5 moderne svarte artister du bør kjenne

President Barack Obama av Kehinde Wiley , 2018, via National Portrait Gallery, Washington, D.C. (til venstre); med Tar Beach #2 av Faith Ringgold , 1990-92, via National Building Museum, Washington, D.C. (til høyre)

Moderne kunst handler om å konfrontere kanonen, representere et mangfold av opplevelser og ideer, bruke nye typer medier og ryste opp i kunstverdenen slik vi kjenner den. Den speiler også det moderne samfunnet, og gir seerne en sjanse til å se tilbake på seg selv og verden de lever i. Samtidskunst lever av mangfold, åpen dialog og publikumsengasjement for å lykkes som en bevegelse som utfordrer moderne diskurs.

Svarte kunstnere og samtidskunst

Svarte kunstnere i Amerika har revolusjonert samtidskunstscenen ved å gå inn og redefinere de rom som for lenge har ekskludert dem. I dag konfronterer noen av disse kunstnerne aktivt historiske emner, andre representerer deres her-og-nå, og de fleste har overvunnet industribarrierer som hvite kunstnere ikke møter. Noen er akademisk utdannede malere, andre trekkes mot ikke-vestlige kunstformer, og atter andre trosser kategorisering totalt.

Fra en dynemaker til en neonskulptør, dette er bare fem av de utallige svarte kunstnerne i Amerika hvis arbeid viser innflytelsen og mangfoldet til svart samtidskunst.

1. Kehinde Wiley: Samtidskunstner inspirert av gamle mestere

Napoleon leder hæren over Alpene av Kehinde Wiley , 2005, via Brooklyn Museum

Mest kjent for å ha fått i oppdrag å male offisielt portrett av president Barack Obama , Kehinde Wiley er en New York City-basert maler hvis verk kombinerer estetikken og teknikkene fra tradisjonell vestlig kunsthistorie med den levde opplevelsen til svarte menn i det tjueførste århundres Amerika. Arbeidene hans skildrer svarte modeller han møter i byen og inkorporerer påvirkninger den gjennomsnittlige museumsbesøkende kanskje kjenner igjen, for eksempel de organiske tekstilmønstrene til William Morris Kunst- og håndverksbevegelsen eller de heroiske rytterportrettene av Nyklassisister som Jacques-Louis David .

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

Faktisk Wileys 2005 Napoleon leder hæren over Alpene er en direkte referanse til Davids ikoniske maleri Napoleon krysser Alpene ved Grand-Saint-Bernard (1800-01). Om denne typen portretter sa Wiley, Den spør: ‘Hva gjør disse gutta?’ De inntar stillingene som koloniherrer, de tidligere sjefene i den gamle verden. Wiley bruker kjent ikonografi for å gi sine samtidige svarte undersåtter den samme kraften og heltemoten som lenge ble gitt til hvite undersåtter innenfor veggene til vestlige institusjoner. Viktigere er at han er i stand til å gjøre dette uten å slette undersåttenes kulturelle identiteter.

Maleri handler om verden vi lever i, sa Wiley. Svarte menn lever i verden. Mitt valg er å inkludere dem.

2. Kara Walker: Svarthet og silhuetter

Opprør! (Våre verktøy var rudimentære, men vi presset på) av Kara Walker , 2000,via Solomon R. Guggenheim-museet, New York

Å vokse opp som en svart kunstner under skyggen av Georgias Stone Mountain, et ruvende monument over konføderasjonen, betydde at Kara Walker var ung da hun oppdaget hvordan fortid og nåtid er dypt sammenvevd – spesielt når det kommer til USAs dype røtter av rasisme og kvinnehat .

Walkers valgmedium er silhuetter av kuttet papir, ofte installert i storskala cycloramas. Jeg sporet konturene av profiler og jeg tenkte på fysiognomi, rasistiske vitenskaper, minstrelsy, skygge og den mørke siden av sjelen, sa Walker. Jeg tenkte, jeg har svart papir her.

Silhuetter og cycloramas ble begge popularisert i det 19thårhundre. Ved å bruke gammeldagse medier utforsker Walker sammenhengen mellom historiske redsler og samtidskriser. Denne effekten understrekes ytterligere av Walkers bruk av en tradisjonell skoleromsprojektor for å inkorporere betrakterens skygge i scenen så kanskje de ville bli involvert.

For Walker handler det å fortelle historier ikke bare om å formidle fakta og hendelser fra start til slutt, slik en lærebok kan. Hennes cyclorama-installasjon fra 2000 Opprør! (Våre verktøy var rudimentære, men vi presset på) er like spennende som teatralsk. Den bruker silhuettkarikaturer og fargede lysprojeksjoner for å utforske slaveriet og dets pågående, voldelige implikasjoner i det amerikanske samfunnet.

Det er for mye over det, sa Walker som svar på at arbeidet hennes ble sensurert, alt arbeidet mitt fanger meg på vakt. Walker har blitt møtt med kontroverser siden 1990-tallet, inkludert kritikk fra andre svarte artister på grunn av hennes bruk av urovekkende bilder og rasemessige stereotyper. Det kan også hevdes at det å fremprovosere en sterk reaksjon hos seerne, selv en som er negativ, gjør henne til en desidert samtidskunstner.

3. Faith Ringgold: Quilting History

Hvem er redd tante Jemima? av Faith Ringgold , 1983, via Studio Art Quilt Associates

Født i Harlem på høyden av Harlem renessansen , en bevegelse som feiret svarte kunstnere og kultur, Faith Ringgold er en Caldecott-vinnende barnebokforfatter og samtidskunstner. Hun er mest kjent for sine detaljerte historietepper som gjenskaper representasjoner av svarte mennesker i Amerika.

Ringgolds historieteppe ble født ut av en kombinasjon av nødvendighet og oppfinnsomhet. Jeg prøvde å få publisert selvbiografien min , men ingen ville trykke historien min, sa hun. Jeg begynte å skrive historiene mine på dynene mine som et alternativ. I dag er Ringgolds historietepper både publisert i bøker og nytes av museumsbesøkende.

Å vende seg til quilting som medium ga også Ringgold sjansen til å skille seg fra hierarkiet til vestlig kunst, som konvensjonelt har verdsatt akademisk maleri og skulptur og ekskludert tradisjonene til svarte kunstnere. Denne undergravingen var spesielt relevant for Ringgolds første historieteppe, Hvem er redd for tante Jemima (1983), som undergraver emnet for Tante Jemima, en historisk stereotypi som fortsetter å skape overskrifter i 2020 . Ringgolds representasjon forvandler tante Jemima fra en stereotypi fra slavetiden som ble brukt til å selge pannekaker til en dynamisk gründer med sin egen historie å fortelle. Å legge til tekst på dynen utvidet historien, gjorde mediet unikt for Ringgold, og det tok ett år å lage for hånd.

4. Nick Cave: Bærbare tekstilskulpturer

Lyddrakt av Nick Cave , 2009, via Smithsonian American Art Museum, Washington, D.C.

Nick Cave ble utdannet både som danser og som tekstilkunstner, og la grunnlaget for en karriere som en moderne svart kunstner som kombinerer skulptur og performancekunst med blandede medier. Gjennom sin karriere har Cave laget over 500 versjoner av signaturen hans Lyddresser — Bærbare skulpturer med blandede medier som lager støy når de bæres.

De Lyddresser er laget med en rekke tekstiler og dagligdagse gjenstander, fra paljetter til menneskehår. Disse kjente gjenstandene er omorganisert på ukjente måter for å demontere tradisjonelle symboler på makt og undertrykkelse, for eksempel Ku Klux Klan-panseret eller hodet på et missil. Når den bæres Lyddresser skjule aspektene ved bærerens identitet som Cave utforsker i sitt arbeid, inkludert rase, kjønn og seksualitet.

Blant arbeidet til mange andre svarte artister , Caves første Lyddrakt ble unnfanget i kjølvannet av politiets brutalitetshendelse som involverte Rodney King i 1991. Cave sa: Jeg begynte å tenke på rollen til identitet, å være rasistisk profilert, føle seg devaluert, mindre enn, avskjediget. Og så var jeg tilfeldigvis i parken denne dagen og så ned i bakken, og det var en kvist. Og jeg tenkte bare, vel, det er forkastet, og det er liksom ubetydelig.

Den kvisten dro hjem med Cave og la bokstavelig talt grunnlaget for hans første Lyddrakt skulptur. Etter å ha fullført stykket, tok Ligon det på som en dress, la merke til lydene det laget når han beveget seg, og resten var historie.

5. Glenn Ligon: Identitet som svart artist

Uten tittel (Stranger in the Village/Hands #1) av Glenn Ligon , 2000, via Museum of Modern Art, New York City

Glenn Ligon er en samtidskunstner kjent for å inkorporere tekst i maleriet og skulpturene sine. Han er også en av en gruppe moderne svarte artister som fant opp begrepet post-svarthet , en bevegelse basert på troen på at en svart kunstners verk ikke alltid trenger å representere deres rase.

Ligon begynte sin karriere som maler inspirert av de abstrakte ekspresjonistene - helt til han sa han begynte å legge inn tekst i arbeidet mitt , delvis fordi tilføyelsen av tekst bokstavelig talt ga innhold til det abstrakte maleriet jeg holdt på med – som ikke er å si at abstrakt maleri ikke har noe innhold, men maleriene mine virket innholdsfrie.

Da han tilfeldigvis jobbet i et studio ved siden av en neonbutikk, begynte Ligon å lage neonskulpturer. Da var neon allerede popularisert av samtidsartister som Og Flavin , men Ligon tok mediet og gjorde det til sitt. Hans mest gjenkjennelige neon er Dobbelt Amerika (2012). Dette verket finnes i flere, subtile varianter av ordet Amerika stavet med neonbokstaver.

Double America 2 av Glenn Ligon , 2014, via The Broad, Los Angeles

Charles Dickens berømte åpningsreplikke til En fortelling om to byer — Det var den beste av tider, det var den verste av tider — inspirert Dobbelt Amerika . Ligon sa, Jeg begynte å tenke på hvordan Amerika var på samme sted. At vi levde i et samfunn som valgte en afroamerikansk president, men også var vi midt i to kriger og en lammende lavkonjunktur.

Tittelen og emnet for verket er bokstavelig talt stavet i konstruksjonen: to versjoner av ordet Amerika i neonbokstaver. Ved nærmere observasjon virker lysene ødelagte – de flimrer, og hver bokstav er dekket av svart maling slik at lyset bare skinner gjennom sprekkene. Budskapet er todelt: en, bokstavelig talt i ord, og to, utforsket gjennom metaforer som skjuler seg i detaljene i verket.

Min jobb er ikke å produsere svar. Min jobb er å lage gode spørsmål, sa Ligon. Det samme kan sannsynligvis sies om enhver samtidskunstner.