonale suksess, med sitt allegoriske maleri Døden og livet vant førsteprisen på den internasjonale utstillingen i Roma i 1911. I likhet med hans kunstneriske samtidige hadde duellen mellom liv og død alltid inspirert Klimts kunst. En av de klare påvirkningene på Klimts maleri kom fra den unge ekspresjonisten Egon Schiele , som var Klimts protesjé. Schieles malerier og tegninger uttrykte ofte indre angst, typisk for ekspresjonisme. I motsetning til den unge ekspresjonistens verk, virker Klimts maleri av døden mer trøstende og håpefullt, mens mennesker ser bort fra dens truende figur.

I 1918, den store krigen tok slutt, og førte med seg fallet av det østerriksk-ungarske monarkiet og dets keiserlige hovedstad Wien . På det politiske plan ble hele Østerrike knust, men dets kunstneriske kretser led også betydelige tap. Sammen med Egon Schiele, Koloman Moser, arkitekt Otto Wagner og mange andre ble Klimt revet med av den samme dødsbølgen.

Den 11. januar 1918 fikk Gustav Klimt et slag i leiligheten sin og ble lam på den ene siden. Mindre enn en måned senere, den 6. februar, på Wiens generelle sykehus, døde Klimt av konsekvensene av hjerneslaget og lungebetennelsen. Som en reaksjon på Klimts død skriver Berta Zuckerkandl, en wiensk kunstkritiker: '... selv i disse tider som er vant til døden, gjennomborer Klimts bortgang våre sjeler som noe uforståelig, som et brudd på en fantastisk gave tildelt menneskeheten.'

Gustav Klimts arv

Etter hans død ble Klimts meritter som kunstner fortsatt diskutert i Wien. Han ble beundret av de yngre wienermalerne Egon Schiele og Oskar Kokoschka, og selv om Klimt absolutt inspirerte kunsten deres, hadde han aldri noen sanne tilhengere. Mens Klimt tilhørte en overgangsperiode i kunsten, representerte Schiele og Kokoschka begynnelsen av ekspresjonismen.

Klimt selv beundret Rodin og Whistler uten å kopiere dem eller deres kunststil, så han hadde heller ingen sikre forgjengere. Den eneste uttalelsen han kom med om seg selv og kunsten sin var: «Jeg er sikker på at det ikke er noe eksepsjonelt med meg som person. Jeg er rett og slett en maler som maler hver dag fra morgen til kveld.»

I dag, mer enn et århundre etter hans død, huskes Gustav Klimt som en av tidenes mest fremragende moderne kunstnere. Han etterlot seg et stort arbeid, inkludert rundt fire tusen tegninger og mange malerier . Selv om Klimt aldri forlot realismens rike, dannet hans overdådige bruk av mønstre og ornamentikk en bro til abstraksjon typisk for moderne kunst.