5 malerier som inspirerte kjente filmskapere

Før film var det bare bilder. Så kom Lumière-brødrene, som viste verden hvordan en intrikat samling av stillbilder kunne konvergere med hverandre for å skape en kunstform ulik alle andre. Ettersom deres revolusjonerende oppfinnelse fortsetter å utvikle seg, fortsetter mange filmskapere å se på artister fra forskjellige tidsepoker for inspirasjon. Her er fem eksempler på hvordan kunsthistorien påvirket film.

1. Caravaggios innflytelse på den store filmskaperen Martin Scorsese

Uten tvil den største filmskaperen gjennom tidene, Martin Scorseses encyklopediske kunnskap om kunstverdenen er virkelig uten sidestykke. Mens han vanligvis er knyttet til sin ekspertise innen film og musikk, er hans dyktighet i klassisk kunst også tydelig i arbeidet hans. Noen ganger er det åpenbart som i 1993 Uskyldens tidsalder hvor han møysommelig gjenskaper kunstverk, landskap, arkitektur, interiørdesign og garderobe fra 1870-tallets New York. Selv om han oftere enn ikke implementerer disse påvirkningene mer subtilt, som tilfellet er med hans første betydelige film Mean Streets .

Filmen foregår i 1970-tallets New York, og handler om fiendskapen mellom unge italiensk-amerikanere når de går på grensen mellom oppriktig statsborgerskap og mafia-troskap. De fleste scenene finner sted i barer hvor karakterene, nemlig Robert De Niro i sin stjerneskapende rolle som Johnny Boy, søker å få betalt gjeld og økt lån. Disse scenene er designet på samme måte som Caravaggios The Conversion of St. Paul, Judith halshugger Holofernes med tanke på hvordan bildene er rammet inn og belyst. Til tross for sin stillhet, maleriet av kontroversielt kunstneren illustrerer tydelig historien som har skjedd før, under og etter bildet. Det samme kan sies om Mean Streets ved at det visuelle til barsekvenser avslører relasjonene mellom karakterene før dialogen i det hele tatt har startet.

Scorsese selv innrømmer den Caravaggio liksom gjennomsyret hele barsekvensene... Han var der på den måten jeg ville ha kamerabevegelsen, valget om hvordan en scene skulle iscenesettes . Denne tilnærmingen gjelder også måten begge kunstnerne bruker vold på i sine respektive verk, da det aldri er umotivert eller smakløst. De understreker øyeblikkets autentisitet ved å vise en raskt glimt av sjokket i motsetning til å dvele ved det. Caravaggios fingeravtrykk kan finnes gjennom hele Scorseses filmografi.

2. Michael Mann Tilpasning av Stillehavet av Andrew Colville

I motsetning til det forrige utvalget, er dette et eksempel på hvordan et malt bilde kan gjenskapes på skjermen på grunn av kraften i dets estetikk. Ikke mange tenker på Michael Mann når det kommer til tidenes store filmskapere, men mellom 1981-filmen Tyv , 1985 Menneskejeger , 1991 Den siste av mohikanerne , og 2004 Sikkerhet , kan filmografien hans være like eklektisk som alle andre. Imidlertid er hans mest kjente film kriminaleposet fra 1995 Varme og dens mest ikoniske ramme er tegnet direkte fra Andrew Colvilles maleri med tittelen Stillehavet .

Den mest engasjerende kvaliteten på Colvilles arbeid er dens intellektuelle tvetydighet når han får seerne til å stille en rekke spørsmål mens de observerer bildet. Hvem er denne mannen? Er han en kriminell? Er dette huset hans? Brukte han nettopp den pistolen? Mens Mann aldri har diskutert offentlig Stillehavet sin innflytelse på Varme , er det tydelig at han er en beundrer av det mystiske kunstverket.

I Varme , som spiller Robert De Niro som den dyktige bankraneren Neil McCaughley, tar Mann det som ville vært en vanlig politi-og-raner-historie og forsterker den med detaljerte karakterer som navigerer etter deres menneskelige oppførsel. Dette vises tidlig når en urolig McCaughley vender tilbake til strandhuset sitt etter at en av hans nye partnere blir hensynsløs og forlater mannskapet; en uvanlig feil for en mann av hans natur. Han legger pistolen og nøklene på et bord og går opp til et vindu med utsikt over Stillehavet. Det er med dette frosne øyeblikket at Mann, i likhet med Colville, utfordrer seeren til å stille spørsmål ved seg selv på samme måte som McCaughley gjør, og til å foreta en ærlig vurdering av sin kompliserte antagonist.

3. Innflytelsen av Hippolyte Flandrin i Paul Thomas Andersons filmer

På samme måte som Scorsese er sinnet til Paul Thomas Anderson (kjent som PTA i cineaste-samfunnet) rikt på referanser til litteratur, musikk og kunst. Han har en tilbøyelighet til å basere kinematografien sin på ikoniske kunstverk, den mest kjente er lett fra filmen hans Iboende Vice som på en smart måte gjenskaper Leonardo da Vincis Det siste måltid av ikke mye annet enn moro. Likevel er det i hans mesterverk fra 2007 Det vil bli blod at hans tilhørighet til malerier grasiøst blander seg med hans kjærlighet til film.

Studie (ung mann naken sittende ved sjøen) av Hippolyte Flandrin, hvis arbeid ble laget i løpet av Det andre franske imperiet , den er lik Stillehavet ved at den skildrer en skikkelse hvis historie er vag. Enten den unge mannen har blitt forlist på denne stranden eller bare er den ensomme ulven i flokken hans, er hans kvaler til å ta og føle på. Måten som Paul Thomas Anderson tilpasser dette bildet på Det vil bli blod er fascinerende da han lar hovedpersonen Daniel Plainview, spilt av den slående Daniel Day-Lewis, reagere på det visuelle på en måte som også informerer publikums reaksjon. Den tragiske figuren på den naturskjønne stranden er allerede et kraftig bilde i seg selv, men øyeblikket den kommer inn i historien (et hovedfokus i Flandrins stykke) øker bare dens styrke.

Paul Thomas Anderson er en av de filmskaperne som ikke snakker mye med pressen om filmene hans ved utgivelsen, en beundringsverdig avgjørelse fra hans side siden det er opp til seerne å bedømme arbeidet hans uten noen forklaringer. Tross alt trengte ikke kunstnere som Flandrin å gi intervjuer om arbeidet sitt etter at det var fullført, så hvorfor skulle Paul Thomas Anderson det?

4. Terrence Malicks bruk av Andrew Wyeths realisme

Hvis det var en bemerkelsesverdig filmskaper som lett kunne vært en impresjonistisk maler i et annet liv, ville det mest sannsynlig vært Terrence Malick. Kjent for sin krevende filmskapingsprosess fra å skrive manuset til å redigere det siste klippet, å si at han er en perfeksjonist ville være en enorm underdrivelse. Men for hvor presis han er som visualist, er hans tilnærming til karakterer mer organisk ettersom han ofte lar skuespillerne sine improvisere måten de beveger seg gjennom en scene.

Den samme følelsen kommer fra Andrew Wyeth vakkert maleri Christinas verden som viser en ung kvinne som ligger i en gressmark. Det er et annet tilfelle der seeren må lure på hvordan og hvorfor Christina ankom dette stedet. I hovedsak hver karakter i hver Malick-film har nøyaktig samme kvalitet – følelsen av at de alltid, billedlig og til tider bokstavelig talt, er knyttet til jorden.

Mens temaene i Christina's World gjelder for alle Malicks arbeider, er dens innflytelse mest åpenbar i det romantiske dramaet fra 1978 Himmelens dager . Filmen handler om reisende i det amerikanske midtvesten ved begynnelsen av 1900-tallet hvor alle er ute etter å skaffe seg en formue. Det er en engasjerende historie i kjernen av det, men til syvende og sist er de mest virkningsfulle scenene livsøyeblikkene der karakterer ganske enkelt går gjennom det vidstrakte landskapet bak dem og kobler seg til alt livet rundt dem.

5. Filmskaper Stanley Kubricks bruk av Dante Gabriel Rossettis kunst

Stanley Kubrick, som tilsynelatende var en kunstnerisk forstander siden den dagen han ble født, begynte å lage spillefilmer i en alder av 23 og utforsket en rekke forskjellige sjangre gjennom sin fullførte karriere. Fra den absurde komedien av Dr. Strangelove , den episke fantasien om 2001: A Space Odyssey, til den viscerale redselen Den skinnende, det var ingen type film Kubrick ikke kunne lage.

Gitt mangfoldet av materiale Kubrick drev med, ble han tvunget til å støtte seg sterkt på sin ekspertise innen tradisjonell kunst for å påvirke arbeidet hans. Det mest åpenbare eksemplet på dette er periodedramaet fra 1975 Barry Lyndon som bokstavelig talt føles som en serie malerier fra 1700-tallet som har våknet til liv, men den mest spennende når det gjelder forholdet til tradisjonell kunst er hans gåtefulle sluttfilm Bredt lukkede øyne som ble fullført bare dager før hans utidige død. Som en av hans tøffeste filmer å tyde, er det opp til seerne å gjennomtenkt skanne hver ramme og avdekke dens kunstneriske mysterier.

Bredt lukkede øyne handler om et ektepar spilt av Tom Cruise og Nicole Kidman som står overfor farene ved å rømme sine komfortsoner, med Cruises konflikt som involverer en skummel sexkult. Under en scene hvor han møter en åpenbaring på en kafé, er det malerier spredt over veggene med et av de mest fremtredende vesenet Astarte syrisk av Dante Gabriel Rossetti . Ikke bare er det et portrett som vagt ligner utseendet til Kidmans karakter, men temaene eksotisme og sensualitet gjennomsyrer hele filmen. Selv om det kan virke som bare dekorasjon, er det bedre å anta at Kubricks utvalg av dette var ettertrykkelig siden det ikke er en eneste detalj i filmene hans som ikke ble viet intens tanke og omsorg.