4 kunstnere fra viktoriansk tid som laget kunst for kunstens skyld

Detaljer fra Brennende juni av Sir Frederic Leighton, 1895; og Dagsdrømmen av Dante Gabriel Rossetti, 1880

Uttrykket kunst for kunstens skyld høres kanskje enkelt ut – men disse fire ordene innledet en helt ny kunstbevegelse i viktoriansk tid i London. Kunst for kunstens skyld oppsto som en engelsk oversettelse av det franske slagordet kunst for kunst . På 1860-tallet ble konseptet popularisert av Walter Pater , en innflytelsesrik britisk kunstkritiker. Arbeidet hans bidro til å legge grunnlaget for den estetiske bevegelsen, som forente en mangfoldig gruppe av avantgardistiske viktorianske kunstnere, håndverkere og poeter under mottoet kunst for kunstens skyld.

Kunst for kunstens skyld: en bakgrunn

Walter Pater var kjent for å bruke blomstrende prosa i sine kunsthistoriske essays og kritiske anmeldelser av kunst og litteratur i viktoriansk tid. Arbeidet hans fokuserte ofte på ønsket om skjønnhet, kjærligheten til kunst for kunstens skyld, og han forkynte ofte at den beste kunsten kommer til deg og bekjenner ærlig at du ikke gir annet enn høyeste kvalitet til øyeblikkene dine når de passerer, og ganske enkelt for de øyeblikkenes skyld. Disse filosofiene var direkte i strid med de hundre år gamle tradisjonene til de prestisjetunge Royal Academy of Art og sosiale normer fra viktoriansk tid.

Symfoni i hvitt, nr.III av James Abbott McNeill Whistler , 1865-67, via Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

I Storbritannia på 1800-tallet dikterte mainstream-kulturen streng moral. Kunst ble først og fremst brukt til å uttrykke etiske, politiske, sosiale eller religiøse budskap. I mellomtiden underviste Royal Academy fortsatt et kunsthierarki som favoriserte Klassisk og Høy italiensk renessanse emner og stiler. Bygget på konseptet kunst for kunstens skyld, hadde den estetiske bevegelsen som mål å velte alt dette, og insisterte på at kunstnere ikke skulle måtte rettferdiggjøre arbeidet sitt utover dets egenverdi.

Det var innenfor denne kulturelle konteksten at skapere i ulike disipliner adopterte kunst for kunstens skyld som sin trosbekjennelse, inkludert Det prerafaelittske brorskap , Estetisk bevegelses malere ledet av James Abbott McNeill Whistler , interiørdesignere av Kunst og håndverksbevegelse ledet av William Morris , og Fleshly School-poetene ledet av Algernon Charles Swinburne . De mente alle at deres valgte medium burde få eksistere bortsett fra enhver didaktisk eller utilitaristisk funksjon. I maleriets rike var ikke lenger emne og fortelling relevant – en tilnærming som var revolusjonerende for den tiden – og kunst for kunstens skyld fødte en spennende ny kunstgenre som inkluderte bidrag fra disse fire bemerkelsesverdige viktorianske kunstnerne.

Liker du denne artikkelen?

Meld deg på vårt gratis ukentlige nyhetsbrevBli med!Laster inn...Bli med!Laster inn...

Vennligst sjekk innboksen din for å aktivere abonnementet ditt

Takk skal du ha!

1. James Abbott McNeill Whistler: Poetry of Sight

Arrangement i grått og svart nr. 1 (Portrett av kunstnerens mor) av James Abbott McNeill Whistler , 1871,via Musée d'Orsay, Paris

Whistler var en amerikanskfødt kunstner som ble en av lederne for den estetiske bevegelsen. Selv om han aldri utmerket seg spesielt i en akademisk setting, studerte Whistler i Paris ved siden av Impresjonister og bosatte seg deretter i London, hvor han assosierte seg med artistene fra den viktorianske avantgardetiden. På grunn av disse påvirkningene bidro Whistler til å bane vei for at kunst for kunstens skyld virkelig fanget opp.

Walter Pater hevdet det all kunst streber hele tiden etter musikkens tilstand. Whistler ble også tiltrukket av ideen om at musikk er den mest eksemplariske formen for kunst for kunstens skyld. Dette er fordi et musikkstykke uten tekst – og dermed ingen definitiv fortelling eller emne – bare kan verdsettes for sin skjønnhet. Whistler ønsket virkelig å oppnå denne effekten i visuell kunst, og gikk så langt som å navngi maleriene hans ikke etter motivene, men med musikalske termer som Harmoni , Ordning , Nocturne , og Symfoni . Når det gjelder hans ukonvensjonelle navnestil, Whistler forklarte , Som musikk er lydens poesi, er det å male synets poesi, og emnet har ingenting å gjøre med harmoni i lyd eller farge.

Selv det beryktede portrettet av Whistlers mor er først og fremst et estetisk arrangement av farger og former. Det er bare i daglig tale kjent som et portrett av kunstnerens mor, mens dens offisielle tittel— Arrangement i grått og svart nr. 1 — antyder at maleriet ikke er noe mer enn en estetisk komposisjon av dempede farger.

Nocturne: Blue and Gold — Old Battersea Bridge av James Abbott McNeill Whistler , ca. 1872-75, via Tate, London

På samme måte malte Whistler ofte scener av den tåkete Themsen om natten i en serie han kalte Nocturnes . Hver Nocturne har en bemerkelsesverdig flat og enkel komposisjon, en monoton fargepalett og brede, gjennomskinnelige penselstrøk. Sluttresultatet er en drømmende visuell effekt av lys og farger i stedet for et konvensjonelt landskapsmaleri av et kjent sted. Seere fra viktoriansk tid ble sjokkert over disse malerienes tilsynelatende uferdige utseende og ubestemte emne – så mye at en rettssak fulgte.

2. Albert Moore: Avslappende luksus

Drømmere av Albert Moore , 1882, via Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham

Som ung kunstner var Moore fascinert av antikk skulptur . Han brukte timer på å studere og tegne Elgin Marbles , en samling av antikke greske skulpturer fra Parthenon på British Museum i London. Hans akademiske dyktighet og Nyklassisk stil ga ham utstillingsplass ved Royal Academy of Art - men hans voldsomme kunstneriske uavhengighet hindret ham til slutt fra å delta fullt ut sammen med de mer tradisjonelle akademikerne.

Moore er kjent for sine dekadente komposisjoner av kvinnelige figurer i ulike tilstander av hvile og avslapning, typisk posert i en forestilt og svært dekorativ, klassisk setting. I motsetning til den typen kunst som fremmes av Royal Academy, inneholder ikke Moores malerier noen historiske fortellinger eller merkbare meldinger. Kvinnefigurene eksisterer ikke som emne, men snarere som ett av mange elementer i en estetisk komposisjon. Identiteten deres og til og med ansiktsuttrykkene deres er målrettet vage – men de kunstferdige gjengitte kroppene, stoffene, teksturene og harmoniske fargepaletter demonstrerer Moores evne til å kombinere en mengde dekorative detaljer for å oppnå en luksuriøs, men likevel rolig, effekt.

Granatepler av Albert Moore , ca. 1875, i Guildhall Art Gallery, London, via Art UK

Faktisk er de fleste av hans malerier, som f.eks Granatepler , er oppkalt etter vakre ting som blomster og frukt, eller tider på dagen og årstider. Disse titlene beskriver ikke narrativ eller emne, og de kaller heller ikke ut de mest bemerkelsesverdige objektene i maleriene. I stedet legger de vekt på den generelle dekorative effekten maleriet har til hensikt å oppnå. Mens hver del av Moores malerier representerer en gjenkjennelig form, er alle objektene og figurene så abstrahert fra alle identifiserende kjennetegn, slik at de eksisterer bare for å fullføre en estetisk komposisjon som nytes for sin skjønnhet - et ypperlig eksempel på kunst for kunstens skyld.

3. Dante Gabriel Rossetti: Sensuous Portraiture

Dagdrømmen av Dante Gabriel Rossetti , 1880, via Victoria and Albert Museum, London

Både en maler og en poet, Rossetti huskes for sine svært dekorative portretter av kvinner - hvorav mange har poesi innskrevet på rammene eller inkludert i komposisjonen. Rossetti var et grunnleggende medlem av det prerafaelittiske brorskapet og ble som sådan trukket til middelalderske inspirasjonskilder som gikk før Raphael ,Royal Academys favoritt Gammel mester Renessansemaler. Rossetti var også interessert i å eksperimentere med det Walter Pater omtalte som billeddikt, eller kunstverk som oppnår fullstendig uttrykk ved tegning og farge, i stedet for ved å fortelle en historie.

Rossetti stilte ikke ofte ut arbeid offentlig i løpet av sin levetid, men ryktet hans vokste likevel etter hvert som besøkende på studioet hans spredte ordet om hans dristige innovasjoner. Han var også beryktet for å holde selskap med forskjellige kvinnelige muser. Rossetti ble spesielt tiltrukket av kvinner som hadde sterke, kantete trekk, voluminøse frisyrer og en forførende tilstedeværelse - mye i motsetning til Den viktorianske tidens ideal for delikat og sart kvinnelighet.

Kysset munn av Dante Gabriel Rossetti , 1859, via Museum of Fine Arts, Boston

Kysset munn var det aller første av Rossettis signaturportretter av enkeltfigurer. Inspirert av et italiensk ordtak med samme navn, et utdrag som faktisk er innskrevet på baksiden av lerretet, Kysset munn skildrer Rossettis muse, modell og noen ganger elskerinne, Fanny Cornforth . I dette maleriet blander Cornforth og omgivelsene seg sammen for å skape en estetisk effekt - hennes slående oransje hår, fløyelsmyke grønne klær og gylne tilbehør smelter sammen med blomsterarrangementet i bakgrunnen og det utsmykkede tekstilet i forgrunnen, som begge er unaturlig flatete for ytterligere å understreke viktigheten av komposisjonen som helhet. Det er ingen gjenkjennelig sted, historie, person eller tidsperiode i Kysset munn – Det er rett og slett et skjønnhetsobjekt.

4. Frederic Leighton: Klassisisme fra viktoriansk tid

Mor og barn (kirsebær) av Frederic Leighton , 1865, via Blackburn Museum and Art Gallery

Leighton var kommersielt vellykket i løpet av sin levetid på grunn av sin klassisk inspirerte og akademisk trente stil. Han studerte maleri og skulptur i Firenze og Paris, deretter bosatte han seg i London, hvor han assosierte seg med forskjellige viktorianske kunstnere og designet en overdådig bolig for seg selv. I motsetning til andre Aesthetic Movement-kunstnere, som holdt seg til utkanten av Londons kunstscene, ble Leighton et fullverdig medlem av Royal Academy of Art og fungerte til og med som presidenten. Der var han i stand til å fremme konseptet kunst for kunstens skyld fra etablissementet.

Brennende juni av Sir Frederic Leighton , 1895, i Ponce Art Museum, via Google Arts & Culture

Betraktet som det største maleriet i Leightons karriere, det berømte Brennende juni ble gjenoppdaget på 1960-tallet etter å ha forsvunnet fra offentligheten etter kunstnerens død. Samtidig som Brennende juni viser Leightons akademiske trening i menneskelig anatomi, bøyer han subtilt representasjonsreglene for å bruke kvinnens figur og resten av scenen som dekorative verktøy i stedet for overbevisende illusjoner. Monumentaliteten til kvinnens figur understrekes ved å forlenge bena for å overfylle møblene og overdrive den brennende fargetonen og den dynamiske bevegelsen til draperiet hennes, som nesten ikke kan skilles fra det spredte håret hennes.

Som Albert Moores rolige kvinner, Brennende juni Roen gjør henne til en passiv, kanskje til og med livløs del av en drømmeaktig dekorativ scene – selv om posituren hennes sannsynligvis ikke ville være avslappende, hvis den ble forsøkt i det virkelige liv. Selv om Leighton perfekt ville ha vært i stand til å male en menneskelig figur som trekker seg tilbake i tredimensjonalt rom, Brennende juni demonstrerer hvordan hans interesse for kunst for kunstens skyld kunne inspirere til en forståelse av klassisisme ikke som en akademisk teknikk eller historisk referanse, men som en formbar estetikk.

Arven av kunst for kunstens skyld

Ifølge James Whistler , kunst bør være uavhengig av alle klapper – bør stå alene og appellere til den kunstneriske sansen for øye eller øre. Ved å praktisere sin felles tro på kunst for kunstens skyld – og våge å våge seg utover grensene til tradisjonell didaktisk kunst – bidro disse fire malerne fra viktoriansk tid til å sette scenen for modernister fra det tjuende århundre å presse kunstens grenser enda lenger i tiår framover.